Técnica fotográfica – Página 2 – f2.8 Blog de Fotografia y Diseño Grafico

Curso online de fotografía nocturna

En la web de Carlos Serrano, fotógrafo español dedicado casi exclusivamente a la fotografía nocturna podrán encontrar un muy completo curso de fotografía nocturna. Para aquellos seguidores de esta clase de fotografía, les recomiendo este curso que describe paso a paso desde el material básico que se necesita pasando por nociones sobre composición, diafragma, enfoque, exposición, velocidad y todo lo referente a la fotografía nocturna, además de tips y trucos para obtener este tipo de fotos. Muy recomendable!

Link del curso+

Luz difusa con rebote de flash en techo o pared

"¿Para que preocuparse en quitar el flash de la cámara si al final acabas rebotándolo en el techo o un una pared?"

Porque haciéndolo así, cuando te mueves alrededor de la escena mientras disparas, no cambias el punto de rebote del flash y la iluminación es consistente entre las diferentes tomas.

Porque iluminando con el flash fijo en una posición y con la potencia marcada en manual da una consistencia a tus fotos en exposición, calidad de luz y dirección de la luz imposibles de lograr con TTL.

Porque es una técnica que permite medio montar las luces e ir probando la exposición mientras decides que tipo de iluminación quieres obtener.

Porque trabajar con las luces fuera de la cámara es un buen hábito de trabajo a la que conviene acostumbrarse, para generar un fondo atractio que permita realizar un retrato muy aparente en una triste y aburrida oficina iluminada con fluorescentes.

La técnica es sencilla, muy usada y muy simple. Y te darás cuenta que estamos hablando simplemente de técnica. No tienes que comprar nada nuevo para tu equipo.

OK, pues entonces ya está, esas son las razones. Esta técnica te genera una iluminación general, capaz de iluminar una habitación completa y es útil para generar una zona muy permisiva de luz direccional. Suave y plana, pero definida al mismo tiempo.

Cosas a recordar

Primero, cuidado con el color de la pared. Ese color se transferirá a la luz reflejada.

Generalmente puedes usar esto a tu favor, como por ejemplo haciendo más cálida la luz reflejada, como en este retrato de una artista.

Puedes usar el ajuste del zoom de la cabeza del flash para controlar el tamaño del círculo de luz que ilumina la pared. Simplemente dispara el flash y observa el tamaño del haz en la pared sobre la que incide. Eso te permite empezar a ver el tipo de iluminación que vas a generar.

Técnica:
1. Apuntamos con la cabeza del flash directamente al techo o con un ángulo de 75 grados aproximadamente. El techo hará las veces de un gran reflector aunque como inconveniente está la posibilidad de que aparezcan algunas sombras cerca de los ojos a causa de que toda la luz proceda de arriba.

2.Rebote invertido en techo. En este método colocamos el flash en un ángulo de 45 grados apuntando hacia atrás de modo que el destello rebote en el techo y la pared ubicados a nuestras espaldas. Evitaremos la sombra de los ojos del método anterior, aunque necesitaremos una pared detrás.

3.Rebote en pared o lateral. Colocamos la cabeza del flash en un ángulo de 90 grados respecto al sujeto de forma que apunte a la pared más cercana. Conseguiremos una luz direccional que da profundidad a la imagen.

El bloqueo del espejo reflex – MLU

EL PROBLEMA

Cuando presionamos el disparador, el espejo que "conduce" la imagen formada por el objetivo al visor a través del pentaprisma tiene que desplazarse para permitir pasar la luz hacia la película o el sensor. Entre medias se encuentra con el obturador que, pasado un cierto intervalo de tiempo desde que el espejo se levanta, se abre y permite la exposición de la película o el sensor. Transcurrido el tiempo de exposición el obturador se cierra y el espejo vuelve a su sitio.

Tanto trajín dentro de nuestra cámara tiene sus consecuencias. En concreto levantar el espejo va a tener como consecuencia que la cámara se va a poner a vibrar como una loca. ¿Por qué? Voy a contestar a esta pregunta con otra pregunta: ¿qué pasa cuando una persona quieta en una pista de patinaje empuja a otra que está quieta a su lado? Pues algo que seguro que muchos lectores han experimentado: los dos salen despedidos en sentidos contrarios con velocidades que dependerán entre otras cosas de lo que pesen cada una de las personas. Si una de las personas es más grande que la otra saldrá despedida con una velocidad menor. Esto es lo que en física se conoce como conservación del momento lineal.

El caso del espejo dentro de la cámara es similar. Para permitir el paso de luz hacia el sensor el espejo ha de rotar dentro de la cámara adquiriendo un momento angular. Para que dicho momento angular se conserve el resto de la cámara rotará respecto al mismo eje con una velocidad de rotación mucho menor (puesto que el resto de la cámara es mucho mayor "tiene mayor momento de inercia en la jerga técnica" que el espejo). Ahora bien la cámara está sujeta, o en nuestras manos, o montada en un trípode. En el segundo caso la tendencia a rotar de la cámara tiene como consecuencia que las piezas a las que está sujeta (el plástico de la carcasa, el soporte del trípode o su rótula, los pies del trípode, etc.) sufran pequeñas deformaciones elásticas al oponerse al movimiento del cuerpo de la cámara que, inevitablemente, tienen como resultado que todo el sistema se ponga a oscilar.

LA CONSECUENCIAS

Una cámara oscilando (vibrando) cuando debiera estar perfectamente estable en el trípode no es precisamente una garantía de nitidez en las fotografías que hagamos. Claro, que cabe preguntarse cuánto van a afectar las vibraciones trepidando dichas fotografías. Podría suceder que las vibraciones fueran de tan baja amplitud (por ejemplo del orden del tamaño de una celda de nuestro sensor, o del orden del tamaño del grano en el caso de una película) que no notáramos sus efectos en absoluto. También podría suceder que la frecuencia de las oscilaciones fuera tan baja que su periodo (cuatro veces el tiempo que tarda la oscilación en pasar de su valor máximo a cero) fuera mucho mayor que el tiempo de apertura del obturador. En tal caso los efectos de las vibraciones al menos a velocidades moderadamente bajas tampoco serían apreciables.

Por desgracia para los que disfrutamos fotografiando el mundo, las pruebas empíricas parecen mostrar que nos encontramos con problemas tanto por que las amplitudes de las oscilaciones son significativamente altas, como por que los periodos de oscilación son del orden de los tiempos típicos de apertura del obturador cuando disparamos con trípode.

LAS SOLUCIONES

Bien. Hasta ahora lo único que hemos hecho es mostrar que cuando disparamos con trípode a velocidades moderadas podemos encontrarnos con ciertos problemas con la nitidez de nuestras imágenes debido a las vibraciones inducidas por el movimiento del espejo. Queda por contestar a la pregunta de ¿cómo podemos resolver este problema? Aquí es donde entra en juego el llamado "bloqueo del espejo" o MLU (de las siglas en ingles de "mirror lock-up"). ¿Y en qué consiste el MLU?

Básicamente lo que nos permite el MLU es realizar los disparos en dos fases:

1-movimiento del espejo

2- obturación, separadas entre sí por un intervalo de tiempo lo suficientemente grande para que las oscilaciones inducidas por el movimiento del espejo se amortigüen de manera que no trepiden nuestra fotografía.

En realidad cuando activamos el MLU de nuestras cámaras deberemos hacer dos disparos. En el primero lo único que conseguiremos será levantar el espejo. En el segundo disparo (que realizaremos pasado un intervalo de tiempo a nuestra elección) por fin abriremos y cerraremos el obturador exponiendo el sensor, tras lo cual el espejo volverá a su sitio. Ni que decir tiene que deberemos realizar ambos disparos con un disparador remoto.

El tiempo entre el primer y el segundo disparo queda indefinido y a la elección del fotógrafo de turno, pero el tiempo de vida media de las oscilaciones es aproximadamente de un cuarto de segundo. Por tanto no parece que tenga mucho sentido estirar más allá de esos 2 segundos el tiempo transcurrido entre los dos disparos. Más aún cuando Canon nos advierte de la posibilidad de dañar las cortinillas del obturador en el caso de que una luz intensa incida sobre ellas mientras el espejo está levantado.

Utilización

Se recomiendo levantar el espejo cuando realizamos fotografía nocturna o astrofotografía en donde los tiempos de exposición son prolongados.

Algunos conceptos y tips sobre Fotografía infraroja – IR

Volviendo sobre este tema, será que me apasiona demasiado, explico en pocas palabras lo que sería este tipo de fotografía.

La luz se propaga a través de ondas, esas ondas tienen distintas frecuencias y forman todo el espectro visible y no visible, dentro de este espectro se encuentra la luz infraroja.

La luz infrarroja, no es solamente uno de los tipos de luz que no podemos ver con nuestros ojos. Hay muchos más, tales como los rayos X, los rayos gamma, la luz ultravioleta y las ondas de radio. Somos muy afortunados al vivir en una época en la que tenemos la tecnología que nos permite “ver” todos estos tipos de luz.

Originariamente la fotografía infrarroja se llevaba a cabo con películas sensibles a este tipo de radiación, hoy en día con el uso extendido de cámaras reflex digitales el método cambia un poco.

Las cámaras actuales, o mejor dicho los sensores, son capaces de captar tanto la radiación normal como la infrarroja, pero eso no es bueno, si esto se permitiera las imágenes serían dominantes en rojos y muy sensibles al ruido, por tanto, las reflex digitales integran un filtro que bloquea la radiación infrarroja y sólo deja que llegue al sensor la radiacion por encima de ésta.

Aquí tienen un ejemplo que grafica lo que uno vería en forma normal y otra con visión infraroja:

Una fotografía a la luz visible (izquierda) y una fotografía infrarroja (derecha) de dos vasos. Un vaso contiene agua fría mientras que el otro contiene agua caliente. En la fotografía a la luz visible no podemos decir solamente mirando, cuál vaso contiene agua fría y cuál agua caliente. En la imagen infrarroja podemos claramente “observar” la brillantez del agua caliente en el vaso de la izquierda y el agua más oscura y fría en el vaso de la derecha. Si nosotros tuviéramos ojos infrarrojos, podríamos decir si un objeto es caliente o fríos sin tener que tocarlo.

Ahora en la fotografía infraroja digital la historia cambia, los colores cambian, tomando tonalidades que rondan lo surreal, esto es lo que llama la atención de este tipo de fotografía.

Para saber cuan sensible es tu cámara al infrarrojo solo tienes que hacer una fotografía al led de un control remoto mientras pulsas algún botón, si se ve algo de luz es que tu cámara es “algo” óptima para fotografía infrarroja.

Uno de los motivos de determinar si tu cámara es apta para este tipo de fotografía, es que el filtro Hoya R72 no es nada barato, sobre todo en los diámetros de filtro más grandes, llega a rondar los u$s300.

Espero haberles aclarado un poco el panorama y les dejo un tutorial que explica paso a paso cómo meterse en este mundo tan interesante:

https://www.dropbox.com/s/tc2za5jy9205k21/tuto_infrarroja.pdf

Determinar la exposición midiendo la luz del cielo

Una de las formas de medir la luz que más se utiliza en espacios abiertos es la de tomar los valores de la exposición en el cielo y no apuntando la cámara a ninguna parte concreta de la escena.

Es decir, giro la cámara dirigiendo el objetivo hacia el cielo -obvio no hacia el sol- ajusto en modo manual (o prioridad de Abertura) hasta que el fotómetro indique que la exposición es correcta -o ligeramente sobreexpuesta según el gusto y las técnicas de procesado de cada uno- y manteniendo la exposición vuelvo a dirigir la cámara a la escena ignorando las siguientes indicaciones del fotómetro.

Este método tiene algunas ventajas: no hay que preocuparse de dónde medir la luz en cada escena y mientras que la luz no cambie radicalmente no hay casi que preocuparse de la exposición, aunque conviene no perder de vista el histograma y activar el aviso de luces altas.

Es una técnica muy útil para lograr imágenes muy uniformes en cuanto a luz y colores.

Este método es válido para casi todo tipo de situaciones, incluyendo el atardecer, el amanecer y cuando hay reflejos marcados en el agua o en el mar.

Otra forma es tomar la medición en el cielo que tiene más luz que el resto del paisaje y subexponer alrededor de 1 punto o 1.5 puntos (-1EV o –1.5EV).

Luego utilizo Photoshop para darle el toque final a la fotografía.

Multiplididad (Multiplicity photo)

Multiplidad es una técnica que consiste en poner a la misma persona varias veces en la misma foto. Usando este concepto algunos han llevado esta técnica a un nivel superior, he aquí algunos ejemplos:

En qué consiste?
La técnica es sencilla, se necesita un trípode, cámara, un programa de edición fotográfica y mucha habilidad

Lo primero es realizar una toma del ambiente vacío, luego se realizan las distintas tomas del personaje en distintas posiciones y con edición fotográfica se van superponiendo (recortando) las siluetas en capas desde el más lejano hasta el más cercano a la cámara, respetando las sombras que pueda tener cada toma.

El secreto: no mover la cámara entre toma y toma.

Una toma estenopéica de 6 meses de exposición

Fotografía con tiempo de exposición de seis meses, tomada por Justin Quinnell.

Vimos hace un tiempo cómo hacer fotos estenopéicas con nuestra cámara digital. Como saben los tiempos de exposición son muy largos. Pero cuánto tiempo podemos dejar expuesto un papel fotográfico sensible a la luz?

La respuesta está en Slow Light que es una colección de fotografías tomadas con tiempos de exposición tan largos como 6 meses, sí leyeron bien, 6 meses, entre los solsticios de invierno y de verano.

La fotografía superior, tomada con una cámara estenopeica casera, se realizó manteniendo el obturador abierto desde el 17 de diciembre de 2007 hasta el 21 de junio de 2008.

En la imagen -como en otras imágenes de la misma serie- las trazas de luz es el movimiento del Sol sobre el cielo. La línea arqueada superior corresponde al solsticio de verano, la inferior al de invierno.

También hay explicaciones para hacer exposiciones de tan larga duración en el siguiente link (en ingles): Solargraphs. How to create 6 month exposures.

Lomografía – Un movimiento artístico que hace historia

La lomografía (del inglés lomography) es el arte de hacer fotografías con una cámara LOMO LC-A (cámara compacta de la marca soviética LOMO. Es una cámara totalmente automática, de alta sensibilidad, capaz de registrar color y movimiento sin necesidad de flash y sin deformación. Las fotografías tomadas con esta cámara tienen unas características peculiares que las distinguen instantáneamente.

La lomografía enfatiza la fotografía informal y despreocupada. Lo que normalmente se consideraría un defecto o accidente (sobresaturación de colores, defectos ópticos, sobreexposición, colores indefinidos, entradas de luz por distintos lugares de la cámara, etc.) se considera aquí un rasgo particular y artístico. El descubrimiento
Lo protagonizaron en 1991, Matthias Fiegl y Wolfgang Stranzinger, unos estudiantes vieneses que aprovechaban las vacaciones para visitar Checoslovaquia (en proceso de democratización). En ese momento la LC-A empezaba su declive. En el mercado ya se encontraban cámaras baratas de origen asiático que le quitaban el mercado. La LC-A sólo se encontraba en cooperativas de viejas escuelas.

Los estudiantes vieneses compraron un par como diversión en un mercadillo. Por las calles de Praga fue donde dispararon los primeros carretes, y en raras ocasiones miraban por el visor.

Tras revelar los carretes, ya en Viena, empezaron las sorpresas: fotos enfocadas y desenfocadas, luminosas, saturadas y frescas, que transmitían una sensación de excitación explosiva. Entonces ambos estudiantes montaron un negocio con estas cámaras.

En 1994-95 se hace el lanzamiento al mundo. La primera exposición lomográfica internacional fue en 1994 en Moscú y Nueva York simultáneamente. Se podían ver miles de fotografías sobre Nueva York en Moscú y viceversa.

Por aquellos tiempos se fundó la primera Embajada Lomográfica en Berlín. Esto dio lugar a las lomoembajadas, punto de encuentro donde se realizaban actos locales, tours lomográficos. Actualmente hay más de 70 distribuidas por 30 países. También tiene esta fecha el nacimiento de lomo.com, central desde donde se coordinaba la comunicación lomográfica.

Características de la cámara (LC-A)

El modelo que sentó las bases de la lomografía fue la LC-A, que actualmente aún goza de una buena representación en el movimiento. Esta cámara presenta unas características muy particulares (extrapolables a los posteriores modelos) que condicionan ostensiblemente el resultado final de la fotografía.

Lente
La lente de que dispone la cámara fue expresamente diseñada por el profesor Radionov. Se trata de una lente de gran angular llamada Minitar 1. Esta lente se caracteriza por imprimir una importante intensificación de los colores en el objeto fotografiado. Como los colores tienen mayor presencia en el centro de la foto se da un efecto túnel y, además, tenemos otro efecto de oscurecimiento en las esquinas de la imagen, produciendo un efecto parecido a un halo.

Ajuste de exposición
La cámara dispone de una palanca que permite ajustar el modo en automático o manual. En el modo automático la exposición se calcula automáticamente al detectar la cantidad de luz presente en el exterior. En condiciones de poca iluminación la exposición puede llegar a ser mayor de un minuto. Con la lomo se pueden conseguir efectos de velocidad o movimiento capturando deliberadamente con mucho movimiento.

Foco
El enfoque en esta cámara era muy rudimentario. Disponía tan sólo de 4 modos: 0,8 metros, 1,5 metros, 3 metros e infinito. Esto provoca que muchas fotos salgan desenfocadas pero con un cierto toque artístico.

Características de las fotografías resultantes
Las características que hacen especial esta cámara son básicamente tres:

Produce un error de gamma.
Saturación de los colores.
Aparición de viñeteado.

Reglas de oro de la Lomografía

Hay ciertas reglas de oro que hacen a la filosofía lomográfica y esas son:

1.Lleva siempre la cámara contigo.
2.Utilízala de día y de noche.
3.Lomografiar no interrumpe tu hacer cotidiano, la pone en escena.
4.Dispara desde la cadera.
5.Acércate todo lo que puedas a tu objetivo.
6.No pienses.
7.Sé rápido.
8.No importa lo que tienes en la pelicula.
9.Luego tampoco.
10.No te preocupes por ninguna de las reglas.

"No pienses, dispara!"

Tipos de cámaras

Otro modelo muy popular en los años 60 fue la Diana+, que esta de regreso con un toque clásico pero con nuevos accesorios como, flash electrónico, lente de ojo de pecado, filtros y además viene en una gran variedad de diseños y colores, incluyendo una edición especial de la banda White Stripes.

Un modelo originario de China es la Holga, que se caracteriza por usar película en formato de 120mm que toma fotos muy originales en 6×6 o con un adaptador nos da fotos de 6×4. La holga cuenta con flash electrónico en 4 colores.

Y no pueden faltar las cámaras que en un solo cuadro toman hasta 9 imágenes, estas cámaras cuentan con varios lentes que se sincronizan y con un solo click toman en un segundo desde 4 hasta 9 imágenes en una sola foto. Las más populares son la SuperSampler, la Pop 9 y la Oktomat.

De postre una acción de ATNCENTRAL para Photoshop que imita muy bien el efecto LOMO:

A2D Lomo

La Iluminacion con luz natural

Normalmente se considera que la iluminación ideal para fotografiar escenas y, especialmente, retratos al aire libre es la luz solar difusa, es decir, la que predomina cuando el sol queda levemente velado por una nube blanca y tenue.

La luz natural varía en su color a lo largo del día y de las estaciones, y en una fotografía bien ejecutada el espectador identifica inconscientemente el momento en que fue tomada. La luz solar directa tiene una temperatura de color que tendemos a identificar como el blanco puro. La luz de un día nublado, por el contrario, tiene una tonalidad mucho más azul de lo que podemos percibir.
Entonces se logran sombras muy adecuadas para los retratos sin que, al mismo tiempo, se produzcan contrastes o discordancias.

Las rachas luminosas de sol que a menudo siguen a los aguaceros pueden crear problemas, especialmente si el tema es ya de por sí muy rico en contrastes. Pero por extraño que parezca, esta clase de iluminación es la mejor para captar panorámicas a larga distancia, ya que el aire se halla libre de las partículas en suspensión que produce la atmósfera.

Pero también con este tipo de luz en la que tenemos un sol de tarde y cielo nublado luego de una lluvia se produce un realce notorio de los colores. Depende mucho de tu habilidad para saber ver qué posibilidades ofrece un tema determinado.

Como vemos en los ejemplos que siguen estas fotografías fueron tomadas luego de una lluvia en donde asomó el sol de la tarde:

Hay que tener cuidado también al fotografiar temas situados en la sombra, al aire libre, ya que en tales circunstancias, sin un filtro corrector ultravioleta, o con una corrección del balance de blancos, las fotos saldrán con una dominante azulada y por tanto con una luz fría.
Con el mismo filtro o con el mismo balance de blancos (día Nublado) pueden tomarse buenas fotos en días sin sol.

La ausencia de sombras proyectadas no presupondrá forzosamente la monotonía, especialmente si el tema presenta contrastes de color. Si se eligen con cuidado los lugares al aire libre en dónde se van a tomar las fotos, la luz suave puede constituir una ayuda sutil al fotografiar a personas.

La niebla y la neblina permiten obtener estudios que resultan atractivamente diferentes y que se combinan muy bien con otras fotografías obtenidas en días soleados.

Qué es el efecto flare y cómo evitarlo

El flare es un fenómeno que tiene lugar en un objetivo cuando inciden sobre él rayos de luz que no forman imagen en el plano focal, pero que de todas maneras lo atraviesan provocando diversos fenómenos de luz parásita que degradan la imagen.

En casos normales, estos rayos de luz son dispersos, de baja intensidad, y están repartidos en toda la superficie de la imagen, siendo casi imperceptibles. Cuando esta luz difusa se torna muy intensa ocurre una disminución del contraste, visible como un aumento del valor de las bajas luces que percibimos como negros agrisados.

Una imagen con un alto índice de flare o velo óptico producirá un histograma en el que habrá pocos valores sobre el lado izquierdo, aún cuando tengamos motivos muy oscuros.

Cuando esta luz parásita es puntual y dirigida, se superpone a la imagen formada en el plano focal formando distinto tipo de "artefactos" o manchas luminosas, las cuales suelen tener la forma del diafragma utilizado.

¿Qué es lo que produce el flare? La causa básica son las reflexiones internas. Casi toda la luz que atraviesa un objetivo llega al plano focal. Pero hay una pequeña cantidad que es reflejada por su superficie. Si consideramos que un objetivo zoom actual puede estar compuesto de diez o más lentes individuales o elementos, podemos concluir que hay una importante cantidad de luz que es reflejada dentro del objetivo, dispersada y vuelta a reflejar.

Estas reflexiones son corregidas en la construcción del objetivo empleando recubrimientos y también combinaciones de lentes con diferente índice de refracción (Cristales Flint o Crowne). Estos recursos encarecen el precio del objetivo, por lo que podremos esperar mayores índices de flare en los zoom de económicos, como los que componen el kit de las cámaras réflex digitales de nivel más básico.

Las condiciones de uso también son importantes para evitarlo:

La grasitud, el polvo o la abrasión de las superficies externas del objetivo también contribuyen al aumento del flare.

Para evitar las luces dispersas debemos recurrir al uso de un parasol eficiente. Los de diseño en forma de pétalo brindan protección adicional. También será necesario usar a veces banderas o trozos de cartón negro para controlar los rayos de luz rebeldes.

Hay que evitar en lo posible el uso de filtros UV. La gran mayoría de los sensores incorporan filtración UV e infrarroja, de modo que el uso de estos filtros es inútil, salvo como protección física en tareas que implican riesgos (viento con arena, gotas de agua dispersas, posibles golpes, etc.) Fuera de estos casos, el filtro UV agrega dos superficies aire-vidrio sin ninguna ventaja.

Trabajando en el estudio, toda luz que no esté iluminando el sujeto fotografiado debe ser eliminada. Cuando iluminamos un fondo claro debemos dirigir la luz solamente sobre el área del fondo que toma nuestra cámara. La luz que sobra a los costados será reflejada hacia el objetivo aumentando el flare y reduciendo el contraste y la nitidez sin ningún otro resultado.

Coloqué la cámara en un trípode y encuadré un retrato. Luego ubiqué un trozo pequeño de cinta de pintor en cada punto del fondo que coincida con cada ángulo del visor. Estos cuatro puntos le indicarán el área real de fondo que usa. Toda la luz que coloque fuera de ese área es perjudicial. Tenga presente que cuanto más granangular sea el objetivo empleado, mayor será el área de fondo necesaria. El uso de un teleobjetivo requiere un fondo más pequeño.

Al abrir los archivos RAW usaremos el ajuste Negros/Blacks para controlar el nivel del flare sin comprometer el resto de la imagen. En la mayoría de los sujetos fotográficos, salvo que estemos persiguiendo un efecto High-Key, será necesario contar con algunos píxeles negros para aprovechar la escala tonal completa de la impresión y brindar un aspecto de mayor relieve y tridimensionalidad.

Uno de los errores más habituales que se cometen al empezar a procesar RAW es querer que se vea “todo”, aclarando en exceso las zonas oscuras. Esto nos da como resultado una imagen chata y lavada. Si quieren una imagen realista, ¡debe tener negro!

Una misma escena, tomada con dos objetivos diferentes o con un zoom en diferentes posiciones, seguramente requerirá dos niveles de ajuste de negros distintos.

El manejo del software resulta fundamental para que todos los objetivos den el mismo resultado.

Como el flare brinda el aspecto de una fotografía sin editar, los programas de diseño 3D incorporan mecanismos para simularlo, y hoy hay pocos juegos de computadora que no incorporen una cuota de flare para parecer mas realistas.

Por último, digamos que siempre conviene hacer una revisión de la imagen a fotografiar empleando el botón de profundidad de campo, dado que los resultados del flare varían de acuerdo al diafragma usado.

Cuanto más acotado esté el flare durante la toma, menos trabajo tendremos en la post-producción. Salvo que lo hayamos buscado intencionalmente. Pero esa es otra historia.