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Qué es la iluminación Strobist?

Strobist by Dave Cohen
Strobist by Dave Cohen

 

Todos sabemos que la luz del mediodía es la peor para disparar; ésta cae verticalmente sobre los objetos y elimina los volúmenes; y que la luz de la tarde o el amanecer, la hora “mágica” son las más apropiada para jugar con los perfiles, los volúmenes y los colores.

 

Ahora bien, ¿qué sucede cuando uno pretende generar sus propias atmósferas lumínicas con flashes? Pues bien, primero, hay que aprender unos esquemas básicos de iluminación; y, segundo, tenemos que gastar un dineral en flashes, focos, fondos (en el caso de la fotografía de estudio), paraguas, cajas de luz, adaptadores y trípodes.

 

Por eso, en el año 2006, David Hobby decidió crear un blog llamado “Strobist” en el que explicaba cómo armarse un equipo de iluminación pequeño pero completamente efectivo por menos de 200 dólares. Además explica los esquemas elementales de iluminación con el fin de acercar este mundo a los aficionados con menos medios.

 

La base de esta filosofía está fundamentada por 2 pilares:
1- Los materiales Strobist deben ser fáciles de llevar a cualquier lado.
2- El costo del material Strobist debe ser accesible para cualquier fotógrafo, incluso para los aficionados.

 

La idea de David Hobby se extendió como la pólvora y desembocó en una filosofía fotográfica, que se basa en utilizar esquemas básicos de iluminación utilizando mucha imaginación y fuentes de luz económicas y pequeñas que se puedan transportar con facilidad para utilizarlas en cualquier circunstancia.

 

Entre los elementos más importantes de un equipo de iluminación strobist se encuentran flashes pequeños de bajo costo, sincronizadores inalámbricos, un par de paraguas (o reflectores translúcidos para difuminar la luz), soportes, gomas de pelo para situar los flashes en los lugares apropiados y tu cámara.

 

Los resultados son espectaculares, y además hacen que la imaginación valga siempre más que cualquier equipo de iluminación muy costoso.

 

Joe McNally, fotógrafo de NatGeo, es uno de los fotógrafos que utiliza mucho esta técnica y vemos los resultados sorprendentes en sus fotos.

 

Link de la web en ingles: http://strobist.blogspot.com/
Link de la web en español (no siempre actualizada): http://strobistenespanol.blogspot.com/
El grupo en Flikr: http://www.flickr.com/groups/strobistenespanol/

 

Les paso además el pdf de Strobist 101 con las bases de Strobist y, que ya no está en la web original:https://www.dropbox.com/s/r04h6izcg9jk08f/Strobist_Lightning_101_Spanish.pdf

 

La técnica del Lens Whacking

La técnica Lens Whacking, lo que traducido significa “golpeando la lente”. Consiste en no encajar el objetivo en la bayoneta de la cámara y moverla adelante y atrás para enfocar y desenfocar, y a la vez dejar que se filtre luz al sensor, como si fuera una cámara Lomo. Este tipo de técnica le da un look diferente a la toma. El no tener que introducir el objetivo en la cámara también nos permite usar lentes que no sean de la propia marca de la cámara, aunque para poner cierta apertura de diafragma han de tener los controles en el objetivo.

¿Cómo hacer el Lens Whacking?
Tenemos que tratar de conseguir un lente Nikon para usarlo con un cuerpo Canon, esto es porque los objetivos FD o FD de Canon no sirven, porque la distancia entre la parte posterior del lente y el sensor es muy pequeña. Recomiendo un lente de 50mm fijo para una Full Frame, o uno de 32mm si tienes sensor APS-C. Además porque son livianos y se podrán manejar y controlar mejor cuando estén en la mano.

1- Para empezar, poner la cámara en modo Live View.

2- Abre el lente en su apertura completa (f2.8 o menor si el lente lo permite) y ajusta el enfoque a infinito.

3- Sujeta el cuerpo de la cámara en el pecho con la mano derecha.

4- Toma la lente con la mano izquierda.

5- Siguiendo con la izquierda, sostiene la lente apretada hacia el cuerpo de la cámara con el dedo pulgar y el dedo índice, mientras alejamos y acercamos el dedo medio, haciendo que el lente vascule para cambiar el foco.

6- Trata de utilizar la palma de la mano izquierda para que actúe como una bisagra, que permita que el enfoque que se ajuste cambiando la distancia entre la lente y el cuerpo. La mano derecha por sobre la cámara se utilizará para sostener la cámara y modificar la entrada de luz superior abriendo y cerrando los dedos.

7- Recuerden que están exponiendo el sensor al polvo del ambiente, si esto te preocupa, esta técnica no es para vos.

¿Por qué no utilizar un lens baby o similar?
Realmente el aspecto y sensación del efecto es totalmente diferente a cualquier cosa, no se puede comparar con ningun filtro de post-producción (Photoshoperos abstenerse!!), ni lente vascular para hacer “tilt-shift”. Esta técnica se asemeja a la sensación que uno tiene en los sueños, no se puede explicar, uno se conecta con la imagen. Se está usando mucho en video y con cámaras Canon como la C300.

lens whacking


 

 

Lentes multiplicadores, para qué sirven?

ef1p4x2xextenderLos lentes multiplicadores también denominados extensores. Van colocados entre el objetivo de la cámara y el cuerpo. Estos accesorios de alto rendimiento multiplican la longitud focal efectiva del objetivo utilizado por 1,4x o 2x. Por ejemplo, un objetivo de 200 mm con un teleconvertidor 1,4x tiene una longitud focal efectiva de 280 mm: con el teleconvertidor 2x, se incrementa hasta 400 mm. Recuerda que si tu cámara no tiene sensor full frame (24x36mm), debes además, multiplicar el valor focal por el factor de tu cámara, 1.5 en Nikon, 1.6 en Canon.

En la línea Canon los teleconvertidores solo son compatibles con determinados objetivos EF, entre los que se incluyen los modelos EF 70-200 mm f/2,8L USM, EF 70-200 mm f/2,8L IS USM, EF 70-200 mm f/4L, EF 100-400 mm f/4,5-5,6L USM, EF 400 mm f/4 DO IS USM y los objetivos de la serie L de longitud fija de 135 mm o superior.

Nikon fabrica convertidores con 3 factores de ampliación: 1,4 aumentos 1,7 aumentos y 2 aumentos.
nikon-af-s-teleconverter-tc-20e-iiAl igual que en Canon, no todos los objetivos Nikon se pueden usar con la gama de convertidores TC-E de Nikon. Debido a su construcción, algunos teleconvertidores tienen un elemento frontal protuberante que no encajará en la parte posterior del objetivo, imposibilitando su montaje. Los objetivos compatibles tienen un elemento posterior hueco que deja espacio para encajar el elemento frontal del teleconvertidor.
La gama de convertidores TC-E de Nikon (p. ej. TC-14E II, etc.) están diseñados para utilizarlos únicamente con los objetivos Nikon AF-S de especificación profesional. Los objetivos AF-S compatibles tienen una montura de bayoneta ligeramente diferente si se compara con un objetivo Nikon convencional. Esto permite montar un teleconvertidor TC-E. La diferencia de la bayoneta no impide el uso de estos objetivos en las cámaras, pero evita que los objetivos no compatibles se utilicen con la serie de convertidores TC-E de Nikon. También se puede montar dos teleconvertidores TC-E a la vez (a veces se denominan apilados).

sigma_2x_canon_converterAdemás de todo esto, hay que tener en cuenta 2 cosas más al momento de comprar estos multiplicadores:
1.El uso de los teleconvertidores tiene un inconveniente y es que afecta a la apertura máxima del diafragma del objetivo (luminosidad). Un convertidor de 1,4 aumentos disminuirá un paso el diafragma máximo del objetivo tanto en Canon como Nikon. Por ejemplo si tu objetivo es un 70-200mm f4, pasará con el convertidor a f5.6, perdiendo 1 punto de diafragma.

 

2. En la mayoría de los extensores de 2x se pierde el autofocus
Incluso con los teleconvertidores TC-E de Nikon y los objetivos Nikon AF-S compatibles no se puede utilizar el autofoco. El sistema de autofoco de las cámaras SLR utiliza la luz que pasa por el objetivo para enfocar. Si no existe luz suficiente que se transmita por el objetivo, la cámara no podrá tomar lecturas y, por tanto, enfocar adecuadamente. Nikon advierte de que es posible que no funcione el autofoco si el diafragma máximo de un objetivo no llega a f/5,6. Éste es el valor a partir del cual es posible que la transmisión de la luz no sea suficiente para realizar el autofoco. Sin embargo, esto no es una regla general y, de hecho, depende del valor de la iluminación de la fuente de luz, pudiéndose utilizar todavía el AF a f/5,6 bajo una luz muy intensa.
En Canon pasa algo similar.

 

En todos los casos, el uso de multiplicadores disminuye la nitidez y el contraste.
Existen otras marcas como Sigma, Kenko, etc. de menor calidad visual que los originales y hay que tener cuidado de la compatibilidad al momento de comprarlos.

Otra cosa no confundir multiplicadores con tubos extensores o lentillas multiplicadoras, eso es otra cosa y se utilizan para fotografía macro.

 

Nota: Los datos de Nikon y Canon fueron tomados de la página oficial de los respectivos fabricante.

Pixlr un buen editor online

pixlr

Si estás trabajando en línea y buscas un buen editor editor para tus imágenes y fotos, entonces debes visitar  Pixlr, una opción completísima.

Con la opción Open Pixlr editor (Advanced) podrás hacer las ediciones básicas, como recortar,redimensionar, distorsionar, etc. Pero además puedes seleccionar filtros, ajustes y efectos, son muchísimos y todos funcionan de manera excelente. Entre las herramientas que verás en la interfaz tienes la varita mágica, bote de pintura, esponja, herramienta de difuminar, entre otros. La interfaz es muy similar a la de Photoshop y cuenta con muchas de sus herramientas.

Además tienes otras propuestas dentro de Pixrl, por ejemplo, sino necesitas un editor con tantas características y prefieres algo más básico, entonces puedes escoger Pixrl Express, donde encontrarás las opciones básicas (recortar, rota,etc) así como herramientas para ajustar el brillo, color y saturación, sin olvidar toda una gama de efectos.

Sobre filtros y anillos adaptadores (step-up/step-down)

Hoy diría que más del 70% de los fotógrafos y de aquellos que están ingresando a este maravilloso mundo utilizan filtros en sus objetivos, y no hablo del típico filtro UV que además de cumplir la misión de filtrar el ultravioleta, nos protege el objetivo de golpes y rayones. En mi experiencia, he salvado ya varias veces un objetivo gracias a tener delante un filtro de este tipo, en mi caso se rompió en un golpe el filtro pero salvé el objetivo y eso no es poca cosa.

stepup Volviendo al tema que quiero tratar, he tenido muchas consultas sobre qué diámetro de filtro comprar para aquellos que tienen más de un objetivo para nuestra cámara reflex.

 

Como ejemplo pongo uno típico, supongamos que tienen su objetivo (Canon) 17-85mm f4-5.6 IS (filtro de 67mm), un 50mm f/1.8 (filtro de 52mm) y un tele 75-300mm f/4-5.6 (filtro de 58mm). Ya que son tan asiduos usuarios de filtros seguramente estarán detectando el problema principal: cada objetivo tiene un diámetro de rosca de filtro diferente! ups!

 

Suponiendo que somos fanáticos de los filtros de densidad neutra, aquellos que disminuyen el ingreso de luz de manera pareja, permitiendo el uso de velocidades de obturación mas lentas, o de los filtros polarizadores aquellos que nos realzan los colores azules y verdes, esos días tan soleados ¿que diámetro comprarían? ¿pensarían solo en el 50mm, para aprovechar su apertura máxima en días soleados? ¿pero que sucedería con el versátil 17-85 y con el tele? Quedarían absolutamente excluido del uso del filtro, por poseer una rosca más grande.

 

La solución es más sencilla de lo que parece:

comprar el filtro de rosca para el objetivo más grande y utilizar adaptadores step-up que los conviertan en el diámetro adecuado. Los step-up son unos anillos de metal con dos roscas. En un lado tienen un diámetro y del otro tienen uno mas pequeño. Los anillos adaptadores se componen de una rosca macho y de una rosca hembra. La rosca macho es la parte que enrosca a la cámara y la rosca hembra es la parte que enrosca al filtro.

Step-up-and-step-down--adapter-ringsPara entender cómo pedirlos en los locales fotográficos, hay que interpretarlos de la siguiente manera:
ejemplo: anillo 72-77mm (72mm es el diámetro de nuestro objetivo) – (77mm es el diámetro de nuestro filtro).

Con esto logran utilizar un mísmo filtro con distintos objetivos, la única contra sería que los filtros de mayor diámetro siempre son un poco más caros, pero ahorrarían mucho dinero en tener varios filtros.

 

Existen también anillos adaptadores reductores, es decir, en mi caso tengo un objetivo 17-40mm que usa filtros de 77mm y como mi polarizador es de 72mm, compré un anillo reductor 77-72mm (step down). En mi caso como mi cámara no es Full Frame, no tengo problema de viñeteo en la mayor apertura (17 mm). Si tuviera una Full Frame, ahí cambiaría la historia y tendría que pasar a un filtro de 77mm.

 

Debido a que su precio es muy bajo, alrededor de u$s 4 por ejemplo el de 72mm a 77mm, comprar varios para cada lente que poseas, no es una idea muy loca.

Así que adelante con los filtros!! ahora tienen una buena excusa para sacarle el mayor provecho a estos maravillosos accesorios.

Cuanto puede durar nuestra cámara? (sensor/obturador)

Toda parte de la cámara al disparar sufre un desgaste. La pantalla, los botones, el enfoque, mecanismos de zoom de los objetivos, a distinta escala obviamente. Tal como cualquier aparato mecánico que al utilizarlo se va desgastando, la cámara también sufre el uso y va perdiendo y disminuyendo su versatilidad hasta alcanzar el punto máximo de su vida útil.

 

Los sensores
Los sensores con el tiempo empiezan a desarrollar hot pixels y ese es el mayor desgaste que sufren.

Un "pixel caliente" es un punto en el sensor de una cámara digital que reacciona demasiado a la luz. Este punto es tan sensible que no distingue colores: sin importar la cantidad de luz, el pixel siempre va a estar encendido y va a ser del mismo color a lo largo de todas las fotos y sin variar de posición, esto es porque simplemente falla y solo logra procesar la información del color en el cual se encuentra "atascado".

hot_pixels

El resultado es que en las fotos siempre va a aparecer un punto luminoso de un color que nada tiene que ver con la imagen, no confundir con lo que llamamos “ruido”). Por lo general el punto tiene forma de cruz, y es visible solo cuando se magnifica la imagen al 100% o más.

Y, en la mayoría de los casos, no significan nada en especial. No implican que el sensor se esté dañando o deteriorando. Son solo una característica mas de la cámara.

 

La mayoría de los fabricantes tienen una política muy dura con respecto a esto: si tu cámara esta en garantía y se presenta este problema en la imagen, esta debe cumplir un mínimo determinado de hot pixels para que consideren el cambio o reposición por una cámara nueva. Los hot pixels, según los fabricantes, son considerados fallas mínimas e imperceptibles que no están cubiertos por la garantía, excepto, cuando son de una cantidad considerable. Cada fabricante tiene un numero determinado y nadie tiene la certeza de cuantos son.

 

Cómo se encuentran?

En Internet hay una utilidad muy interesante llamada Dead Pixel Test, que permite determinar cuáles pixeles de la cámara son calientes y bajo qué condiciones. La prueba es fácil: se toma una serie de fotos en total oscuridad (con la tapa del lente puesta por ejemplo). Luego se le dan al programa las fotografías, y el programa las analiza buscando puntos luminosos… que son los pixeles muertos.

 

Investigando un poco, encontré un tip de una solución un tanto extraña, pero que ha funcionado todas las veces que lo intentaron. El proceso simplemente consiste en invocar la limpieza manual del sensor. La mayoría de las cámaras DSLR del mercado tienen una función de limpieza automática, que se ejecuta cada vez que se la prende, y otra manual, que lo único que hace es levantar las cortinas del disparador y exponer el sensor para que le usuario pueda limpiarlo. Con solo invocar este proceso, y dejar la cámara en esta posición un minuto, es decir, simplemente con las cortinas levantadas, lo soluciona. Es bastante raro e increíble, pero lo he probado y ha funcionado. Desconozco que acción tendrá esto sobre los hot pixels, pero parece que funciona. Ni siquiera es necesario retirar la lente o la tapa del cuerpo, con dejar la cámara en esta función un minuto alcanza.

 

Obturador
Volviendo al tema de los mecanismos, en las cámaras de tipo reflex, al presionar el disparador, el obturador, es el mecanismo que levanta el espejo mueve 2 cortinas y expone el sensor, esta es la parte del mecanismo que más desgaste sufre. Por lo tanto, antes de preocuparme por la vida útil del sensor yo pensaría más en preocuparme por el oburador.

obturadorSegún, pude encontrar, en un White Paper de Canon, dice que el rendimiento asegurado del obturador en una EOS 1Ds Mark III, es de 300.000 obturaciones o más.

Pero todos los fabricantes hablan muy poco de este tema, obivamente por cuestiones de amor propio.

Cálculo de Salida y Puesta del Sol para fotógrafos

Los otros días hablamos de la Hora Azul, uno de los momentos del día en dónde hacer fotografías es casi mágico. Buscando por la web encontré un programa muy útil para el cálculo de la salida y puesta del sol  en forma gráfica, muy interesante por cierto.

TPE

Photographer’s Ephemeris (TPE) es una herramienta para ayudar en la planificación de todo tipo de fotografía al aire libre, pero sobre todo escenas urbanas y paisajes.

Gráficamente nos muestra una calculadora del sol/luna centrados en un mapa, para ver cómo la luz caerá sobre la tierra.

 

Lo bueno de TPE que no tiene puntos o ubicaciones prefijadas, que a menudo no incluyen los lugares a los que muchos fotógrafos quieren ir, sino que se basa en los mapas de Google. Se puede hacer la búsqueda de cualquier localidad o lugar en el planeta o la posición del pin del mapa exactamente donde lo desees.

 

Tiene características avanzadas, incluyendo la zona horaria y la detección automática de la elevación, la corrección de la refracción atmosférica y altura sobre el horizonte, asegurando que tienes la mejor información posible para la planificación de la toma.
Incluso se puede determinar cuando el sol o la luna será visibles detrás de las colinas o montañas cercanas.

 

Está también la versión para iOS (iPad/iPhone).

 

El programa tiene las siguientes características:

– El tiempo y la dirección de la salida y puesta de sol
– La hora y la dirección de la salida y puesta de la luna
– Fase de la luna y el % de iluminación
– Tiempos del crepúsculo civil, náutico y el astronómico.
– Pantalla gráfica en mapa
– Guardar cualquier lugar que quieras – no listas fijas
– Detección automática de zona horaria para cualquier lugar del planeta
– Determina la elevación sobre el nivel del mar
– Ver el azimut y altura del sol / luna para cualquier hora del día / noche
– Ángulo de la distancia, la elevación entre dos puntos
– Buscar cuando el sol/luna aparecen desde detrás de una colina, montaña
– Compensación de la refracción atmosférica
– Compensación por elevación sobre el horizonte
– No requiere conexión de red para los tiempos de salida/puesta y azimuts. (Nota: los mapas de elevaciones  requieren una conexión a internet)

 

Descarga: http://photoephemeris.com/

 

Pueden visitar la web del autor en donde encontrarán mucha información y tutoriales (en ingles).
http://stephentrainor.com/tools

 

Espero les sea de ayuda!

Qué es la hora azul

La hora azul proviene de la expresión francesa l’heure bleue, blue hour (en ingles) y hace referencia al período de penumbra que se produce en los extremos del día: la aurora y el crepúsculo, donde no hay luz diurna completa ni oscuridad completa. En el caso de la tarde, se presenta inmediatamente después de la hora dorada, cuando el sol ya se ha ocultado. En el caso de la mañana, entre la oscuridad nocturna y el alba. Al igual que la hora dorada, tiene una duración en torno a los 30-45 minutos.

 

La inmensa mayoría de fotografías de paisaje de los grandes autores están realizadas en estos dos grandes momentos: la hora dorada y su continuidad: la hora azul.

En estos instantes el cielo toma un color azul (crepuscular), donde las nubes toman unos colores casi surrealistas.

Hora azul

Otra ventaja que aporta la hora azul es que, gracias a que la luz directa del sol es considerablemente menos intensa, la diferencia entre las luces y las sombras también es menor, reduciéndose la probabilidad de sobreexponer o subexponer una de las dos. El cielo por su parte tomará un intenso color azul que contrastará con la mayoría de motivos que decidamos fotografiar, siendo especialmente idóneo para la fotografía urbana en la que se combina con la luz artificial procedente de faroles y edificios.

Hora azul - Lago Correntoso - NeuquenLa hora azul también resulta cautivadora para el fotógrafo de paisaje urbano. Iluminado artificialmente, éste combina sugestivamente con la luz natural fría de la penumbra. El secreto: esperar a esos breves instantes en que el primer plano (el motivo urbano) y el fondo (el cielo) posean la misma intensidad de luz, creando un delicado equilibrio. Todo un clásico de la fotografía urbana.

Hora azul - Coliseo  RomaLas recomendaciones para hacer las mejores fotografías en la hora azul son las mismas que para la fotografía nocturna, pudiéndose resumir en los siguientes puntos:

 

El uso del trípode es esencial. La calidad de la luz es excelente pero no ocurre lo mismo con su intensidad por lo que olvidemos disparar con cámara en mano.

 

Si queremos reducir las vibraciones al mínimo lo mejor es utilizar un disparador remoto o el temporizador de la cámara. Si esta es un réflex y dispone de la función de bloqueo de espejo no dudes en activarla para evitar la vibración producida por el movimiento del espejo.

 

Tendremos que poner especial atención al tiempo de exposición de la toma para compensarla de ser necesario. Si el cielo está muy oscuro es posible que la cámara nos de una medición errónea que sobreexponga las zonas más iluminadas.

 

Deberás hacer lo mismo con la apertura del diafragma, jugando con los valores de uno en función del otro (mayor tiempo de exposición implica menor apertura y viceversa).

 

Para conseguir que la luz de los faroles parezca una estrella (con aspas) lo que debes hacer es cerar el diafragma (ej.:f16, f22).

 

Si disparas en RAW te ahorrarás problemas con el balance de blancos.

6 cosas que no puedes solucionar con Photoshop

blurredTodos ustedes habrán oído la expresión: "Lo voy a arreglar en la Post."

Es la manera del fotógrafo de decir que no va a hacerse problema por los detalles finos. En su lugar, va a pulir la imagen en Photoshop o cualquier otra herramienta de edición de imágenes que tenga a la mano.

Esto no es una embestida contra ningún programa de post-producción. Obviamente todos utilizamos alguno de éstos para darle un acabado final a las tomas. Es que después de algunos años de experiencia, tengo bastatnte claro lo que no puede arreglar el Photoshop y sería absurdo intentarlo.

También trato de evitar tener que pasar una hora en Photoshop para arreglar algo que habría tenido unos segundos para corregir de antemano. Me parece que aclarar esto ayuda a mantener estas cosas en mente cuando uno está haciendo una sesión de fotos donde los cambios en una Post serían imposibles o poco probables. Lo que sigue es mi lista. Si he pasado por alto algo, por favor siéntase libre de contribuir.

 

1. Posición de la cámara
Si no estás tan cerca como te gustaría, siempre se puede recortar el encuadre, pero si estás demasiado cerca no hay manera de que Photoshop puede ayudar a alejar la imagen. Es cierto, uniendo varias imágenes en una panorámica podría ayudar, pero incluso aquí algunas posiciones de la cámara son mejores que otras. Es mucho más fácil hacer que la cámara esté a la altura correcta y en el ángulo correspondiente antes de soltar el disparador que después.

 

2. Dirección de la iluminación  y la calidad
Si la luz es de mediodía, Photoshop no puede ayudar a hacer que se vea como si el sol estuviera bajo en el horizonte y viceversa. Del mismo modo, es difícil transformar un día nublado  en una escena soleada de un día brillante. Es posible que pueda hacerlo si hay suficiente iluminación suplementaria o modificadores de la luz, pero una vez más, estos entran en juego antes de que sueltes el disparador, no después. En principio cuanto mejor sea la calidad de la luz , menos tiempo llevará y será más fácil la post-producción.

 

3. Imagen fuera de foco
Desenfocar es fácil. Traer un área de la imagen que está fuera de foco, en foco, es casi imposible. El “Sharpening” ayuda a las pequeñas imperfecciones, pero no es sustituto de lo que está realmente desenfocado. Es por eso que debes comprobar el enfoque crítico siempre que sea posible antes de realizar la foto.

 

4. Imagen borrosa por la cámara y / o el movimiento del sujeto
Este es otro caso donde hay muy poco que pueda hacer Photoshop para arreglar algo que no funciona de esta manera en particular. A pesar de que los estabilizadores de imagen o un trípode robusto pueden minimizar o prevenir el movimiento de la cámara, no hay nada que pueda hacerse para prevenir el movimiento del sujeto. A veces simplemente no hay sustituto para una velocidad de obturación rápida, más luz (adicional si es necesario), o ambos.

 

5. Pérdida de información en la toma
Cada fotógrafo digital que tiene una idea de lo que están haciendo, sabe que no hay mucho que puedas hacer para recuperar una foto que está subexpuesta, incluso si el formato es RAW. Algunos de nosotros tendemos a olvidar, sin embargo, que la subexposición puede ser un problema también. A pesar de que se puede aumentar el brillo de las áreas que son más oscuras de lo que quisiera, también aumenta el ruido de la imagen.

Por lo general, vas a tener mejores resultados si te aseguras que los tonos oscuros estén bien expuestos, incluso si tienes que utilizar iluminación adicional o flashes para hacerlo.

 

6. La falta de visión
No me refiero a la ceguera literal, aunque Photoshop no puede hacer mucho sobre esto, me estoy refiriendo a la falta de un concepto real de estética, intención, propósito, o chispa creativa. Si es sólo otra fotografía, otra toma mundana de un tema común o evento, no encontrarás lo que estás buscando en Photoshop. Combinar la visión clara con un dominio de Photoshop, sin embargo, sí puede dar fuerza fuerza y llevar a buen puerto el resultado final.

 

Así que esta es mi lista. Seguramente he pasado por alto algo obvio?

En cualquier caso, lo que encontrarás es que los 6 elementos tienen en común que si no los tienes en cuenta  juntos antes de pulsar el disparador, se estrecharán drásticamente las posibilidades de hacerlo después.

Y si descubres que las tomas están perfectamente bien, sin necesidad de ajustes adicionales, bueno, yo me pregunto: ¿Eso sería tan malo?

Educando la mirada

Quiero compartir esta nota de Sergio Jaén Lara de Foto 36, que me pareció muy interesante compartir con uds.

de Eduardo Momeñe Mucho se habla del concepto de "educar la mirada" de hecho se está convirtiendo en el eslogan preferido para anunciar todo aquello relacionado con la impartición de talleres y cursos de fotografía, es decir, el siguiente escalón. El paso que normalmente sigue el fotógrafo que ya ha recibido suficientes cursos sobre focales, trípodes y uso del flash y que busca algo más, unas veces por inercia, otras veces porque su obra se ha estancado y necesita la luz que ilumine su abismo, o que lo evidencie,  y la mejor de las veces porque necesita consejos que le ayuden a potenciar su capacidad creativa y expresiva, o simplemente sus ganas.

 

El problema es cuando se recurre a una fórmula publicitaria, y no hay nada detrás que la sustente.
"Mire usted, me he anotado a este taller, nada barato por cierto, para que eduque mi mirada, la cuestión es ¿Qué es educar la mirada?"  Encontrar ante esa pregunta, el silencio mas desolador, puede provocar (y para mas de uno así ha sido) una enorme desazón y vergüenza, incluso mas que rabia.

Sin ir mas lejos, varios han sido mis intentos infructuosos de encontrar una respuesta a lo que hasta ahora creía, un eslogan vacío. Puede que no recurriera a las personas indicadas.
De hecho esa era una duda mayor si cabe ¿Quién está capacitado para educar fotográficamente?, no sólo eso ¿Se debe proporcionar esta educación? ¿Puede coartar  esta educación la capacidad creativa y de expresión, en este caso de un fotógrafo? Seguro que hablando de educación, la mala, al igual que puede ocurrir en cualquier centro de enseñanza, puede tener efectos nefastos. La responsabilidad debe existir.

 

Para ello hemos buscado a aquellos que creemos pueden ayudarnos en esta búsqueda y encauzarnos por esta senda tortuosa de lo que debe ser una educación fotográfica completa. Así también consideramos que sería desaprovechar esta oportunidad el no interrogar también sobre la debatida existencia  de limitaciones en el lenguaje fotográfico y la creciente interacción de la fotografía con otras ramas artísticas.

 

Tenemos el honor de contar para esta primera ronda de preguntas con la amable participación de Eduardo Momeñe (Bilbao 1952), fotógrafo, docente, articulista, creador de la magnífica serie de televisión "La Puerta Abierta" y escritor de "La Visión Fotográfica" un libro que constituye el perfecto punto de arranque perfecto para emprender esta aventura que compartimos. Sus respuestas seguro serán de gran ayuda.

 

1. ¿En qué debe consistir una educación visual correcta?
Sólo se puede educar la mirada si ya se tiene. Hay personas que tienen mirada fotográfica y otras no, hay personas que tienen buen oído y dotes musicales y otras no. Se puede estudiar música si se da lo primero. A partir de ahí, es cuando se puede trabajar la mirada, cuando ya existe. Se trata de averiguar, y lleva tiempo, si uno la tiene o la podría tener, o no.  La educación sólo es posible si ya está todo en uno, aunque todavía esté en estado bruto, o sin descubrir. La educación no va ser sino una manera de tratar de sacar lo mejor posible lo que ya está dentro. Hago hincapié en ello porque  es una pregunta que no siempre se hace. La fotografía es el producto de un pensamiento visual (es un pensamiento complejo) , y que será más potente si se desarrolla cultural e intelectualmente. En todo caso, son dos pasos, el primero sería comprender, saber leer fotografías, y a continuación, y sólo después, intentar hacerlas. Hay muchas personas que saben y comprenden muy bien el lenguaje fotográfico pero que serían incapaces de hacer una obra fotográfica. De alguna manera son dos profesiones diferentes. Es muy fácil verlo en extraordinarios galeristas que comprenden perfectamente el medio pero que son incapaces de hacer fotografías.

 

2. ¿Qué es lo correcto? ¿Pretender dicha educación no es interferir desde el inicio en el proceso creativo de un autor?
Lo correcto, en mi opinión sería, comenzar por comprender que la fotografía es un medio de expresión  de manejo complicado, bastante desconocido, y que exige un conocimiento de la manera en la que actúa. En esta dirección debe ir una educación apropiada. Mucha información. En fotografía se piensa muchas veces que no hace falta esa información. Sin embargo, es mucho lo que hay que aprender porque se trata de obtener un conocimiento del mundo, del arte, del pensamiento, de la cultura, etc… que es el que puede producir una obra fotográfica consistente.
Sin educación es difícil hacer algo. Quizás haya alguien que lo haya hecho pero no es un ejemplo para los que no tuvimos tanta suerte. Sí es importante la intuición, pero sin conocimiento, al igual que ocurre con la inteligencia, no vale de mucho.

 

3. ¿Quién tiene la capacidad de impartir esta educación?
¿Quien lo enseña? Probablemente nadie, porque es un proceso lento, acumulativo, de bastante tiempo basado en un interés obsesivo. La fotografía no se enseña, simplemente se pueden recibir pautas, y que una mente con ganas, sepa atrapar. La fotografía se aprende desde todas partes, nadie nos va enseñar a hacer fotografías, simplemente nos pueden echar una mano, pero el aprendizaje es personal. Uno no es artista, simplemente hace cosas, y después si pasado el tiempo todo permite que haya un consenso de que esas obras que uno ha hecho , son obras de arte, quizás pueda pensar que es un artista. Robert Frank es un buen ejemplo. ¿Quien le enseñó a Robert Frank a hacer fotografías…  y a Paul McCartney a hacer canciones? Quizás sus amigos músicos, escritores… quien sabe, pero ya estaba todo dentro anteriormente.

 

Nos interesa también hablar de las posibles limitaciones de expresión de la fotografía frente al peso de su pasado y frente a la imagen continua; algo que se está haciendo patente con la compaginación de ambos procesos  por cada vez mas fotógrafos, apoyado también por la aparición de cámaras mixtas.

 

1. ¿Existen estas limitaciones?
No creo que haya ningún tipo de limitación excepto las nuestras.  Desde mi punto de vista, viene una época apasionante, si no nos distraemos. Fotógrafos que van a hacer un cine diferente, fotográfico. Cineastas que utilizan la fotografía, escritores que hacen fotografías, fotógrafos que escriben. Ya está ocurriendo pero por alguna razón en ciertos ambientes aún se piensa que la fotografía debe ser hecha por mentes pictóricas, y que aquel arte conceptual de los 60 con malas cámaras de video y fotografías en blanco y negro expresamente hechas con indiferencia son algo distinto del arte conceptual de ahora, hecho en color en gran formato y con buenas cámaras.

 

2. ¿Su aceptación es la aceptación del medio?
Las fotografías ya no se van a hacer solamente para colgarlas en una galería como objetos decorativos, sino que van a formara parte de extraordinarias narraciones conceptual y visualmente elaboradas, véase video, libros,… Insisto en la escritura, textual, visual, fotográfica, cinematográfica. Robert Frank no hace cine -o video- y fotografia, Robert Frank escribe con diferentes herramientas. Por supuesto, es mi punto de vista, uno más en otros muchos.

 

3. ¿Existen posibilidades creativas futuras o está todo inventado?¿Está el futuro en los contenidos y no en las formas?
Desde mi punto de vista, y por fortuna, el futuro de la fotografía es apasionante pero no gracias al Photoshop, ni a las representaciones de carácter simbólico (y pictórico) a gran formato, sino a la escritura, a la confrontación con la realidad mediante el lenguaje. Ahí está un documentalismo  de una potencia conceptual fortísima. Conocimiento en estado puro. Excelentes formas con contenidos inteligentes. El problema es que no es fácil.