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6 cosas que no puedes solucionar con Photoshop

blurredTodos ustedes habrán oído la expresión: "Lo voy a arreglar en la Post."

Es la manera del fotógrafo de decir que no va a hacerse problema por los detalles finos. En su lugar, va a pulir la imagen en Photoshop o cualquier otra herramienta de edición de imágenes que tenga a la mano.

Esto no es una embestida contra ningún programa de post-producción. Obviamente todos utilizamos alguno de éstos para darle un acabado final a las tomas. Es que después de algunos años de experiencia, tengo bastatnte claro lo que no puede arreglar el Photoshop y sería absurdo intentarlo.

También trato de evitar tener que pasar una hora en Photoshop para arreglar algo que habría tenido unos segundos para corregir de antemano. Me parece que aclarar esto ayuda a mantener estas cosas en mente cuando uno está haciendo una sesión de fotos donde los cambios en una Post serían imposibles o poco probables. Lo que sigue es mi lista. Si he pasado por alto algo, por favor siéntase libre de contribuir.

 

1. Posición de la cámara
Si no estás tan cerca como te gustaría, siempre se puede recortar el encuadre, pero si estás demasiado cerca no hay manera de que Photoshop puede ayudar a alejar la imagen. Es cierto, uniendo varias imágenes en una panorámica podría ayudar, pero incluso aquí algunas posiciones de la cámara son mejores que otras. Es mucho más fácil hacer que la cámara esté a la altura correcta y en el ángulo correspondiente antes de soltar el disparador que después.

 

2. Dirección de la iluminación  y la calidad
Si la luz es de mediodía, Photoshop no puede ayudar a hacer que se vea como si el sol estuviera bajo en el horizonte y viceversa. Del mismo modo, es difícil transformar un día nublado  en una escena soleada de un día brillante. Es posible que pueda hacerlo si hay suficiente iluminación suplementaria o modificadores de la luz, pero una vez más, estos entran en juego antes de que sueltes el disparador, no después. En principio cuanto mejor sea la calidad de la luz , menos tiempo llevará y será más fácil la post-producción.

 

3. Imagen fuera de foco
Desenfocar es fácil. Traer un área de la imagen que está fuera de foco, en foco, es casi imposible. El “Sharpening” ayuda a las pequeñas imperfecciones, pero no es sustituto de lo que está realmente desenfocado. Es por eso que debes comprobar el enfoque crítico siempre que sea posible antes de realizar la foto.

 

4. Imagen borrosa por la cámara y / o el movimiento del sujeto
Este es otro caso donde hay muy poco que pueda hacer Photoshop para arreglar algo que no funciona de esta manera en particular. A pesar de que los estabilizadores de imagen o un trípode robusto pueden minimizar o prevenir el movimiento de la cámara, no hay nada que pueda hacerse para prevenir el movimiento del sujeto. A veces simplemente no hay sustituto para una velocidad de obturación rápida, más luz (adicional si es necesario), o ambos.

 

5. Pérdida de información en la toma
Cada fotógrafo digital que tiene una idea de lo que están haciendo, sabe que no hay mucho que puedas hacer para recuperar una foto que está subexpuesta, incluso si el formato es RAW. Algunos de nosotros tendemos a olvidar, sin embargo, que la subexposición puede ser un problema también. A pesar de que se puede aumentar el brillo de las áreas que son más oscuras de lo que quisiera, también aumenta el ruido de la imagen.

Por lo general, vas a tener mejores resultados si te aseguras que los tonos oscuros estén bien expuestos, incluso si tienes que utilizar iluminación adicional o flashes para hacerlo.

 

6. La falta de visión
No me refiero a la ceguera literal, aunque Photoshop no puede hacer mucho sobre esto, me estoy refiriendo a la falta de un concepto real de estética, intención, propósito, o chispa creativa. Si es sólo otra fotografía, otra toma mundana de un tema común o evento, no encontrarás lo que estás buscando en Photoshop. Combinar la visión clara con un dominio de Photoshop, sin embargo, sí puede dar fuerza fuerza y llevar a buen puerto el resultado final.

 

Así que esta es mi lista. Seguramente he pasado por alto algo obvio?

En cualquier caso, lo que encontrarás es que los 6 elementos tienen en común que si no los tienes en cuenta  juntos antes de pulsar el disparador, se estrecharán drásticamente las posibilidades de hacerlo después.

Y si descubres que las tomas están perfectamente bien, sin necesidad de ajustes adicionales, bueno, yo me pregunto: ¿Eso sería tan malo?

Algunas maneras de saber que tus fotos no son tan buenas como crees

puertaNo suelo escribir desde este punto de vista. Preferiría decirte cómo mejorar tus fotos y lo he echo infinidad de veces con los artículos de mi Blog. Pero recientemente alguien me comentaba que no era capaz de saber cuándo las cosas iban mal, por lo que tampoco podía saber cuándo iban bien.

 

Esto resonaba un poco en mi cabeza así que voy a compartir estos comentarios con la esperanza de que nadie se ofenda pero también de que tal vez a alguien le sacuda lo suficiente como para querer mejorar.

Es importante darse cuenta de que lo que para unos es "basura" para otros es un tesoro. Se puede tener diferentes opiniones, pero intentemos centrarnos en la idea general.

 

1. Tus fotos no son tan buenas si nadie ataca o critica tu trabajo. Esto puede sorprenderte, pero el primer síntoma de que tus fotos no son tan buenas es que nadie te haya dicho nunca que tu trabajo es horrible. Si te limitas a fotografías obvias y simples nadie se interesará. Si a nadie le interesa lo suficiente como para criticar, probablemente no estés asumiendo suficientes riesgos. Una de las cosas que más me gustan de los trolls (persona que sólo busca provocar intencionadamente a los usuarios o lectores), es que pueden ser la mejor confirmación de que estoy haciendo algo bien. Si expresan su furia, diciéndote que estás haciéndolo todo mal y que tu trabajo es una basura, felicidades!!. Lo estás haciendo mejor de lo que piensas. (Típico comentario de Foro de fotografía).

 

2. Tus fotos no son tan buenas si estás esperando por esa lente, esa cámara o ese flash que quieres comprar, antes de ponerte en serio con la fotografía. Algunas de las fotografías más conocidas de nuestro tiempo fueron tomadas con un equipo mínimo. La foto que ilustra la nota fue tomada con una cámara Canon compacta de 3.2 Mpx. hace unos años. Esperar por equipo es un motivo que la gente usa para darse a sí mismos la excusa para seguir siendo mediocres.

 

3. Tus fotos no son tan buenas si no usas tu cámara al menos una vez a la semana. Quien no dispara regularmente raras veces podrá crear un trabajo especial. Quien usa su cámara casi a diario tiende a obtener mejores fotografías. Esto no debería sorprendernos. La práctica es un componente clave para el éxito en casi cualquier empresa que merezca la pena.

 

4. Tus fotos no son tan buenas si piensas que tu galería de Flickr debería tener más visitas y comentarios, pero no haces nada para ganar en tráfico y respuestas. Lo siento, pero no tienes derecho a recibir atención. Sé que esto escandalizará a algunos pero en realidad tienes que ganarte la atención. Si quieres recibir más comentarios en tus fotos, haz fotografías que atraigan a la gente. No culpes al público. Culpa a tu propia falta de visión y trabajo duro. No te quedes ahí, levántate y haz algo para arreglarlo.

 

5. Tus fotos no son tan buenas si no has estudiado el trabajo de otros fotógrafos de éxito. Si la fotografía no te interesa lo suficiente como para estudiar el trabajo de otros fotógrafos, es probable que tu propio trabajo no esté a la altura. Ver el trabajo de otros fotógrafos puede abrirte los ojos a nuevas formas de interpretar las cosas que fotografías habitualmente.

Si te ves representado aquí, no desesperes. Reconocer el problema es la mitad de la batalla. No te vuelvas loco. Supéralo. Mejora. Haz algo al respecto. Es fácil de solucionar, lo prometo. Cualquiera que se enfrente a estos problemas puede solucionar la mayoría de ellos en menos de una semana.

 

Por último:

Muestra tus fotos a fotógrafos con trayectoria. Siempre la palabra de un profesional con años en el tema puede darte la pauta de si lo que estás haciendo está bien o mal, acepta las críticas constructivas, piensa que ésta es una manera de no errar el camino y de poder superarte cada vez más en este hermoso arte de la fotografía.

 

Dispara, avanza, y mejora!

Educando la mirada

Quiero compartir esta nota de Sergio Jaén Lara de Foto 36, que me pareció muy interesante compartir con uds.

de Eduardo Momeñe Mucho se habla del concepto de "educar la mirada" de hecho se está convirtiendo en el eslogan preferido para anunciar todo aquello relacionado con la impartición de talleres y cursos de fotografía, es decir, el siguiente escalón. El paso que normalmente sigue el fotógrafo que ya ha recibido suficientes cursos sobre focales, trípodes y uso del flash y que busca algo más, unas veces por inercia, otras veces porque su obra se ha estancado y necesita la luz que ilumine su abismo, o que lo evidencie,  y la mejor de las veces porque necesita consejos que le ayuden a potenciar su capacidad creativa y expresiva, o simplemente sus ganas.

 

El problema es cuando se recurre a una fórmula publicitaria, y no hay nada detrás que la sustente.
"Mire usted, me he anotado a este taller, nada barato por cierto, para que eduque mi mirada, la cuestión es ¿Qué es educar la mirada?"  Encontrar ante esa pregunta, el silencio mas desolador, puede provocar (y para mas de uno así ha sido) una enorme desazón y vergüenza, incluso mas que rabia.

Sin ir mas lejos, varios han sido mis intentos infructuosos de encontrar una respuesta a lo que hasta ahora creía, un eslogan vacío. Puede que no recurriera a las personas indicadas.
De hecho esa era una duda mayor si cabe ¿Quién está capacitado para educar fotográficamente?, no sólo eso ¿Se debe proporcionar esta educación? ¿Puede coartar  esta educación la capacidad creativa y de expresión, en este caso de un fotógrafo? Seguro que hablando de educación, la mala, al igual que puede ocurrir en cualquier centro de enseñanza, puede tener efectos nefastos. La responsabilidad debe existir.

 

Para ello hemos buscado a aquellos que creemos pueden ayudarnos en esta búsqueda y encauzarnos por esta senda tortuosa de lo que debe ser una educación fotográfica completa. Así también consideramos que sería desaprovechar esta oportunidad el no interrogar también sobre la debatida existencia  de limitaciones en el lenguaje fotográfico y la creciente interacción de la fotografía con otras ramas artísticas.

 

Tenemos el honor de contar para esta primera ronda de preguntas con la amable participación de Eduardo Momeñe (Bilbao 1952), fotógrafo, docente, articulista, creador de la magnífica serie de televisión "La Puerta Abierta" y escritor de "La Visión Fotográfica" un libro que constituye el perfecto punto de arranque perfecto para emprender esta aventura que compartimos. Sus respuestas seguro serán de gran ayuda.

 

1. ¿En qué debe consistir una educación visual correcta?
Sólo se puede educar la mirada si ya se tiene. Hay personas que tienen mirada fotográfica y otras no, hay personas que tienen buen oído y dotes musicales y otras no. Se puede estudiar música si se da lo primero. A partir de ahí, es cuando se puede trabajar la mirada, cuando ya existe. Se trata de averiguar, y lleva tiempo, si uno la tiene o la podría tener, o no.  La educación sólo es posible si ya está todo en uno, aunque todavía esté en estado bruto, o sin descubrir. La educación no va ser sino una manera de tratar de sacar lo mejor posible lo que ya está dentro. Hago hincapié en ello porque  es una pregunta que no siempre se hace. La fotografía es el producto de un pensamiento visual (es un pensamiento complejo) , y que será más potente si se desarrolla cultural e intelectualmente. En todo caso, son dos pasos, el primero sería comprender, saber leer fotografías, y a continuación, y sólo después, intentar hacerlas. Hay muchas personas que saben y comprenden muy bien el lenguaje fotográfico pero que serían incapaces de hacer una obra fotográfica. De alguna manera son dos profesiones diferentes. Es muy fácil verlo en extraordinarios galeristas que comprenden perfectamente el medio pero que son incapaces de hacer fotografías.

 

2. ¿Qué es lo correcto? ¿Pretender dicha educación no es interferir desde el inicio en el proceso creativo de un autor?
Lo correcto, en mi opinión sería, comenzar por comprender que la fotografía es un medio de expresión  de manejo complicado, bastante desconocido, y que exige un conocimiento de la manera en la que actúa. En esta dirección debe ir una educación apropiada. Mucha información. En fotografía se piensa muchas veces que no hace falta esa información. Sin embargo, es mucho lo que hay que aprender porque se trata de obtener un conocimiento del mundo, del arte, del pensamiento, de la cultura, etc… que es el que puede producir una obra fotográfica consistente.
Sin educación es difícil hacer algo. Quizás haya alguien que lo haya hecho pero no es un ejemplo para los que no tuvimos tanta suerte. Sí es importante la intuición, pero sin conocimiento, al igual que ocurre con la inteligencia, no vale de mucho.

 

3. ¿Quién tiene la capacidad de impartir esta educación?
¿Quien lo enseña? Probablemente nadie, porque es un proceso lento, acumulativo, de bastante tiempo basado en un interés obsesivo. La fotografía no se enseña, simplemente se pueden recibir pautas, y que una mente con ganas, sepa atrapar. La fotografía se aprende desde todas partes, nadie nos va enseñar a hacer fotografías, simplemente nos pueden echar una mano, pero el aprendizaje es personal. Uno no es artista, simplemente hace cosas, y después si pasado el tiempo todo permite que haya un consenso de que esas obras que uno ha hecho , son obras de arte, quizás pueda pensar que es un artista. Robert Frank es un buen ejemplo. ¿Quien le enseñó a Robert Frank a hacer fotografías…  y a Paul McCartney a hacer canciones? Quizás sus amigos músicos, escritores… quien sabe, pero ya estaba todo dentro anteriormente.

 

Nos interesa también hablar de las posibles limitaciones de expresión de la fotografía frente al peso de su pasado y frente a la imagen continua; algo que se está haciendo patente con la compaginación de ambos procesos  por cada vez mas fotógrafos, apoyado también por la aparición de cámaras mixtas.

 

1. ¿Existen estas limitaciones?
No creo que haya ningún tipo de limitación excepto las nuestras.  Desde mi punto de vista, viene una época apasionante, si no nos distraemos. Fotógrafos que van a hacer un cine diferente, fotográfico. Cineastas que utilizan la fotografía, escritores que hacen fotografías, fotógrafos que escriben. Ya está ocurriendo pero por alguna razón en ciertos ambientes aún se piensa que la fotografía debe ser hecha por mentes pictóricas, y que aquel arte conceptual de los 60 con malas cámaras de video y fotografías en blanco y negro expresamente hechas con indiferencia son algo distinto del arte conceptual de ahora, hecho en color en gran formato y con buenas cámaras.

 

2. ¿Su aceptación es la aceptación del medio?
Las fotografías ya no se van a hacer solamente para colgarlas en una galería como objetos decorativos, sino que van a formara parte de extraordinarias narraciones conceptual y visualmente elaboradas, véase video, libros,… Insisto en la escritura, textual, visual, fotográfica, cinematográfica. Robert Frank no hace cine -o video- y fotografia, Robert Frank escribe con diferentes herramientas. Por supuesto, es mi punto de vista, uno más en otros muchos.

 

3. ¿Existen posibilidades creativas futuras o está todo inventado?¿Está el futuro en los contenidos y no en las formas?
Desde mi punto de vista, y por fortuna, el futuro de la fotografía es apasionante pero no gracias al Photoshop, ni a las representaciones de carácter simbólico (y pictórico) a gran formato, sino a la escritura, a la confrontación con la realidad mediante el lenguaje. Ahí está un documentalismo  de una potencia conceptual fortísima. Conocimiento en estado puro. Excelentes formas con contenidos inteligentes. El problema es que no es fácil.