Técnica fotográfica – f2.8 Blog de Fotografia y Diseño Grafico

La técnica del Lens Whacking

La técnica Lens Whacking, lo que traducido significa “golpeando la lente”. Consiste en no encajar el objetivo en la bayoneta de la cámara y moverla adelante y atrás para enfocar y desenfocar, y a la vez dejar que se filtre luz al sensor, como si fuera una cámara Lomo. Este tipo de técnica le da un look diferente a la toma. El no tener que introducir el objetivo en la cámara también nos permite usar lentes que no sean de la propia marca de la cámara, aunque para poner cierta apertura de diafragma han de tener los controles en el objetivo.

¿Cómo hacer el Lens Whacking?
Tenemos que tratar de conseguir un lente Nikon para usarlo con un cuerpo Canon, esto es porque los objetivos FD o FD de Canon no sirven, porque la distancia entre la parte posterior del lente y el sensor es muy pequeña. Recomiendo un lente de 50mm fijo para una Full Frame, o uno de 32mm si tienes sensor APS-C. Además porque son livianos y se podrán manejar y controlar mejor cuando estén en la mano.

1- Para empezar, poner la cámara en modo Live View.

2- Abre el lente en su apertura completa (f2.8 o menor si el lente lo permite) y ajusta el enfoque a infinito.

3- Sujeta el cuerpo de la cámara en el pecho con la mano derecha.

4- Toma la lente con la mano izquierda.

5- Siguiendo con la izquierda, sostiene la lente apretada hacia el cuerpo de la cámara con el dedo pulgar y el dedo índice, mientras alejamos y acercamos el dedo medio, haciendo que el lente vascule para cambiar el foco.

6- Trata de utilizar la palma de la mano izquierda para que actúe como una bisagra, que permita que el enfoque que se ajuste cambiando la distancia entre la lente y el cuerpo. La mano derecha por sobre la cámara se utilizará para sostener la cámara y modificar la entrada de luz superior abriendo y cerrando los dedos.

7- Recuerden que están exponiendo el sensor al polvo del ambiente, si esto te preocupa, esta técnica no es para vos.

¿Por qué no utilizar un lens baby o similar?
Realmente el aspecto y sensación del efecto es totalmente diferente a cualquier cosa, no se puede comparar con ningun filtro de post-producción (Photoshoperos abstenerse!!), ni lente vascular para hacer “tilt-shift”. Esta técnica se asemeja a la sensación que uno tiene en los sueños, no se puede explicar, uno se conecta con la imagen. Se está usando mucho en video y con cámaras Canon como la C300.

Qué es la hora azul

La hora azul proviene de la expresión francesa l’heure bleue, blue hour (en ingles) y hace referencia al período de penumbra que se produce en los extremos del día: la aurora y el crepúsculo, donde no hay luz diurna completa ni oscuridad completa. En el caso de la tarde, se presenta inmediatamente después de la hora dorada, cuando el sol ya se ha ocultado. En el caso de la mañana, entre la oscuridad nocturna y el alba. Al igual que la hora dorada, tiene una duración en torno a los 30-45 minutos.

La inmensa mayoría de fotografías de paisaje de los grandes autores están realizadas en estos dos grandes momentos: la hora dorada y su continuidad: la hora azul.

En estos instantes el cielo toma un color azul (crepuscular), donde las nubes toman unos colores casi surrealistas.

Otra ventaja que aporta la hora azul es que, gracias a que la luz directa del sol es considerablemente menos intensa, la diferencia entre las luces y las sombras también es menor, reduciéndose la probabilidad de sobreexponer o subexponer una de las dos. El cielo por su parte tomará un intenso color azul que contrastará con la mayoría de motivos que decidamos fotografiar, siendo especialmente idóneo para la fotografía urbana en la que se combina con la luz artificial procedente de faroles y edificios.

La hora azul también resulta cautivadora para el fotógrafo de paisaje urbano. Iluminado artificialmente, éste combina sugestivamente con la luz natural fría de la penumbra. El secreto: esperar a esos breves instantes en que el primer plano (el motivo urbano) y el fondo (el cielo) posean la misma intensidad de luz, creando un delicado equilibrio. Todo un clásico de la fotografía urbana.

Las recomendaciones para hacer las mejores fotografías en la hora azul son las mismas que para la fotografía nocturna, pudiéndose resumir en los siguientes puntos:

El uso del trípode es esencial. La calidad de la luz es excelente pero no ocurre lo mismo con su intensidad por lo que olvidemos disparar con cámara en mano.

Si queremos reducir las vibraciones al mínimo lo mejor es utilizar un disparador remoto o el temporizador de la cámara. Si esta es un réflex y dispone de la función de bloqueo de espejo no dudes en activarla para evitar la vibración producida por el movimiento del espejo.

Tendremos que poner especial atención al tiempo de exposición de la toma para compensarla de ser necesario. Si el cielo está muy oscuro es posible que la cámara nos de una medición errónea que sobreexponga las zonas más iluminadas.

Deberás hacer lo mismo con la apertura del diafragma, jugando con los valores de uno en función del otro (mayor tiempo de exposición implica menor apertura y viceversa).

Para conseguir que la luz de los faroles parezca una estrella (con aspas) lo que debes hacer es cerar el diafragma (ej.:f16, f22).

Si disparas en RAW te ahorrarás problemas con el balance de blancos.

Cómo conseguir el efecto seda en el agua

Este efecto es muy poderoso y llamativo y otorga a la imagen un aura de irrealidad que impacta.

La experiencia me dice que es también el primer efecto que toda persona quiere realizar cuando se sumerge en el mundo de la fotografía y es que es, o debería serlo, un efecto muy fácil de conseguir pero no siempre es así, vamos a ver por qué…

El error más común cuando alguien que está empezando a fotografiar intenta conseguir el efecto seda en el agua es querer hacer la toma a plena luz del día, el resultado es catastrófico porque obtendremos una imagen sobreexpuesta, algo parecido a las fotografías quemadas que dicen haber captado una aparición divina.

La teoría que dicta el procedimiento a seguir es clara y concisa: Tenemos que ajustar una velocidad de disparo lenta, de otra manera no conseguiremos que el agua adquiera esa textura casi mágica, por ello necesitamos obligatoriamente usar un trípode. Sobre el procedimiento van leer muchos tutoriales en la red y unos dirán que se debe usar la apertura más pequeña (número f más grande) para que entre poca luz, que deben disparar en prioridad de apertura o de velocidad… retengan con una sola cosa: hay que usar una velocidad de disparo lenta que puede ir desde el medio segundo a más de cinco, el resto puede variar según las condiciones. Si es tu primera vez podes probar la siguiente configuración:

Trípode
ISO 100 (Usaremos siempre el valor más bajo)
Modo A o AV y un valor entre f11 y f22

Con la configuración estándar de arriba la cámara elegirá una velocidad de disparo lenta, sería un buen punto de partida para disparar y modificar los valores según el resultado obtenido.

Si pretendemos hacer la fotografía a plena luz del día es necesario usar un filtro de densidad neutra que bloquee gran parte de la luz y nos permita usar esa velocidad lenta que necesitamos. También podemos usar un polarizador en alguna situación y digo solo "en alguna situación" porque aunque la labor del polarizador no es bloquear el paso de luz siempre quita algunos puntos de velocidad o diafragma. Si no tenemos un filtro de densidad neutra tendremos que disparar en la sombra o esperar a que el sol se ponga (o antes de que salga) y aun así podemos no obtener un buen resultado.

En resumen:
Usar trípode
Usar filtro de densidad neutra
Usar velocidades de obturación largas, por arriba de los 3 segundos

Otro consejo, añadan objetos fijos en el encuadre, por ejemplo piedras, hojas caídas de los arboles, ramas, puentes, un faro…cualquier cosa para poner en contexto el agua porque una fotografía en la que solo se vea el efecto seda y nada más queda un poco vacía y sin ningún atractivo.

La fotografía minimalista

El minimalismo es, como su nombre lo indica, el arte de lo mínimo; una frase que escucharemos sobre esta corriente es “poco es mucho”.

Esta movida nace allá, por la época del 60, de la mano del Pop Art, uno de sus exponentes más representativo fue Andy Warhol.
Existe incluso como una filosofía de vida, ya que el punto de vista del verdadero minimalista es centrarse en unos pocos elementos esenciales de la vida ignorando todo lo demás.

Como podemos ver esta corriente ha sido explorada y explotada en varias ramas del arte, como la literatura, la música y la pintura.

En fotografía el minimalismo cuenta con varias escuelas de pensamiento; algunos creen que tanto la definición como la ejecución del minimalismo en el resto de las artes plásticas debe ser llevado tal cuál está enunciado en éstas a la fotografía, mientras que otros coinciden en que en la fotografía el minimalismo está más abierto a la creatividad y que en tanto una imagen se encuentre centrada en un tema dejando de lado el entorno ya es minimalista. Esta última escuela de pensamiento incluiría entonces la fotografía macro.

Otro punto de discusión que cobra gran importancia en este tema es el color, ya que este desempeña un papel fundamental en las fotografías minimalistas, aunque siempre la atención mayor está puesta en el objeto a retratar, el buen uso del color suele ser una gran ayuda extra.

Esto quiere decir que, si bien una foto minimalista bien hecha, con un objeto central preciso, será tan minimalista si la presentamos en monocromo como si lo hacemos en color, es muy posible que con la ayuda de colores contrastantes logremos un mayor efecto visual. Pero eso no quita que ambas sean consideradas minimalistas.

El minimalismo no solo está enfocado a la fotografía de objetos sino que también puede ser explotado en un ciento por ciento en la fotografías de retratos. En su mayoría las imágenes que mejor logran reflejar el minimalismo en retratos son aquellas en las que se juega con las luces y las sombras, ocultando gran parte del mismo en las sombras y dejando una bella fotografía, aunque debemos reconocer que son algo extremas.

Tips a la hora de realizar fotografías minimalistas:

1 Quitar las distracciones
Todo lo que pueda ser quitado de una escena, quítalo. Siempre debe haber un único tema principal en la composición.

2 Tener un claro objetivo
Si quieres imprimir un toque de luz especial o de color a tu imagen siempre debe ser dado en el objeto principal, nunca debes desviar la atención con elementos o retoques extras.

3 Provocar reacciones
El arte fotográfico no siempre debe decirlo todo, las mejores imágenes suelen dejar un marco de interacción con aquellos que las observan. Provoca a tus espectadores.

4 Jugar con las luces
Tanto para resaltar, como para ocultar tras las sombras, las luces son una herramienta fundamental en la fotografía, cuánto más en este estilo, será un mayor desafío.

5 Observar los detalles
Si bien una fotografía plagada de información y colores puede ser preciosa, el gran secreto del minimalismo está en revelar los detalles que se pierden en el resto de los estilos fotográficos. Aprende a encontrar la belleza de los detalles.

Con esta información, tu creatividad, un poco de ingenio y tu cámara, ya puedes salir en busca de tus fotografías minimalistas.

Filtros de Densidad Neutra (ND), para que sirven?

Los filtros grises o de densidad neutra (ND – Neutral Density) se utilizan para controlar la cantidad de luz que pasa a la cámara, sin que afecte la calidad cromática de las imágenes.

Por el material con el que están fabricados (vidrio óptico gris neutro de alta calidad), filtran todo el espectro visible, permitiendo la reducción de la intensidad de la luz sin que se altere el color o el contraste. mediante su uso disminuye la cantidad de luz que llega al sensor. Esto permite trabajar con diafragmas abiertos (menor número f/) o tiempos de exposición largos.

Si pensamos la intensidad de la luz como una serie de pasos de diafragma f, las cámaras digitales sólo puede ver alrededor de 7 pasos f en total, que van del negro al blanco, mientras que el ojo humano puede ver aproximadamente 20.

Primer plano bien expuesto Cielo bien expuesto

Resultado final

En un día con mucha luz, para obtener detalles sutiles, tanto en el primer plano como en el cielo se requiere un mayor número de pasos de diafragma que pueda capturar el sensor de la cámara. Sin un filtro para reducir la entrada de luz, tenemos que elegir si tomamos la exposición con nuestro fotómetro en el cielo o tener detalles en primer plano. Si optamos por tener detalle en el color del cielo, encontraremos que todo en el primer plano se convierte en una silueta o está muy oscuro. Si elegimos tener detalles en primer plano, el cielo será suave y lavarlo. Ninguno de estos dos resultados es el ideal. Por eso aparecieron los filtros ND.

Según el fabricante, varía la nomenclatura que utilizan para codificar la cantidad de puntos de diafragmas o pasos f que restan:
ND2 (1 paso= 1 punto de diafragma), ND4 (2 pasos= 2 puntos de diafragma), ND8 (3 pasos= 3 puntos de diafragma).
Para TIFFEN existen los modelos ND 0.3, 0.6 y 0.9 siendo el ND 0.6 el más popular.

Para la marca HOYA estos serían ND 2X, 4X y 8X.

Según el tipo de fotografía que queramos hacer, va a cambiar el tipo de filtro que usemos, hay dos tipos:

Graduados (ND GRAD)
Los filtros de densidad neutra graduados pueden hacer una diferencia realmente espectacular en la fotografía de paisajes. Las imágenes capturadas, como dijimos, no toman el mísmo rango de diafragmas que el ojo humano, dando lugar a resultados decepcionantes.

Existen filtros ND GRAD con el limite del efecto difuso y otros con un límite duro. El más polular es el que presenta límite difuso de tal manera de no ver una diferencia tan drástica entre la zona en donde se aplica o no su efecto.El objetivo de este filtro es acercar la iluminación entre 2 zonas de la fotografía que presentan un gran contraste en su iluminación. Gracias a estos filtros se puede rescatar una imagen de paisaje que de lo contrario sería desastrosa, por los cielos lavados o con primeros planos oscuros.

Para calcular que filtro utilizar lo que hacemos es poner la cámara en prioridad de abertura, tomamos con medición puntual la luminosidad en el cielo y en el primer plano y vemos la diferencia de diafragmas que hay.
Ese número nos va a indicar el grado del filtro que deberemos utilizar y dejamos el diafragma para la exposición correcta del primer plano (en el cielo actuará el filtro ND, reduciendo la luz).

Fijos
Un ejemplo clásico de utilización de un filtro ND fijo sería en el caso de fotografiar una cascada con una larga exposición en un día soleado o bien fotografiar el mar borrando completamente el movimiento del agua con una larga exposición.

A continuación 2 ejemplos de uso de filtro ND fijo:

Consejo
Como ven los filtros deben tener el mismo diámetro que sus objetivos, lo que significa tener un juego de filtros para cada lente (en caso que fuera necesario). Como dato les diría que en caso de utilizar filtros que se atornillan al frente de la lente compraran filtros de un gran diámetro, por ejemplo 77mm, y luego sólo compren anillos adaptadores para sus lentes con un diámetro de filtro menor. De esta forma tendrían que comprar sólo 1 filtro y ahorrarían dinero y espacio en sus bolsos.

Una aproximación a la exposición óptima en digital

La exposición óptima en digital (la que nos garantiza tener la mejor relación señal/ruido, la mayor riqueza tonal y el mayor rango dinámico captado) es algo muy sencillo de lograr: consiste en tratar que el histograma de nuestra cámara quede lo más a la derecha posible, justo antes de empezar a quemar ninguna zona de la toma.

Esto es lo que se conoce como "Derecheo del histograma" o ‘Exposing to the right’ y es un método bastante viejo, hay un artículo el Dzoom muy bueno sobre este tema.

Para lograr esta exposición habrá un sinfín de técnicas y trucos, porque "cada maestro tiene su libro". Y una de ellas es la del fotógrafo español José María Mellado.

Otra si no se dispone de medición puntual (requerida para usar la técnica de Mellado) sería hacer la foto con alguna de las mediciones que nos da la cámara y observar el histograma para ir derechándolo mediante prueba/error con la compensación de la exposición.

Técnica de Mellado de medición de luces para lograr la exposición óptima en digital

Como decía, no es el hecho de ‘qué hacemos’ para exponer de manera óptima, sino ‘cómo lo hacemos’. Lo que propone Mellado en su libro es algo tan sencillo como ha dicho Portiella, contrarrestar el comportamiento normal del sistema de medición de la cámara. Ésta garantiza que en la toma final el área de la imagen sobre la que se ha hecho la medida de luz aparecerá de color gris, es decir lleva las luces medidas a un nivel de luminosidad intermedio.

Lo que propone Mellado es:

1. Con la cámara en modo de medición Puntual (y el que no disponga de medición puntual como los que tenemos una 350D/400D simplemente no podemos hacerlo: medir sobre la zona de la escena de mayor luminosidad y que queremos captar con detalle en la toma final.

2. Si disparamos ahora, esa zona medida saldrá por la forma en que funciona la cámara con una luminosidad intermedia, o sea gris.

3. Por ello lo que hay que hacer ahora es: respecto a la medición que nos acaba de dar la cámara con la medición puntual, subir la exposición en 2 diafragmas (2 ó 3 ó 1,5 o los que sean, cada cámara tendrá un valor en función del nivel preciso de gris medio a que nos lleve la medición hecha).

4. El resultado será que esa zona de altas luces sobre la que hemos medido y que habría salido gris caso de no compensar el nivel de exposición, va a salir blanca pero justo antes de quemarse; es decir va a conservar detalle.

En conclusión:
1. La exposición óptima en digital podemos decir que consiste en el "Derecheo del histograma".
2. Mellado lo que propone es una técnica de medición de luces para lograr dicha exposición óptima. Técnica que ni es la única posible, ni sirve para todas las cámaras (solo para aquellas con medición puntual).

Tres técnicas para evitar el movimiento de tu cámara réflex

Vamos a enfrentarnos a los hechos; cargar con el trípode no es siempre una forma divertida de tomar fotos. Haciendo caso omiso de las quejas obvio, que incluyen su tamaño y peso, los trípodes, son en realidad, cada vez más prohibidos en un gran número de lugares donde tomamos fotos. Por desgracia, el sostener la cámara en la mano y con poca luz puede ser extremadamente difícil y el resultado honestamente son imágenes suavizadas por el movimiento de la cámara al momento de la toma.

Afortunadamente, contamos con alguna de estas tres técnicas para mejorar considerablemente la probabilidad de imágenes nítidas con la cámara en mano.

A. La corrección de la postura
La mayoría de los fotógrafos están familiarizados con cómo sostener una cámara digital en sus manos, pero la mayoría de ignorar el importante aspecto de la posición del cuerpo. Mucha gente se inclina hacia adelante, dejando a sus brazos para sostener la cámara quieta. Al igual que levantar un objeto pesado, el peso es mejor manejado por sus piernas para adaptar su paso para adaptarse a estas pautas:

1) Sujeta la cámara con ambas manos. La mano izquierda sujeta la lente, mientras que la derecha sujeta el cuerpo de la cámara y controla el obturador.

2) Dá un paso adelante y trata de tus rodillas un poco dobladas. Esto distribuye el peso por igual en ambas piernas. El pie izquierdo adelante y el derecho a 45° respetando tu ancho de hombros.

3) Trae la cámara hacia tu cuerpo a su posición de disparo común. Para las cámaras DSLR, esto significa que el ocular (visor) se mantenga firmemente presionado al ojo derecho, mientras que para las cámaras compactas que se mantendrá a la altura de los ojos, a unos 15 cm delante de tu cara.

4) Aprieta los codos firmemente contra los costados. El antebrazo izquierdo debe estar completamente vertical y detrás de los dedos. Evita inclinarte hacia adelante tratando de que el peso no recaiga sobre tus piernas sino sobre tu cuerpo; inclinarte hacia adelante se traducirá en movimiento de la cámara.

5) Respira profundo y deja salir el aire. Antes de tomar la respiración siguiente, presione el disparador lo más suavemente posible. Que se entienda, que esto no es un ejercicio de yoga, sino, que la respiración también ejerce movimiento a la cámara.

B. Un trípode de bolsillo
Mientras que los trípodes son molestos para llevar, esta técnica añade una solución de bolsillo a las situaciones de iluminación escasa.

1) Antes de ir a “fotear”, corta una trozo de cinta ancha que sea igual a tu altura y guárdalo en tu bolsillo o el bolso de la cámara.

2) En el lugar fotos con poca luz, se toma la cinta, se hace un lazo corredizo y se coloca alrededor de la lente de la cámara, con cuidado de no tocar el anillo de enfoque o del zoom.

3) Deja caer la cinta al piso y presiónala con tu pie delantero y acerca lentamente la cámara a tu ojo. Con cuidado, tira de la cinta, asegurándote de no hacer mucha fuerza para no afectar la conexión de la cámara a la lente.

4) Con la cuerda tirante, que estará en la misma posición descripta en la primera técnica, presiona suavemente el disparador.

C. El agarre Joe McNally
El fotógrafo Joe McNally, más conocido por sus técnicas de iluminación, regularmente hace fotografías para publicaciones como Sports Illustrated, National Geographic, y la Revista Life que ya no existe. A pesar de tomar fotos en diferentes situaciones de iluminación, rara vez usa un trípode. En su lugar, utiliza su propio estilo de agarre que requiere el disparo con el ojo izquierdo. Con un poco de práctica, este agarre permite a los fotógrafos realizar disparos realmente con velocidades de obturación muy lentas.

1) Toma la misma posición de los pies como la técnica 1, con el pie izquierdo delante del derecho, y con el ancho de los hombros.

2) Gira la parte superior de tu cuerpo para que tu hombro izquierdo apunta hacia el sujeto.

3) Sosteniendo la cámara con la mano derecha, llévala hacia arriba y apóyala sobre tu hombro izquierdo. La esquina inferior del cuerpo de la cámara debe apoyarse en el pequeño hueco detrás de la clavícula.

4) Usa la mano izquierda para sujetar la cámara contra el cuerpo. Ancla tu peso por igual sobre ambos pies, y baja tu ojo izquierdo hasta el visor. Haz el disparo después de exhalar el aire.

No sólo tus fotos agradecerán estas técnicas, sino que estarás en armonía con tu “kundalini”.

Namasté! y buenas fotos…

7 situaciones donde el foco manual es mejor que el autofocus

El enfoque automático es un beneficio indiscutible en una gran variedad de escenarios, pero a menudo hay momentos en los que en realidad podría ser más sensato utilizar el enfoque manual. En estos escenarios, que se exponen a continuación, es justo decir que el enfoque automático no funciona tan bien en algunas cámaras, así que simplemente mueve el selector de AF a enfoque Manual y usa el anillo de enfoque para enfocar el tema. También vale la pena recordar que puede ser más fácil en algunas situaciones utilizar el bloqueo de enfoque, en este caso simplemente se centran en otro sujeto a la misma distancia y luego reencuadras el objeto convenientemente.

1. Muchos elementos en los proximidades
Cuando se toma una escena en la que intervienen muchos elementos – y cada uno que presenta una multitud de detalles – el enfoque manual puede ser necesario para un control completo de la toma. Esto es especialmente necesario cuando el sujeto presenta poca o ninguna variación en el tamaño, forma, color o brillo. Por ejemplo, un campo de flores, un macro de naturaleza abstracta, una concurrida calle llena de peatones, etc.

2. Obstáculos en el camino
Si el sujeto es parcialmente bloqueado detrás de un obstáculo y no tenes posibilidad de moverse fuera del camino, el enfoque manual puede ayudarte a identificar el tema principal. Además si utilizas un zoom y te aproximas al objeto, puedes borrar con creatividad la obstrucción de la vista al sujeto. Por ejemplo, una jaula donde hay un animal encerrado, una persona que mira desde una ventana o de pie detrás de una puerta, etc.

3. Confusión geométrica
Muchos fotógrafos de arquitectura, especialmente los que favorecen el diseño contemporáneo tienden a favorecer más el enfoque manual que el automático. Esto se debe a que los patrones de la arquitectura moderna a menudo presenta geometrías que pueden confundir el enfoque de la cámara en modo automático. Por ejemplo en las fotos de rascacielos.

4. Alto contraste
Cuando se presenta una escena que contiene grandes áreas de marcado contraste o de brillo intenso es probable que el enfoque automático no funcione. Por ejemplo, si estas haciendo un retrato al aire libre y el sujeto está en la sombra, pero que han decidido incorporar una amplia zona de luz adyacente.

5. No hay contraste
Al igual que con las zonas de alto contraste, pueden encontrar que las escenas sin contraste puedan presentar los mismos problemas de enfoque, es decir, el tema principal presenta los mismos tonos y los colores como telón de fondo. Un ejemplo común de esto, es un muñeco de nieve con un fondo de nieve.

6. Dominante característica
Composiciones que contienen objetos que son más grandes o más representativas que el sujeto que deseas tomar, también puede engañar al enfoque automático. Por ejemplo una persona empequeñecida frente a un paisaje urbano intimidante se puede perder con enfoque automático, cambia a enfoque manual para una solución rápida.

7. En la noche
En situaciones en las que desea fotografiar en plena oscuridad, el enfoque manual va a ser tu única opción. Ejemplos concretos de esto: fotografiando estrellas, la aurora boreal o queriendo hacer dibujos de luz con linterna en donde el ambiente debe estar oscuro. Muchas veces el foco en una fotografía nocturna de este tipo es un tema de prueba y error.

La fotografía a contraluz

El contraluz (backlight) es un efecto muy interesante en la fotografía, que logra algunas de las más bellas tomas y que consiste en iluminar un objeto o persona desde atrás para proporcionarle realce o separarlo de su fondo.

Contrario a la creencia popular de que las mejores fotografías siempre deben tomarse con la luz a espaldas del fotógrafo, la fotografía a contraluz puede producir imágenes increíblemente hermosas. Por éste motivo muchos fotógrafos no se arriesgan a enfocar su cámara hacia la fuente de luz.

Una vez que hayas conseguido dominar ésta técnica, no hay duda de que la fotografía a contraluz puede traer la magia a tus imágenes, añadirles drama y gran impacto visual.

Hay muchas situaciones en las que utilizar el contraluz funciona óptimamente: las flores translúcidas, el follaje y las fotografías de animales en que su silueta se resalta por una línea de luz. Las fotografías de niebla, lluvia y rocío al amanecer también se benefician de éste tipo de iluminación.

Uno de los grandes retos es lograr la exposición adecuada, La sobre exposición es la causa más común de problemas, ya que el exposímetro tiende a medir la luz que viene de frente a la cámara y deja a nuestro objeto principal en la penumbra., casi como una silueta.
Debes utilizar la compensación de exposición según el manual de tu cámara, o utilizar un exposímetro externo para medir la luz en la sombra, o bien si tu cámara dispone de medición de luz puntual, sería la más correcta para estos casos.

Con las cámaras digitales, puedes hacer cambios en tu exposición hasta lograr la correcta, de acuerdo a lo que veas en la pantalla, pero recuerda que leer la pantalla puede ser difícil cuando hay mucha luz. El objetivo es experimentar hasta que la toma quede lo más interesante posible.

El uso del trípode es recomendable sobre todo cuando haces fotografías macro porque unos centímetros pueden hacer una gran diferencia en la lectura de la luz.

Claves para un buen retrato

El buen retrato busca captar no sólo el rostro o la constitución de alguien, sino también algo de su esencia, su expresión, su carácter. Y para ello no hay reglas mágicas, pero algo que puede ayudar es romper el hielo con el modelo. Sin importar que la persona sea agraciada o no, joven o mayor, lo que le permitirá ser natural y mostrar una expresión que valga la pena será el hecho de que se sienta cómoda. Así que es importantísimo crear un buen ambiente, charlar con la persona y lograr que se despreocupe de la cámara. Incluso pueden tomarse fotografías mientras esta conversa y gesticula al hablar, especialmente cuando se trata de alguien que de por sí es tímido o poco expresivo.
Pero por muy cómodo que se sienta el modelo, no podrá obsequiarnos una expresión entrañable si debe esforzarse por mantener sus ojos abiertos a causa de la luz. Algo tan simple como esto es o que suele tensar en gran manera los músculos del rostro, causando que la postura de los músculos del rostro deje de ser natural. En un estudio profesional, esto puede resolverse al evitar que la luz incida directamente sobre la persona. Y en medios más caseros, el uso de la luz solar puede solucionar este y otros problemas relacionados también con las sombras y la naturalidad de los rostros: sobre todo la luz del final del día.

Y para entrenarnos en esto de captar la expresividad de una persona, no podemos dejar el asunto relegado a una cita concertada. Es necesario ganar práctica capturando retratos diariamente. La vida cotidiana suele ofrecernos momentos sencillos que aún así pueden resultar ideales para la captura.

Tal como decíamos, no hay reglas mágicas. Una vez que se han incorporado los procedimientos técnicos que aseguren la calidad de foto, la idea es poder "sacar" algo de la persona y lograr que su retrato sea cautivador.

A continuación enumero varios consejos para mejorar nuestros retratos:

1.- Crear un buen ambiente. El modelo debe encontrarse cómodo y para ello podemos mantener una conversación jocosa, incluso gastar alguna broma. Nuestro objetivo debe ser romper el hielo y que el modelo olvide a la cámara.

2.- Utilizar una óptica idónea. Un objetivo interesante para el retrato es el 85-135mm, es decir, un teleobjetivo medio.

Cuidado con las longitudes focales grandes (angulares), porque distorsionan los rostros si el sujeto se encuentra muy cerca o la cámara está inclinada.

3.- No olvidarnos del fondo. El fondo también importa. Procura localizar fondos neutros y, si es posible, desenfócalos. Nuestro objetivo es evitar los fondos confusos que quiten protagonismo al sujeto.

4.- Maquillaje. Sombras de ojos, rímel en las pestañas, polvos de base para evitar brillos en la piel y brillo de labios suelen mejorar los retratos femeninos.

5.- La luz. La disposición básica de iluminación en estudio implica dos luces: una luz principal ( a la izquierda de la cámara a unos 45º) y una luz secundaria menos intensa que suaviza las sombras (a la derecha a unos 45º de la cámara).
Un esquema con el que se obtienen resultados más glamorosos que con el esquema anterior (45º/45º) es con un reflector con paraguas sobre la cámara y otro de relleno a la derecha.

No hay que olvidar que con la luz natural podemos obtener resultados sorprendentes. La luz proporcionada por el Sol al final del día es muy apropiada.

Otra recomendable fuente de iluminación natural son las ventanas. Podemos colocar a nuestros sujetos cerca de la ventana, y utilizar una cartulina blanca como reflector de relleno.

6.- La altura de la cámara. Generalmente la mejor altura a la que debemos obtener los retratos nos la marcará la altura de los ojos de nuestros protagonistas. Os recomiendo que hagáis una prueba: sacar tres fotos, una con la cámara a nivel de los ojos del sujeto, otra por encima y otra por debajo. Veréis la diferencia.

7.- El encuadre. Podemos utilizar los siguientes:

1. Primerísimo plano. Parte del rostro.
2. Primer plano. El rostro ocupa la totalidad de la imagen.
3. Plano medio. Rostro, hombros y pecho, hasta codos.
4. Plano americano. De la rodilla hacia arriba.
5. Plano general. Vista completa del sujeto y parte de su entorno