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Luz difusa con rebote de flash en techo o pared

"¿Para que preocuparse en quitar el flash de la cámara si al final acabas rebotándolo en el techo o un una pared?"

Porque haciéndolo así, cuando te mueves alrededor de la escena mientras disparas, no cambias el punto de rebote del flash y la iluminación es consistente entre las diferentes tomas.

Porque iluminando con el flash fijo en una posición y con la potencia marcada en manual da una consistencia a tus fotos en exposición, calidad de luz y dirección de la luz imposibles de lograr con TTL.

Porque es una técnica que permite medio montar las luces e ir probando la exposición mientras decides que tipo de iluminación quieres obtener.

Porque trabajar con las luces fuera de la cámara es un buen hábito de trabajo a la que conviene acostumbrarse, para generar un fondo atractio que permita realizar un retrato muy aparente en una triste y aburrida oficina iluminada con fluorescentes.

La técnica es sencilla, muy usada y muy simple. Y te darás cuenta que estamos hablando simplemente de técnica. No tienes que comprar nada nuevo para tu equipo.

OK, pues entonces ya está, esas son las razones. Esta técnica te genera una iluminación general, capaz de iluminar una habitación completa y es útil para generar una zona muy permisiva de luz direccional. Suave y plana, pero definida al mismo tiempo.

Cosas a recordar

Primero, cuidado con el color de la pared. Ese color se transferirá a la luz reflejada.

Generalmente puedes usar esto a tu favor, como por ejemplo haciendo más cálida la luz reflejada, como en este retrato de una artista.

Puedes usar el ajuste del zoom de la cabeza del flash para controlar el tamaño del círculo de luz que ilumina la pared. Simplemente dispara el flash y observa el tamaño del haz en la pared sobre la que incide. Eso te permite empezar a ver el tipo de iluminación que vas a generar.

Técnica:
1. Apuntamos con la cabeza del flash directamente al techo o con un ángulo de 75 grados aproximadamente. El techo hará las veces de un gran reflector aunque como inconveniente está la posibilidad de que aparezcan algunas sombras cerca de los ojos a causa de que toda la luz proceda de arriba.

2.Rebote invertido en techo. En este método colocamos el flash en un ángulo de 45 grados apuntando hacia atrás de modo que el destello rebote en el techo y la pared ubicados a nuestras espaldas. Evitaremos la sombra de los ojos del método anterior, aunque necesitaremos una pared detrás.

3.Rebote en pared o lateral. Colocamos la cabeza del flash en un ángulo de 90 grados respecto al sujeto de forma que apunte a la pared más cercana. Conseguiremos una luz direccional que da profundidad a la imagen.

Guía rápida de cómo analizar las luces de una toma

Los fotógrafos no pueden esconder la manera de cómo han iluminado algo. Las características de la luz – estilo, color, dirección, tamaño, difusión, etc – están claramente a la vista para cualquier fotógrafo que maneja los conceptos básicos de iluminación y tipos de luz.
Frente a esto deberíamos ser capaces de desentrañar la luz que utiliza cualquier fotógrafo.

He aquí algunas preguntas que nos deberíamos hacer al analizar una toma fotográfica de otro colega:

P: ¿De donde viene la luz?
R: Las sombras te lo dicen.

P: ¿Se han utilizado varias luces?
R: Si la luz parece venir de varias direcciones y asumiendo que no hay espejos, probablemente. También debes comprobar inconsistencias en las sombras.

P: ¿Se ha modificado el color de los flashes para hacerlo coincidir con el de la luz ambiente?
R: Bueno, si los fluorescentes parecen ¿blancos? seguro. Lo mismo con las luces incandescentes.

P: ¿Indice la luz sobre una zona pequeña y limitada de la imagen?
R: Ha usado un snoot o una grid.

P: ¿Cual es el método más sencillo para comprobar la luz frontal en un retrato?
R: Los ojos resultan ser unos espejos estupendos para ver las fuentes de luz. Si además lleva anteojos de sol, estás de suerte. A menos que los reflejos hallan sido borrados con el Photoshop. Y no, no puedes borrarlos si eres un periodista.

P: ¿Estaba la luz cerca?
R: Fíjate en lo rápido que varía su intensidad a lo largo del sujeto. ¿Rápidamente? si, estaba cerca. ¿Lentamente? no, estaba lejos.

P: ¿Es una fuente de luz grande?
R: Depende de lo cerca que esté. Un pequeño flash de bolsillo parece un softbox cuando lo utilizas a 5cm en una toma macro. El Sol, que es la fuente de luz más grande que puedes usar, es muy dura, simplemente por esa tontería de los 150 millones de Km. Lo único importante es lo grande que la fuente de luz aparenta al el sujeto.

P: ¿Es un flash o una fuente continua?
R: Esa puede ser muy complicada de responder. Siempre puedes usar la luz disponible de manera lo suficientemente efectiva, como para confundir a la gente.

P: ¿Como han conseguido ese cielo nublado de un color azul tan intenso?
R: Pon el balance de blancos de la cámara en tungsteno, que mostrará las nuves neutras (grises) azules. Subexpón el cielo (por ejemplo, un paso por debajo del gris neutro) para tener un efecto más impactante. Ahora, coloca un filtro CTO (Color de temperatura naranja) en el flash que ilumina el sujeto principal. De ese modo el sujeto volverá a verse con el balance de blancos adecuado.

Espero haber ayudado con algunas pistas para que vayan formando una idea de cómo es esto. No hay secretos en cuanto a la luz.. Solo física!

Algunos conceptos y tips sobre Fotografía infraroja – IR

Volviendo sobre este tema, será que me apasiona demasiado, explico en pocas palabras lo que sería este tipo de fotografía.

La luz se propaga a través de ondas, esas ondas tienen distintas frecuencias y forman todo el espectro visible y no visible, dentro de este espectro se encuentra la luz infraroja.

La luz infrarroja, no es solamente uno de los tipos de luz que no podemos ver con nuestros ojos. Hay muchos más, tales como los rayos X, los rayos gamma, la luz ultravioleta y las ondas de radio. Somos muy afortunados al vivir en una época en la que tenemos la tecnología que nos permite “ver” todos estos tipos de luz.

Originariamente la fotografía infrarroja se llevaba a cabo con películas sensibles a este tipo de radiación, hoy en día con el uso extendido de cámaras reflex digitales el método cambia un poco.

Las cámaras actuales, o mejor dicho los sensores, son capaces de captar tanto la radiación normal como la infrarroja, pero eso no es bueno, si esto se permitiera las imágenes serían dominantes en rojos y muy sensibles al ruido, por tanto, las reflex digitales integran un filtro que bloquea la radiación infrarroja y sólo deja que llegue al sensor la radiacion por encima de ésta.

Aquí tienen un ejemplo que grafica lo que uno vería en forma normal y otra con visión infraroja:

Una fotografía a la luz visible (izquierda) y una fotografía infrarroja (derecha) de dos vasos. Un vaso contiene agua fría mientras que el otro contiene agua caliente. En la fotografía a la luz visible no podemos decir solamente mirando, cuál vaso contiene agua fría y cuál agua caliente. En la imagen infrarroja podemos claramente “observar” la brillantez del agua caliente en el vaso de la izquierda y el agua más oscura y fría en el vaso de la derecha. Si nosotros tuviéramos ojos infrarrojos, podríamos decir si un objeto es caliente o fríos sin tener que tocarlo.

Ahora en la fotografía infraroja digital la historia cambia, los colores cambian, tomando tonalidades que rondan lo surreal, esto es lo que llama la atención de este tipo de fotografía.

Para saber cuan sensible es tu cámara al infrarrojo solo tienes que hacer una fotografía al led de un control remoto mientras pulsas algún botón, si se ve algo de luz es que tu cámara es “algo” óptima para fotografía infrarroja.

Uno de los motivos de determinar si tu cámara es apta para este tipo de fotografía, es que el filtro Hoya R72 no es nada barato, sobre todo en los diámetros de filtro más grandes, llega a rondar los u$s300.

Espero haberles aclarado un poco el panorama y les dejo un tutorial que explica paso a paso cómo meterse en este mundo tan interesante:

https://www.dropbox.com/s/tc2za5jy9205k21/tuto_infrarroja.pdf

Consejos a la hora de usar objetivos gran angulares

El gran angular es el objetivo deseado por todos aquellos a los que nos gusta la fotografía de paisajes. Gracias a este tipo de objetivos se consiguen efectos muy atractivos visualmente, como alteración evidente de las perspectivas.

Aquí algunos consejos para sacarle el jugo a estos objetivos:

Acercate lo más que puedas
La principal ventaja y a la vez incoveniente de los grandes angulares es que cuando miras a través de ellos todo se ve muy lejos.
Es una ventaja porque te permite tomar un ángulo de visión muy amplio, pero también es un inconveniente debido a que si hacemos las fotos como estamos acostumbrados, simplemente mirando al infinito, haremos una foto en la que todo está muy lejos. ¿La solución? Acercarse.

Buscando un elemento que aporte a la escena y colocándolo en primer plano dará mucha información y mucha fuerza a nuestra foto. Fijate bien en todas las fotos que hayan llamado tu atención hechas con grandes angulares. La mayoría utilizan este recurso, y es una garantía de éxito en a mayoría de los casos.

Lo que importa es el primer plano

Es lo que te acabo de contar. Si has seguido el primer consejo, habrás incluido na información esencial en primer plano.
Ahora se trata de que esa información aporte realmente a la foto. No solo necesitamos incluir algo en primer plano. Lo que incluyamos tiene que aportar mucha información y ser de interés. Vuelve a fijarte en las fotos anteriores y me darás la razón.

Las líneas

Las líneas son un elemento compositivo muy potente en fotografía. Y uno de los tipos de líneas que mejor ayudan a dirigir la atención de la vista son las líneas convergentes.
Cuando hacemos fotos con un gran angular el efecto de las líneas convergentes se potencia por el ángulo cubierto.
Así que si tienes oportunidad, realiza composiciones cuando tenga sentido hacerlo en el que las líneas arranquen desde las esquinas inferiores de tu foto y dirijan la vista al punto de la foto donde tu quieras.

La Nitidez
Las ventajas del uso de focales tan reducidas es la facilidad para que salga bien enfocado lo que queremos.
A poco que cerremos el diafragma, combinado con la distancia hiperfocal con la que contemos, hará que la zona nítida de nuestra foto sea muy grande. Ideal para la fotografía de paisajes.
Busca el punto justo de tu objetivo. En el caso de mi Sigma 10-20, diría que se encuentra en f/11. Con aperturas en esa línea consigo fotos aparentemente nítidas tanto en el primer plano como el el fondo.

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Probá en vertical
En el caso del gran angular, cuando disparas en vertical aprovechas más el ángulo de visión si tu objeto en primer plano está en el suelo. Puedes casi sacar tus pies en la foto y mantener
el horizonte. Este es el motivo por el que verás la mayoría de las fotos de este tipo con una orientación vertical.
Si te ocurre lo que a mi y casi siempre disparas en horizontal, cuando uses un gran angular prueba a disparar en vertical. Notaras la diferencia

Cuidado con los filtros
Si estás acostumbrado a usar filtros, con los grandes angulares debes tener un especial cuidado.
Por un lado, si usas filtros polarizadores, pueden aparecerte "efectos extraños" en los cielos.
Tiene su explicación, y es debido al ángulo que estás cubriendo con el objetivo. Los filtros polarizadores funcionan de una determinada forma en función del ángulo con que incide la luz.
En el caso de los grandes angulares, el ángulo cubierto es muy grande, lo que puede que se traduzca en tus fotos en tonalidades en el cielo no deseadas.
Por otro lado, es probable que el uso de determinados filtros haga aparecer viñeteos no controlados debido a ese mismo ángulo.
Si vas a comprar un filtro para tu gran angular, asegurate antes de que no va a provocar viñeteo en las fotos.

Las líneas verticales
Los gran angulares deforman la realidad. Es un hecho, y hay que saber vivir con ello.
Las líneas son especialmente sensibles a estas deformaciones, y lo notarás sobre todo si pierdes la horizontal con la cámara.
Haz la prueba mirando a través del visor. Mira hacia delante, observa la escena, y a continuación inclina la foto cambiando el punto de vista, mirando hacia arriba o hacia abajo. ¿Ves a lo que me refiero? La distorsión es muy grande.

Determinar la exposición midiendo la luz del cielo

Una de las formas de medir la luz que más se utiliza en espacios abiertos es la de tomar los valores de la exposición en el cielo y no apuntando la cámara a ninguna parte concreta de la escena.

Es decir, giro la cámara dirigiendo el objetivo hacia el cielo -obvio no hacia el sol- ajusto en modo manual (o prioridad de Abertura) hasta que el fotómetro indique que la exposición es correcta -o ligeramente sobreexpuesta según el gusto y las técnicas de procesado de cada uno- y manteniendo la exposición vuelvo a dirigir la cámara a la escena ignorando las siguientes indicaciones del fotómetro.

Este método tiene algunas ventajas: no hay que preocuparse de dónde medir la luz en cada escena y mientras que la luz no cambie radicalmente no hay casi que preocuparse de la exposición, aunque conviene no perder de vista el histograma y activar el aviso de luces altas.

Es una técnica muy útil para lograr imágenes muy uniformes en cuanto a luz y colores.

Este método es válido para casi todo tipo de situaciones, incluyendo el atardecer, el amanecer y cuando hay reflejos marcados en el agua o en el mar.

Otra forma es tomar la medición en el cielo que tiene más luz que el resto del paisaje y subexponer alrededor de 1 punto o 1.5 puntos (-1EV o –1.5EV).

Luego utilizo Photoshop para darle el toque final a la fotografía.

Multiplididad (Multiplicity photo)

Multiplidad es una técnica que consiste en poner a la misma persona varias veces en la misma foto. Usando este concepto algunos han llevado esta técnica a un nivel superior, he aquí algunos ejemplos:

En qué consiste?
La técnica es sencilla, se necesita un trípode, cámara, un programa de edición fotográfica y mucha habilidad

Lo primero es realizar una toma del ambiente vacío, luego se realizan las distintas tomas del personaje en distintas posiciones y con edición fotográfica se van superponiendo (recortando) las siluetas en capas desde el más lejano hasta el más cercano a la cámara, respetando las sombras que pueda tener cada toma.

El secreto: no mover la cámara entre toma y toma.

El ojo fotográfico

El "ojo fotográfico" es la habilidad de observar el entorno, elegir un motivo y visualizar cómo aparecerá una vez hayamos usado nuestra cámara.

Ésta es la habilidad más importante para todo fotógrafo que se precie, propongo a todos entrenar nuestro ojo fotográfico de tal manera que nuestras fotos no se conformen con transmitir una imagen, sino un algo que las diferencie del resto. Las fotografías deben transmitir alguna sensación y no únicamente una imagen.

Es fundamental entrenar nuestro ojo fotográfico porque éste, no solo determina qué elementos visuales aparecerán en la imagen, sino el encuadre, el momento del disparo, el ángulo, la interacción entre los elementos, su peso relativo en la fotografía, la dirección de la luz… Mucha gente piensa que el ojo fotográfico es un don divino que le ha tocado sólo a unos pocos, y tal vez tengan parte de razón, pero afortunadamente nuestro ojo fotográfico puede entrenarse y mejorar con el tiempo y la práctica, entendiendo los procesos básicos por los cuales el cerebro percibe la información visual.

Para algunas personas, la dificultad para "ver" las fotografías tiene su origen en que, mientras que el hemisferio izquierdo abstrae información secundaria de la imagen y le da significado, el hemisferio derecho, procesa la información tal cual es. Un ejemplo podemos tenerlo cuando observamos un poste telefónico, habitualmente nuestro cerebro recibe la información y por norma general tenderemos a pensar que está perfectamente erguido, mientras que realmente puede que esté inclinado uno o dos grados. Como es una información "despreciable" en comparación con la longitud del poste, el cerebro tiende a no darle importancia y a eliminarla.

El reto del ojo fotográfico consiste en que mientras que la mayor parte de la gente está educada para realizar tareas que requieren el hemisferio izquierdo, y el hemisferio derecho del cerebro debe ser entrenado. Además, debemos desarrollar la habilidad de percibir diversos elementos como sombras, emociones, el cambio temporal y la metáfora como un conjunto y no como elementos diferenciados. Esto puede sonar desalentador al principio, pero con el tiempo y la práctica, uno cada vez "ve" mejor y analiza antes la fotografía.

La composición es la técnica de ordenar los elementos visuales en la fotografía de tal manera que aparezcan de forma armoniosa o atractiva cuando se miran como un todo. Algunas personas consideran que la composición es un arte diferente del "ojo fotográfico", pero yo pienso que no dejan de estar relacionados.

Ejercicio 1: Por el momento como práctica, se pueden plantear este ejercicio. La próxima vez que vayas a hacer fotografía, encuadra y antes de disparar, quítate la cámara de la cara. Piensa, ¿estaría mejor esta fotografía desde otro ángulo?, ¿sería mejor usar más angular y acercarme?, ¿qué ocurre si me alejo y utilizo una focal teleobjetivo?, ¿sobra algo en la fotografía?, ¿falta algo?, ¿tiene equilibrio?. Haz la foto que tenías pensado antes y una vez hayas pensado y respondido todas estas preguntas repite la fotografía como crees que quedaría mejor. Experimenta y haz más fotos cambiando diversos parámetros: posiciones, ángulos, distancia focal. No te quedes ahí, una vez las tengas en la PC analiza cuáles te gustan y por qué.

Esta práctica puedes darla por terminada cuando haya más fotografías en tu galería que en la papelera de reciclaje 🙂

Ejercicio 2: Aprende de los maestros. Un sitio web donde hay galerías con fotos muy buenas es 1x. Observa las fotografías de calidad e intenta averiguar cómo se hicieron, qué te gusta de ellas y por qué te transmiten lo que te transmiten.

Y recuerden!

“ Una imagen sin mensaje, es sólo eso, una imagen; denle sentido, sentimiento, mensaje y se convertirá en una foto ”

La Iluminacion con luz natural

Normalmente se considera que la iluminación ideal para fotografiar escenas y, especialmente, retratos al aire libre es la luz solar difusa, es decir, la que predomina cuando el sol queda levemente velado por una nube blanca y tenue.

La luz natural varía en su color a lo largo del día y de las estaciones, y en una fotografía bien ejecutada el espectador identifica inconscientemente el momento en que fue tomada. La luz solar directa tiene una temperatura de color que tendemos a identificar como el blanco puro. La luz de un día nublado, por el contrario, tiene una tonalidad mucho más azul de lo que podemos percibir.
Entonces se logran sombras muy adecuadas para los retratos sin que, al mismo tiempo, se produzcan contrastes o discordancias.

Las rachas luminosas de sol que a menudo siguen a los aguaceros pueden crear problemas, especialmente si el tema es ya de por sí muy rico en contrastes. Pero por extraño que parezca, esta clase de iluminación es la mejor para captar panorámicas a larga distancia, ya que el aire se halla libre de las partículas en suspensión que produce la atmósfera.

Pero también con este tipo de luz en la que tenemos un sol de tarde y cielo nublado luego de una lluvia se produce un realce notorio de los colores. Depende mucho de tu habilidad para saber ver qué posibilidades ofrece un tema determinado.

Como vemos en los ejemplos que siguen estas fotografías fueron tomadas luego de una lluvia en donde asomó el sol de la tarde:

Hay que tener cuidado también al fotografiar temas situados en la sombra, al aire libre, ya que en tales circunstancias, sin un filtro corrector ultravioleta, o con una corrección del balance de blancos, las fotos saldrán con una dominante azulada y por tanto con una luz fría.
Con el mismo filtro o con el mismo balance de blancos (día Nublado) pueden tomarse buenas fotos en días sin sol.

La ausencia de sombras proyectadas no presupondrá forzosamente la monotonía, especialmente si el tema presenta contrastes de color. Si se eligen con cuidado los lugares al aire libre en dónde se van a tomar las fotos, la luz suave puede constituir una ayuda sutil al fotografiar a personas.

La niebla y la neblina permiten obtener estudios que resultan atractivamente diferentes y que se combinan muy bien con otras fotografías obtenidas en días soleados.

Fotografiando en Otoño

El otoño es una estación maravillosa para fotografiar en color. La naturaleza, siempre exuberante, nos ofrece en otoño un espectáculo impresionante, incluso para el menos imaginativo de los aficionados.

Por desgracia, es muy probable que esta belleza se nos suba a la cabeza y nos produzca una especie de cosquilleo en los dedos que nos obligue a disparar la cámara cada vez que vemos una escena o un paisaje que nos gusta, especialmente si el sol se halla “en su justo punto” y quedan pocas oportunidades de hacer la foto.
La mayor parte de quienes hacen cientos de fotografías en color estarán de acuerdo en que los mejores resultados los han obtenido fotografiando temas sencillos y estudios tomados de cerca. Es importante el esforzarse en evitar que el efecto global de una vista rica en colorido llegue a influir demasiado en nuestra capacidad de juicio.

La clave está en evitar la monotonía, lo cual es más difícil de lo que parece. Una veintena de fotografías en color en donde aparezca un paisaje otoñal resultará sumamente agradable, pero un centenar pueden hacerse pesadas.
No basta con variar la distancia y el ángulo, ni con fotografiar diversos detalles del paisaje. La única solución (a no ser que nos contentemos en dejar que los colores hablen por sí mismos) reside en combinar una percepción selectiva con una técnica cuidadosa.
Por regla general, las hojas de tipo más grande (tilo, castaño de Indias, plátano, haya, etc.) son más fotogénicas que sus congéneres más pequeñas (abedul, carpe, majuelo, etc.), toda vez que estas últimas son propensas a crear una imagen desmenuzada y dispersa.

El mejor procedimiento para medir la exposición, cuando se fotografían hojas a contraluz, consiste en acercar el fotómetro a una distancia de dos a cinco centímetros, de forma que la luz atraviese las hojas antes de llegar al fotómetro.
Entonces será usted quien decida cómo debe ser la foto: si una fiel reproducción de los colores o, por el contrario, si éstos deben ser más intensos o más débiles que en el original.
Tal vez quiera que la riqueza cromática destaque sobre el fondo. En tal caso, la exposición debe ser mínima. Por el contrario, es posible aumentar la exposición de modo que ilumine el fondo y el efecto general, a cambio de sacrificar un poco la intensidad cromática del tema propiamente dicho.

Las cámaras muy pequeñas son sin duda un instrumento admirable, pero la imagen que vemos en el visor es engañosamente pequeña y, por consiguiente, es fácil que pasen desapercibidos algunos detalles pequeños y superfluos.
El efecto de una foto de cerca puede malograrse por culpa de las hojas deformes que aparezcan en la foto. Asimismo, en las fotos de índole más general se corre el riesgo de que los resultados se echen a perder a causa de la aparición de elementos antagónicos. Antes de utilizar el visor, conviene examinar lo que hay en torno y más allá del tema. Cuando se positiva una fotografía o se ve en el monitor de su PC, los pequeños errores parecen enormes.
La disposición de ramas y hojas en la zona visual no es lo único importante, sino que también lo son (casi en igual medida) el tamaño y la disposición de los espacios intermedios y circundantes. Demasiado espacio restará poder de atracción al tema; demasiado poco dará impresión de constreñimiento.
Algunos árboles como el pino, el alerce, el fresno y el sauce exigen cuidados extras al ser fotografiados. Muy a menudo los espacios entre las hojas son mucho mayores que las hojas mismas y hacen que sea difícil fotografiarlas de cerca.

Si bien el sol es una gran ventaja, son numerosas las excelentes fotografías que se han obtenido en días nublados o lluviosos. Asimismo, la neblina les da un encanto muy peculiar, aun cuando debe evitarse al fotografiar de cerca. Los bosques se hacen menos espesos y sus contrastes de iluminación más manejables.

6 Consejos para Hacer Fotos Panorámicas

Es posible que en algún momento te hayas interesado por las fotos panorámicas. Hacer panorámicas es un proceso extremadamente sencillo. Simplemente tienes que utilizar un programa para hacer fotos panorámicas de los muchos que hay en el mercado y aplicar unos sencillos trucos o consejos a la hora de hacer las fotos. En este artículo te doy nada menos que 7 buenos consejos a tener en cuenta a la hora de hacer fotos para montarlas luego en una fotografía panorámica. No te los pierdas.

1. En lo posible, usa un trípode
La mejor manera de garantizar la posición de la cámara es usando un trípode. Con el trípode, estarás seguro de que la posición desde la que estás haciendo las distintas fotos que compondrán la panorámica será la misma.
Hay rótulas para trípodes especiales para panorámicas. Son aquellas que permiten ajustar los ejes por separado, garantizando que la cámara gira sobre si misma manteniendo su posición vertical.

2. Si no tienes trípode, asegura tu posición
Aunque es recomendable, no es estrictamente imprescindible usar un trípode. Si no tienes uno, no dejes de intentar hacer fotos panorámicas.
Fija una posición para hacer las fotos, y ve girando sobre ti mismo, tratando de mantener la posición que tienes y no desplazarte del punto donde has puesto los pies.
Trata también de mantener la horizontalidad mientras haces las fotos.

3. Ajusta manualmente la velocidad y la apertura
El gran problema que se puede plantear a la hora de hacer fotros panorámicas es la variación de la luz que se produce entre unas tomas y otras. Si tienes la cámara en modo automático, es probable que la cámara varíe las condiciones de velocidad de obturación y apertura del diafragma entre foto y foto.
Para evitarlo, asegurate de poner un modo manual de la cámara, controlando que la velocidad y la apertura quedan con un valor prefijado similar en todas las tomas.

4. Fija el balance de blancos
Por defecto, las cámaras digitales suelen tener el balance de blancos fijado en un modo automático.
Dependiendo de las condiciones de ilumicación que haya en la escena, pudiera ser que la cámara realice distintas mediciones y consecuentes cambios de color como consecuencia de la medición de la temperatura del color.
Por ello, es preferible fijar el modo de balance de blancos a uno diferente de Automático que se ajuste mejor a las condiciones que tengamos en ese momento.

5. Ajusta la distancia focal
Si utilizas grandes angulares, puede que la distancia focal elegida provoque algún tipo de distorsión en los extremos.
Utilizando focales algo más largas se suele reducir el problema de distorsión.

6. Deja espacio suficiente para solapar las fotos
A la hora de montar unas fotos sobre otras, los programas para hacer panorámicas buscan puntos coincidentes entre foto y foto para solapar las fotos y poder crear la foto panorámica con garantías.
Aunque recomiendan que este espacio no sea inferior al 10%, tampoco tendremos una regla para poder medir cuando estemos haciendo las fotos.
Lo mejor es que tomes referencias visuales y te asegures de que se encuentran en las fotos anterior y siguiente mientras las vas haciendo.
Ten en cuenta también que no hay que solapar el mismo porcentaje en cada foto. Será el programa de hacer panorámicas el que determine cuales son esas zonas solapadas.