f2.8 Blog de Fotografia y Diseño Grafico
Fotografía Diseño y Viajes
La fotografía HDR (High Dynamic Range) es una técnica para procesar imágenes, que busca abarcar el mayor rango de niveles de exposición en todas las zonas. Esto se consigue mediante la mezcla de varias fotos de la misma imagen con diferentes exposiciones.
Para ello se utiliza la técnica del bracketing u horquillado.
Aquí les dejo un pdf que publicó el blog DZoom, muy interesante por cierto:
Siempre que hablo de esto recuerdo la película “Días de furia” donde Michael Douglas se enfurece en un local de hamburguesas cuando compara la foto de lo que ve con la hamburguesa que se supone va a comer.
Nada más alejado de la realidad!!! y para ello les muestro este video (en ingles) donde vemos la preparación de una hamburguesa y una caja de papas fritas para la producción fotográfica.
Un gran fotógrafo de alimentos Wilson López nos muestra el making of de la fotografía de alimentos.
El siguiente tutorial es la construcción de una tienda de la Luz económica y fue presentado por Jeffrey Bail .
1 caja de cartón, si es grueso mejor!
Tela tipo lienzo blanca: en cualquier casa de retazos se puede conseguir por unos pocos $$$ pesos.
Cinta adhesiva para fijar la tela a los costados
Adhesivo para cartón y tela
Cartulina blanca, sugiero comprar 2 0 3, si consiguen de alto gramaje mejor.
Marcador, regla larga, Cutter, tijeras.
Vamos a realizar el marcado de las ventanas las 3 ventanas (las 2 laterales y la frontal), para ello tomamos una distancia de 5 cm. desde los bordes de cada cara de la caja para delimitar cada cuadrado.
Luego de esto procedemos al corte de cada una de las 3 ventanas y cortamos tambien las solapas superiores de la caja.
A continuación vamos a montar la cartulina en el interior de la caja, que va a actuar de fondo infinito, para ello tomamos el ancho de ésta y vamos probando el largo de tal manera que forme una curva suave en el ángulo inferior como se ve en la foto y luego pegamos la cartulina a la parte superior e inferior de la caja.
Luego procedemos a cortar los trozos de lienzo que van a cubrir cada ventana de la siguiente manera:
LISTO! Nuestra Caja de Luz quedó terminada!
Es necesario utilizar lámparas cuya temperatura de color de tonos blancos, de no ser así, vamos a tener que realizar un balance de blancos manual tomando como muestra el fondo iluminado de la cartulina o bien realizar las tomas en formato RAW y realizar luego un balance de blancos desde el software con el que leemos la imagen RAW o con el Photoshop. De esta manera aseguramos obtener los colores correctos a la hora de las post producción.
Strobist de David Hobby es desde hace años uno de los blogs de fotografía más visitados en internet, se refiere a todo lo que tenga que ver con el uso del flash fuera de cámara, técnica también conocida como strobist.
Desde hace un par de años, Rafa Barbera, se ha tomado el trabajo de hacer una traducción literal de este sitio al español, y dentro de éste, está el curso de introducción a esta técnica denominado Lighting 101 que se publico en el blog durante el verano del 2006 como una serie de mas de 25 artículos donde se explican detalladamente con ejemplos y prácticas los conceptos necesarios para dominar la iluminación mediante el uso del flash fuera de cámara.
Este es uno de los documentos mas valiosos y relevantes en lo que respecta a la técnica de Strobist y ahora, gracias a Rafa, lo puedes descargar completo y sin ningún costo, en un solo archivo .pdf para su estudio y consulta.
Descarga aquí, el PDF de Lighting 101 en español
Este es un muy interesante proyecto de fotografía de Dustin Díaz.
Dustin Díaz es un ingeniero radicado en San Francisco que ha trabajado en Yahoo, Google y Twitter y se lanzó en una aventura de 365 días en los cuales está tomando una foto diaria al estilo Strobist mayormente con su Nikon D700, 3 flashes SB-900, 4 pocket wizzards, geles, sombrillas, brackets, trípodes y mucha paciencia y dedicación.
Como dije muchas veces en la fotografía, la iluminación lo es todo y bueno creo que este es uno de los mejores ejemplos que he encontrado, mi recomendación es que te des un buen tiempo para leer, y ver con calma todas las fotografías y diagramas que este fotógrafo ha puesto en
Dustin no se ha guardado nada, y ha puesto a disposición de todos, los diagramas o setups de la mayoría de sus fotos, ademas de esto, está disponible toda la información del Exif o metadata de cada imagen, donde podrás observar que velocidad, apertura, lente, post-proceso etc. etc. que uso en cada una de las tomas.
Otra cosa, muchas veces queremos encontrar una super locación con una super modelo, este es un ejemplo mas de que se pueden hacer cosas increibles con cosas cotidianas, pero fundamental, sabiendo utilizar la luz.
Su página de Flickr: aquí
El horquillado o bracketing es una técnica consistente en realizar varias fotografías seguidas variando la configuración de la apertura del diafragma o la velocidad de obturación de nuestra cámara. Esto nos permitirá disponer de una misma fotografía con distintos niveles de exposición.
Donde resulta especialmente útil la aplicación de esta técnica es en las situaciones en las que el entorno fotografiado cuenta con fuertes contrastes de luces y sombras, con los que al disponer de tomas con distintas exposiciones podremos trabajar en la fusión posterior de ciertas partes de cada imagen, obteniendo una imagen final con más información que cada una de ellas por separado.
Tanto el número de tomas como la diferencia entre ellas (del entorno de un paso) se pueden decidir en los menús de configuración de la cámara. Unos valores muy utilizados son, por ejemplo, tres disparos. Dos ellos con un valor de +1 y-1 en exposición, con respecto al central.
La utilidad del horquillado, tradicionalmente, era la de tomar fotografías con pequeñas variaciones en la exposición, para poder elegir la más adecuada. En la actualidad se utiliza fundamentalmente para dar soporte a las técnicas HDR (alto rango dinámico).
Cuando se usa para la realización de fotografías que vayan a ser procesadas por software de HDR es preciso utilizar un trípode (para conseguir un perfecto alineamiento) y un disparador remoto para evitar cualquier tipo de trepidación.
Para quienes trabajaron en Laboratorio Blanco y Negro tradicional, el término “apantallado” resultará familiar, sin embargo, como actualmente muchos fotógrafos se han iniciado directamente en la era digital y no han transitado por el laboratorio es posible que desconozcan su significado.
Por entonar entendemos la sobreexposición de una zona de la imagen en la copia, logrando que ese sector resulte más oscuro y, por apantallar, a la subexposición mediante el bloqueo del paso de la luz en diversas áreas en la copia, que arroja como resultado un área más clara.
Con estas posibilidades es que tomamos la decisión de aplicar distintos niveles de exposición para nuestra fotografía, considerando que los sectores más claros producen un efecto de realce para nuestra vista, como si se colocaran por delante. Por el contrario, un área más oscura será interpretada por nuestro cerebro como un sector de menor protagonismo, ubicándose por detrás.
Si observamos la Foto 1, vemos que carece de “vida”, no dice mucho, le falta textura.
Foto 1
Entonces vamos a recurrir a un truco muy fácil para realzar las zonas de luces y sombras, para ello crearemos una Capa (vamos a Layer/Capa – New/Nueva) y colocamos el Modo en Luz Suave/Soft Light, luego tildamos la opción de abajo: Fill with Soft Light – neutral color 50% / Llenar con Luz Suave – color neutro 50% (Foto 2)
Foto 2
Ahora seleccionamos un pincel esfumado de un diámetro acorde en mi caso 150 px y con Opacidad del 20%, luego si queremos sombrear, colocamos como color de frente el Negro y para dar luces cambiaremos al Blanco.
Una vez terminado el retoque si dejamos visible sólo la capa de Luces y Sombras veremos lo siguiente (Foto 3):
Foto 3
El resultado final lo tenemos a la vista:
La pantalla de enfoque (Focusing screen) es, en toda cámara, un elemento sensible de tocar, al igual que el sensor, muchas veces vemos por nuestro ocular rastros de polvo o pelusas que se depositan en su superficie. Esta tarea parece difícil de hacer, pero con cuidado todo es posible.
En las gamas medias y altas de la línea EOS esta pantalla es intercambiable. Porqué? Porque hay pantallas de enfoque para distintos tipos de funciones:
La EF-A: enfoque estándar, es la que viene de fábrica, aumenta el brillo del visor por medio de los micro lentes que concentran más la luz dónde más se necesita ver.
La EF-D: tiene una retícula cuadriculada para ayudar al componer la foto, te sirve de referencia para evitar horizontes caídos, las líneas son muy finas y apenas si se notan, te lo recomiendo; cambiarla es muy fácil, trae una pinza para que no tengas que tocarla con los dedos (es muy delicada, se puede arañar el plástico al tocarla); recuerda cambiar en el menú de la cámara el modelo de pantalla (te puede variar un pelín la exposición).
La EF-S: se utiliza para ópticas muy luminosas (tipo fijas) que necesitan enfocar manualmente.
Aquí les paso un video (en ingles, pero muy didáctico) de cómo se cambia en las cámaras Canon EOS 40D o líneas superiores la pantalla de enfoque. 
A continuación va un video (en ingles, pero muy didáctico) sobre cómo cambiar la pantalla. Si en nuestro caso sólo queremos limpiarla, tenemos que retirarla y soplarla con una perita de aire de las grandes. Luego la volvemos a colocar en el zócalo. La pinza para destrabar el zócalo que aloja la pantalla se puede reemplazar por un capuchón de lapicera y para tomarla una pinza de depilar.
"Espero ansioso nuevos procesos y nuevos desarrollos. Creo que la imagen electrónica será el próximo gran avance. Estos sistemas tendrán características estructurales ineludibles, y tanto los artistas como los técnicos deberán hacer un renovado esfuerzo para comprenderlos y controlarlos". Ansel Adams,(1902-1984)
Cuando Ansel Adams escribió esas líneas para una de las revisiones de su libro "El Negativo", las computadoras no se habían integrado a la vida de la mayoría de las personas.
Sin embargo, existían algunos indicios de la gran revolución que se avecinaba en la fotografía y Adams intuyó con razón que ese desarrollo se aceleraría.
Muchos años antes, alrededor de 1940, Ansel Adams había desarrollado un sistema para controlar y pre-visualizar los valores tonales de una imagen en función de los materiales sensibles.
Su propuesta consiste en que el fotógrafo pueda imaginarse la foto terminada antes de tomarla, a partir de mediciones fotométricas parciales de las diferentes partes de la realidad a fotografiar. Luego, de acuerdo al tipo de negativo y su revelado, el fotógrafo puede visualizar en qué valor de gris -o Zona- quedará registrada cada parte de la imagen.
El planteo fue revolucionario, porque hasta ese momento la exposición se hacía de una manera más o menos general. A partir de entonces, los fotógrafos empezaron a tomar en cuenta cada uno de los valores de brillo de la escena y a analizar cual sería su rendimiento final en la película.
Con el paso de los años se desarrollaron muchas derivaciones del Sistema Zonal – que originalmente fue concebido para trabajar en B&N, de modo tal que los fotógrafos en color o los directores de fotografía de cine y video, empezaron a hablar de Zonas pese a no estar utilizando estrictamente el sistema de Adams.
Algunos especulan con la idea de que la formación de Adams como pianista lo condujeron a aplicar la idea de la notación musical, donde cada sonido tiene un lugar y una secuencia precisa, al campo de la fotografía.
Lo cierto es que desarrolló un amplio sistema que lleva a analizar la exposición en función de una escala y no de un punto fijo.
En el gráfico podemos apreciar cada una de las Zonas posibles en una imagen blanco y negro y su descripción, donde la Zona V es aquella sobre la cual basamos la exposición.
![clip_image001[13]](http://blog.fotolia.com/es/grafico1.jpg "clip_image001[13]")
Exponer para las sombras y revelar para las luces, incluso en una escena de contraste normal, esta norma nos permite obtener unos negativos más ricos en detalles y mejorar el contraste.
El Sistema de Zonas es una teoría que se basa en un soporte (la película monocromática) que no tiene el mismo comportamiento que el sensor, por tanto la frase, Exponer para las sombras y revelar para las luces, ya no nos sirve para exponer correctamente en digital.
Veamos porqué:
Tomamos como ejemplo una cámara digital con un CCD a 12 bits (4096 niveles) y un rango dinámico de seis diafragmas, es decir, una cámara digital es capaz de registrar información entre sombras y luces en un intervalo de 6 diafragmas.
Realizamos dos capturas de la misma escena, una con una medición de la luz general de la escena y otra sobreexponiendo 2 puntos respecto a la medición puntual de las zonas más claras.
La escala de diafragmas se define mediante una progresión geométrica en la que cada diafragma deja pasar la mitad de luz que el anterior.
Esto quiere decir que en una captura digital la zona más brillante de la escena, las altas luces, estará representada por la mitad del total de niveles de la escena, mientras que en las sombras la información es mínima.
En el histograma de estas dos imágenes podemos apreciar como queda distribuida la información en función de cómo se ha expuesto. Al tratarse de una escena con dominio de las zonas claras, el valor de exposición que nos da el exposímetro de la cámara en modo matricial es demasiado corto para reproducir fielmente la intensidad de luz de la escena.
El resultado es una imagen ligeramente subexpuesta y, como se puede apreciar en el histograma, se pierde una enorme cantidad de información.
La mayor cantidad de información en una captura digital se encuentra en las altas luces, el diafragma más brillante está representado por 2.048 niveles, si subexponemos un punto para asegurar el detalle en las luces y no reventarlas, lo que esta pasando en realidad es que perdemos la mitad de la información disponible, y empastamos las sombras más profundas, donde tenemos muy poca información.
Cuando disparamos en JPEG el problema es todavía mayor, ya que solo disponemos de 256 niveles para captar toda la gama de la escena, y en las sombras solo hay ente 4 y 8 niveles de información. Si subexponemos para salvar el detalle en las altas luces el resultado es todavía más desalentador.
Es muy importante señalar que la información que nos proporciona el histograma es siempre objetiva. Es conveniente analizar siempre nuestras imágenes mediante el histograma, y no fiarnos nunca ni de las pantallas LCD de la cámara ni de los monitores sin una calibración adecuada que permitan la visualización bajo parámetros objetivos.
El rango dinámico del sensor se define como la capacidad de captar detalle entre las sombras más profundas y las luces más altas. En el caso de las cámaras digitales de gama alta es del orden de 8 o 9 diafragmas, si tenemos en cuenta que la latitud de exposición de la película monocroma es de 7 diafragmas o zonas, la gama tonal que podemos conseguir con una cámara digital es considerablemente mayor que con la película monocromática tradicional.
Para obtener buenos resultados en digital debemos tener presente que el sensor de nuestra cámara digital es capaz de captar mucha más información en las luces que en las sombras, por tanto en fotografía digital podemos acuñar una nueva frase, Exponer para las luces.
En la práctica, una buena forma de asegurar que nuestras capturas tengan información en las altas luces es seleccionar dentro de la escena la zona más luminosa que queremos que tenga detalle, medir la luz de forma puntual y sobreexponer dos puntos respecto de la lectura del exposímetro. Tengamos en cuenta que este valor de dos puntos es sólo una referencia y puede variar dependiendo del tipo de sensor, a nosotros nos corresponde comprobar las prestaciones de nuestra cámara y conocer su rango dinámico para ajustar de forma precisa este valor.
He aquí una reflexión rápida que me llamó la atención hoy en día al hablar con un amigo que es un entusiasta de la fotografía de paisaje.
Él dijo: “Fotografía la luz no la tierra”
Su teoría es que, es la luz, no los sujetos reales en una escena, los que pueden transformar el clima de una imagen y creo que hay algo de cierto en esto.
Diferentes tipos de luz pueden transformar completamente esa escena del instante irrepetible, de algo que quita el aliento.
He aquí un ejemplo que creo que puede ilustrar este punto bastante bien.
