La técnica Lens Whacking, lo que traducido significa “golpeando la lente”. Consiste en no encajar el objetivo en la bayoneta de la cámara y moverla adelante y atrás para enfocar y desenfocar, y a la vez dejar que se filtre luz al sensor, como si fuera una cámara Lomo. Este tipo de técnica le da un look diferente a la toma. El no tener que introducir el objetivo en la cámara también nos permite usar lentes que no sean de la propia marca de la cámara, aunque para poner cierta apertura de diafragma han de tener los controles en el objetivo.
¿Cómo hacer el Lens Whacking?
Tenemos que tratar de conseguir un lente Nikon para usarlo con un cuerpo Canon, esto es porque los objetivos FD o FD de Canon no sirven, porque la distancia entre la parte posterior del lente y el sensor es muy pequeña. Recomiendo un lente de 50mm fijo para una Full Frame, o uno de 32mm si tienes sensor APS-C. Además porque son livianos y se podrán manejar y controlar mejor cuando estén en la mano.
1- Para empezar, poner la cámara en modo Live View.
2- Abre el lente en su apertura completa (f2.8 o menor si el lente lo permite) y ajusta el enfoque a infinito.
3- Sujeta el cuerpo de la cámara en el pecho con la mano derecha.
4- Toma la lente con la mano izquierda.
5- Siguiendo con la izquierda, sostiene la lente apretada hacia el cuerpo de la cámara con el dedo pulgar y el dedo índice, mientras alejamos y acercamos el dedo medio, haciendo que el lente vascule para cambiar el foco.
6- Trata de utilizar la palma de la mano izquierda para que actúe como una bisagra, que permita que el enfoque que se ajuste cambiando la distancia entre la lente y el cuerpo. La mano derecha por sobre la cámara se utilizará para sostener la cámara y modificar la entrada de luz superior abriendo y cerrando los dedos.
7- Recuerden que están exponiendo el sensor al polvo del ambiente, si esto te preocupa, esta técnica no es para vos.
¿Por qué no utilizar un lens baby o similar?
Realmente el aspecto y sensación del efecto es totalmente diferente a cualquier cosa, no se puede comparar con ningun filtro de post-producción (Photoshoperos abstenerse!!), ni lente vascular para hacer “tilt-shift”. Esta técnica se asemeja a la sensación que uno tiene en los sueños, no se puede explicar, uno se conecta con la imagen. Se está usando mucho en video y con cámaras Canon como la C300.
El contraluz (backlight) es un efecto muy interesante en la fotografía, que logra algunas de las más bellas tomas y que consiste en iluminar un objeto o persona desde atrás para proporcionarle realce o separarlo de su fondo.
Contrario a la creencia popular de que las mejores fotografías siempre deben tomarse con la luz a espaldas del fotógrafo, la fotografía a contraluz puede producir imágenes increíblemente hermosas. Por éste motivo muchos fotógrafos no se arriesgan a enfocar su cámara hacia la fuente de luz.
Una vez que hayas conseguido dominar ésta técnica, no hay duda de que la fotografía a contraluz puede traer la magia a tus imágenes, añadirles drama y gran impacto visual.
Hay muchas situaciones en las que utilizar el contraluz funciona óptimamente: las flores translúcidas, el follaje y las fotografías de animales en que su silueta se resalta por una línea de luz. Las fotografías de niebla, lluvia y rocío al amanecer también se benefician de éste tipo de iluminación.
Uno de los grandes retos es lograr la exposición adecuada, La sobre exposición es la causa más común de problemas, ya que el exposímetro tiende a medir la luz que viene de frente a la cámara y deja a nuestro objeto principal en la penumbra., casi como una silueta. Debes utilizar la compensación de exposición según el manual de tu cámara, o utilizar un exposímetro externo para medir la luz en la sombra, o bien si tu cámara dispone de medición de luz puntual, sería la más correcta para estos casos.
Con las cámaras digitales, puedes hacer cambios en tu exposición hasta lograr la correcta, de acuerdo a lo que veas en la pantalla, pero recuerda que leer la pantalla puede ser difícil cuando hay mucha luz. El objetivo es experimentar hasta que la toma quede lo más interesante posible.
El uso del trípode es recomendable sobre todo cuando haces fotografías macro porque unos centímetros pueden hacer una gran diferencia en la lectura de la luz.
El buen retrato busca captar no sólo el rostro o la constitución de alguien, sino también algo de su esencia, su expresión, su carácter. Y para ello no hay reglas mágicas, pero algo que puede ayudar es romper el hielo con el modelo. Sin importar que la persona sea agraciada o no, joven o mayor, lo que le permitirá ser natural y mostrar una expresión que valga la pena será el hecho de que se sienta cómoda. Así que es importantísimo crear un buen ambiente, charlar con la persona y lograr que se despreocupe de la cámara. Incluso pueden tomarse fotografías mientras esta conversa y gesticula al hablar, especialmente cuando se trata de alguien que de por sí es tímido o poco expresivo. Pero por muy cómodo que se sienta el modelo, no podrá obsequiarnos una expresión entrañable si debe esforzarse por mantener sus ojos abiertos a causa de la luz. Algo tan simple como esto es o que suele tensar en gran manera los músculos del rostro, causando que la postura de los músculos del rostro deje de ser natural. En un estudio profesional, esto puede resolverse al evitar que la luz incida directamente sobre la persona. Y en medios más caseros, el uso de la luz solar puede solucionar este y otros problemas relacionados también con las sombras y la naturalidad de los rostros: sobre todo la luz del final del día.
Y para entrenarnos en esto de captar la expresividad de una persona, no podemos dejar el asunto relegado a una cita concertada. Es necesario ganar práctica capturando retratos diariamente. La vida cotidiana suele ofrecernos momentos sencillos que aún así pueden resultar ideales para la captura.
Tal como decíamos, no hay reglas mágicas. Una vez que se han incorporado los procedimientos técnicos que aseguren la calidad de foto, la idea es poder "sacar" algo de la persona y lograr que su retrato sea cautivador.
A continuación enumero varios consejos para mejorar nuestros retratos:
1.- Crear un buen ambiente. El modelo debe encontrarse cómodo y para ello podemos mantener una conversación jocosa, incluso gastar alguna broma. Nuestro objetivo debe ser romper el hielo y que el modelo olvide a la cámara.
2.- Utilizar una óptica idónea. Un objetivo interesante para el retrato es el 85-135mm, es decir, un teleobjetivo medio.
Cuidado con las longitudes focales grandes (angulares), porque distorsionan los rostros si el sujeto se encuentra muy cerca o la cámara está inclinada.
3.- No olvidarnos del fondo. El fondo también importa. Procura localizar fondos neutros y, si es posible, desenfócalos. Nuestro objetivo es evitar los fondos confusos que quiten protagonismo al sujeto.
4.- Maquillaje. Sombras de ojos, rímel en las pestañas, polvos de base para evitar brillos en la piel y brillo de labios suelen mejorar los retratos femeninos.
5.- La luz. La disposición básica de iluminación en estudio implica dos luces: una luz principal ( a la izquierda de la cámara a unos 45º) y una luz secundaria menos intensa que suaviza las sombras (a la derecha a unos 45º de la cámara). Un esquema con el que se obtienen resultados más glamorosos que con el esquema anterior (45º/45º) es con un reflector con paraguas sobre la cámara y otro de relleno a la derecha.
No hay que olvidar que con la luz natural podemos obtener resultados sorprendentes. La luz proporcionada por el Sol al final del día es muy apropiada.
Otra recomendable fuente de iluminación natural son las ventanas. Podemos colocar a nuestros sujetos cerca de la ventana, y utilizar una cartulina blanca como reflector de relleno.
6.- La altura de la cámara. Generalmente la mejor altura a la que debemos obtener los retratos nos la marcará la altura de los ojos de nuestros protagonistas. Os recomiendo que hagáis una prueba: sacar tres fotos, una con la cámara a nivel de los ojos del sujeto, otra por encima y otra por debajo. Veréis la diferencia.
7.- El encuadre. Podemos utilizar los siguientes:
1. Primerísimo plano. Parte del rostro. 2. Primer plano. El rostro ocupa la totalidad de la imagen. 3. Plano medio. Rostro, hombros y pecho, hasta codos. 4. Plano americano. De la rodilla hacia arriba. 5. Plano general. Vista completa del sujeto y parte de su entorno
"¿Para que preocuparse en quitar el flash de la cámara si al final acabas rebotándolo en el techo o un una pared?"
Porque haciéndolo así, cuando te mueves alrededor de la escena mientras disparas, no cambias el punto de rebote del flash y la iluminación es consistente entre las diferentes tomas.
Porque iluminando con el flash fijo en una posición y con la potencia marcada en manual da una consistencia a tus fotos en exposición, calidad de luz y dirección de la luz imposibles de lograr con TTL.
Porque es una técnica que permite medio montar las luces e ir probando la exposición mientras decides que tipo de iluminación quieres obtener.
Porque trabajar con las luces fuera de la cámara es un buen hábito de trabajo a la que conviene acostumbrarse, para generar un fondo atractio que permita realizar un retrato muy aparente en una triste y aburrida oficina iluminada con fluorescentes.
La técnica es sencilla, muy usada y muy simple. Y te darás cuenta que estamos hablando simplemente de técnica. No tienes que comprar nada nuevo para tu equipo.
OK, pues entonces ya está, esas son las razones. Esta técnica te genera una iluminación general, capaz de iluminar una habitación completa y es útil para generar una zona muy permisiva de luz direccional. Suave y plana, pero definida al mismo tiempo.
Cosas a recordar
Primero, cuidado con el color de la pared. Ese color se transferirá a la luz reflejada.
Generalmente puedes usar esto a tu favor, como por ejemplo haciendo más cálida la luz reflejada, como en este retrato de una artista.
Puedes usar el ajuste del zoom de la cabeza del flash para controlar el tamaño del círculo de luz que ilumina la pared. Simplemente dispara el flash y observa el tamaño del haz en la pared sobre la que incide. Eso te permite empezar a ver el tipo de iluminación que vas a generar.
Técnica: 1. Apuntamos con la cabeza del flash directamente al techo o con un ángulo de 75 grados aproximadamente. El techo hará las veces de un gran reflector aunque como inconveniente está la posibilidad de que aparezcan algunas sombras cerca de los ojos a causa de que toda la luz proceda de arriba.
2.Rebote invertido en techo. En este método colocamos el flash en un ángulo de 45 grados apuntando hacia atrás de modo que el destello rebote en el techo y la pared ubicados a nuestras espaldas. Evitaremos la sombra de los ojos del método anterior, aunque necesitaremos una pared detrás.
3.Rebote en pared o lateral. Colocamos la cabeza del flash en un ángulo de 90 grados respecto al sujeto de forma que apunte a la pared más cercana. Conseguiremos una luz direccional que da profundidad a la imagen.
Una de las formas de medir la luz que más se utiliza en espacios abiertos es la de tomar los valores de la exposición en el cielo y no apuntando la cámara a ninguna parte concreta de la escena.
Es decir, giro la cámara dirigiendo el objetivo hacia el cielo -obvio no hacia el sol- ajusto en modo manual (o prioridad de Abertura) hasta que el fotómetro indique que la exposición es correcta -o ligeramente sobreexpuesta según el gusto y las técnicas de procesado de cada uno- y manteniendo la exposición vuelvo a dirigir la cámara a la escena ignorando las siguientes indicaciones del fotómetro.
Este método tiene algunas ventajas: no hay que preocuparse de dónde medir la luz en cada escena y mientras que la luz no cambie radicalmente no hay casi que preocuparse de la exposición, aunque conviene no perder de vista el histograma y activar el aviso de luces altas.
Es una técnica muy útil para lograr imágenes muy uniformes en cuanto a luz y colores.
Este método es válido para casi todo tipo de situaciones, incluyendo el atardecer, el amanecer y cuando hay reflejos marcados en el agua o en el mar.
Otra forma es tomar la medición en el cielo que tiene más luz que el resto del paisaje y subexponer alrededor de 1 punto o 1.5 puntos (-1EV o –1.5EV).
Luego utilizo Photoshop para darle el toque final a la fotografía.
Multiplidad es una técnica que consiste en poner a la misma persona varias veces en la misma foto. Usando este concepto algunos han llevado esta técnica a un nivel superior, he aquí algunos ejemplos:
En qué consiste? La técnica es sencilla, se necesita un trípode, cámara, un programa de edición fotográfica y mucha habilidad
Lo primero es realizar una toma del ambiente vacío, luego se realizan las distintas tomas del personaje en distintas posiciones y con edición fotográfica se van superponiendo (recortando) las siluetas en capas desde el más lejano hasta el más cercano a la cámara, respetando las sombras que pueda tener cada toma.
El flare es un fenómeno que tiene lugar en un objetivo cuando inciden sobre él rayos de luz que no forman imagen en el plano focal, pero que de todas maneras lo atraviesan provocando diversos fenómenos de luz parásita que degradan la imagen.
En casos normales, estos rayos de luz son dispersos, de baja intensidad, y están repartidos en toda la superficie de la imagen, siendo casi imperceptibles. Cuando esta luz difusa se torna muy intensa ocurre una disminución del contraste, visible como un aumento del valor de las bajas luces que percibimos como negros agrisados.
Una imagen con un alto índice de flare o velo óptico producirá un histograma en el que habrá pocos valores sobre el lado izquierdo, aún cuando tengamos motivos muy oscuros.
Cuando esta luz parásita es puntual y dirigida, se superpone a la imagen formada en el plano focal formando distinto tipo de "artefactos" o manchas luminosas, las cuales suelen tener la forma del diafragma utilizado.
¿Qué es lo que produce el flare? La causa básica son las reflexiones internas. Casi toda la luz que atraviesa un objetivo llega al plano focal. Pero hay una pequeña cantidad que es reflejada por su superficie. Si consideramos que un objetivo zoom actual puede estar compuesto de diez o más lentes individuales o elementos, podemos concluir que hay una importante cantidad de luz que es reflejada dentro del objetivo, dispersada y vuelta a reflejar.
Estas reflexiones son corregidas en la construcción del objetivo empleando recubrimientos y también combinaciones de lentes con diferente índice de refracción (Cristales Flint o Crowne). Estos recursos encarecen el precio del objetivo, por lo que podremos esperar mayores índices de flare en los zoom de económicos, como los que componen el kit de las cámaras réflex digitales de nivel más básico.
Las condiciones de uso también son importantes para evitarlo:
La grasitud, el polvo o la abrasión de las superficies externas del objetivo también contribuyen al aumento del flare.
Para evitar las luces dispersas debemos recurrir al uso de un parasol eficiente. Los de diseño en forma de pétalo brindan protección adicional. También será necesario usar a veces banderas o trozos de cartón negro para controlar los rayos de luz rebeldes.
Hay que evitar en lo posible el uso de filtros UV. La gran mayoría de los sensores incorporan filtración UV e infrarroja, de modo que el uso de estos filtros es inútil, salvo como protección física en tareas que implican riesgos (viento con arena, gotas de agua dispersas, posibles golpes, etc.) Fuera de estos casos, el filtro UV agrega dos superficies aire-vidrio sin ninguna ventaja.
Trabajando en el estudio, toda luz que no esté iluminando el sujeto fotografiado debe ser eliminada. Cuando iluminamos un fondo claro debemos dirigir la luz solamente sobre el área del fondo que toma nuestra cámara. La luz que sobra a los costados será reflejada hacia el objetivo aumentando el flare y reduciendo el contraste y la nitidez sin ningún otro resultado.
Coloqué la cámara en un trípode y encuadré un retrato. Luego ubiqué un trozo pequeño de cinta de pintor en cada punto del fondo que coincida con cada ángulo del visor. Estos cuatro puntos le indicarán el área real de fondo que usa. Toda la luz que coloque fuera de ese área es perjudicial. Tenga presente que cuanto más granangular sea el objetivo empleado, mayor será el área de fondo necesaria. El uso de un teleobjetivo requiere un fondo más pequeño.
Al abrir los archivos RAW usaremos el ajuste Negros/Blacks para controlar el nivel del flare sin comprometer el resto de la imagen. En la mayoría de los sujetos fotográficos, salvo que estemos persiguiendo un efecto High-Key, será necesario contar con algunos píxeles negros para aprovechar la escala tonal completa de la impresión y brindar un aspecto de mayor relieve y tridimensionalidad.
Uno de los errores más habituales que se cometen al empezar a procesar RAW es querer que se vea “todo”, aclarando en exceso las zonas oscuras. Esto nos da como resultado una imagen chata y lavada. Si quieren una imagen realista, ¡debe tener negro!
Una misma escena, tomada con dos objetivos diferentes o con un zoom en diferentes posiciones, seguramente requerirá dos niveles de ajuste de negros distintos.
El manejo del software resulta fundamental para que todos los objetivos den el mismo resultado.
Como el flare brinda el aspecto de una fotografía sin editar, los programas de diseño 3D incorporan mecanismos para simularlo, y hoy hay pocos juegos de computadora que no incorporen una cuota de flare para parecer mas realistas.
Por último, digamos que siempre conviene hacer una revisión de la imagen a fotografiar empleando el botón de profundidad de campo, dado que los resultados del flare varían de acuerdo al diafragma usado.
Cuanto más acotado esté el flare durante la toma, menos trabajo tendremos en la post-producción. Salvo que lo hayamos buscado intencionalmente. Pero esa es otra historia.
Para los interesados en esta rama de la fotografía, les transcribo un interesante artículo del astrofotógrafo Daniel López, en su sitio Cielos del Teide.
Empezamos con la más fácil y asequible, en la que cualquiera con una cámara réflex digital, objetivo gran angular, cable disparador, trípode, algo de imaginación y ganas de cargar todo en busca de algún rincón con cierto encanto, podrá fotografiar paisajes nocturnos bajo la luz de las estrellas. Estas fotos son muy sencillas de conseguir y a la vez pueden resultar muy espectaculares. Consiste en captar el movimiento aparente de las estrellas dibujando trazas en el cielo junto al paisaje que nos rodea.
Antas de nada, hay que tener en cuanta que la cámara usa baterías, si se va a estar varias horas haciendo fotos lo normal es que se agoten, siendo menor su duración cuanto más frió haga. Por lo tanto habría que llevarse como mínimo una de repuesto, que cambiaremos cuidadosamente antes de que se acabe la que esté puesta. Usando un Grip, que puede llevar dos baterías, alargamos la duración hasta dos veces. Según mi experiencia y en condiciones normales, 1 batería puede durar poco más de una hora y media, por lo que con dos podemos tener para algo más de tres horas.
Una vez disponemos de todo el material, lo siguiente es buscar un sitio adecuado donde poder fundir el paisaje con las estrellas. Unas ruinas antiguas, un castillo, edificios, árboles, montañas, rocas, el único límite es nuestra imaginación. Casi cualquier escenario es bueno para usarlo como primer plano de nuestro fondo estrellado. Es recomendable llegar al sitio con algo de luz, para ver y estudiar las posibilidades del lugar. Es importante localizar el norte, para conocer así la posición de la estrella polar, aunque no es necesario apuntar directamente hacia ella. Podemos dirigir la cámara a cualquier zona del cielo ya que buena parte de lo original de la fotografía estará influenciada por el paisaje de fondo.
Cuando tengamos elegida la composición, lo siguiente es enfocar con la cámara. Una buena idea es auto-enfocar al infinito con algún objeto lejano como árboles o montañas para colocar luego el foco en posición manual. Después, cuando empiezan a aparecer las primeras estrellas, haremos fotos de algunos segundos para así enfocar con mayor precisión (con 20 seg. y un objetivo angular las estrellas deben salir puntuales). Podemos hacer una foto, la visualizamos en la pantalla de la cámara, hacemos zoom en una estrella y si vemos que no es puntual tocamos ligeramente el foco. Así hasta que consigamos estrellas puntuales.
Algo importante, en las estrellas es más acusado el efecto de las aberraciones cromáticas y distorsiones producidas por el objetivo en los extremos del campo, por lo que seria conveniente cerrar el diafragma 2 o 3 puntos del nivel máximo de apertura, para reducir así en la medida de lo posible esos defectos. La sensibilidad de la cámara podemos ajustarla a 400 ISO.
Ahora si lo tenemos todo preparado para comenzar. Lo ideal es realizar estas fotos un día sin Luna, para que la oscuridad del cielo y el contraste de las estrellas sean mayores, pero así es difícil conseguir que se vea algo del paisaje. Para ello podemos jugar con varias posibilidades:
Un truco que da buenos resultados es tener encuadrado nuestro motivo poco después de la puesta de sol, con poca luz, y tomar varias fotos con diferentes tiempos de exposición. En estas fotos salen los detalles del paisaje que luego podemos añadir a la toma nocturna para combinar el movimiento de las estrellas con el paisaje.
Fotografía realizada a partir de 40 imagenes tomadas desde poco antes de anochecer. Se puede ver a la izquierda como los últimos rayos solares inciden en las rocas y el típico color rojizo de la puesta de sol.
Existen numerosas técnicas para hacer tomas de larga exposición. Dependiendo de la contaminación lumínica (CL) del lugar y de la paciencia que tengamos, podemos optar por varias formas de hacer las fotos. Si tenemos un disparador con programador de disparos y la CL es elevada, podemos hacer fotos de poco tiempo de exposición, digamos que desde 30 seg. a pocos minutos. Con un programador es fácil, solo tenemos que programarlo para que haga tantas fotos queramos de un determinado tiempo de exposición, y dejarlo varias horas. Si tenemos el clásico disparador por cable, es más difícil, ya que tendremos que estar durante varias horas cada pocos minutos haciendo fotos. Por eso lo ideal en éste caso es hacer fotos de cómo mínimo 10 o 15 minutos de duración.
Al final de la sesión nocturna nos encontramos con muchas fotos de pequeñas trazas estelares, curioso pero nada demasiado espectacular. Ahora interviene la informática, usaremos un programa que se encargará de unir todas las imágenes y convertirla en una sola. Con esto conseguimos unir todas las pequeñas trazas y convertirlas en trazas que cruzan el cielo.
Para unirlas podemos usar tanto Photoshop como el programa gratuito Startrails, muy fácil e intuitivo de usar.
En resumen, nada más fácil que encontrar un sitio tranquilo y recogido donde plantar el trípode con la cámara, apuntar al cielo, disparar y disfrutar varias horas bajo el manto de estrellas mientras nuestra cámara recoge lo que será la imagen final de una agradable noche de observación nocturna.
Como broche este majestuoso Timelaps creado por Daniel López.
Cosas interesantes que ver en el vídeo:
Segundo 44; se ve un poco la luz zodiacal al atardecer y una curiosa nube estacionaria que permanece girando durante horas.
Segundo 54 y posteriores; La Luz Zodiacal es claramente visible, inmensa en el cielo se enfrenta a la vía láctea. En esa secuencia puedes ver objetos como la Tierra, con las cúpulas del Observatorio. Nuestro sistema solar; Venus y la Luz Zodiacal. Nuestra propia Galaxia, Andrómeda, las Pléyadas, la nebulosa de California, incluso el bucle rojo en la constelación de Orión. Hasta objetos fuera de nuestra propia galaxia, como galaxia de Andrómeda, M31.
01:19 la gran nebulosa de Orión e incluso la cabeza del caballo caen sobre el Teide.
02:14, La Luna y Venus.
02:47, La OGS rastrea basura espacial, incluso se ve a través de la ventana la vía láctea.
Las fotografías de playa son un clásico inagotable, desde los amaneceres hasta las puestas de sol, todos los colores y reflejos tienen un encanto al que ningún fotógrafo puede resistirse.
Es imposible no encontrar un motivo que valga la pena retratar, desde los niños correteando o haciendo castillos en la arena, hasta las personas mayores y sus largas caminatas al atardecer; todo tiene un toque especial en este entorno mágico y natural.
A toda esta serie de oportunidades maravillosas, ya que estamos hablando de lugares de una belleza natural, donde el color y la luz son casi ideales, no podemos dejar de reconocerle que también presentan algún que otro problema, incluyendo daños en la cámara y ciertas cuestiones de privacidad.
He aquí algunas sugerencias para que tengas presente cuando vayas a la playa con tu cámara digital:
Busca los puntos de interes Un problema que enfrentan todos los que toman fotografías en la playa es que no logran salirse del tradicional disparo y todas las imágenes luego tienen el mismo aspecto. Ese es un grave problema que requiere de tu capacidad para ver más allá de lo que todos ven. Si bien puedes realizar alguna que otra foto con el paisaje que te ofrece la playa y el mar, recuerda que si a esto no le añades un punto de interés, una buena composición y un gran toque de creatividad; solo obtendrás una imagen bastante aburrida y vacía, muy parecida a miles de imágenes que rondan la red. Tampoco debes complicarte tanto, que no es este el desafío fotográfico de tu vida, simplemente se trata de encontrar un punto de interés en medio del paisaje; muchas veces puede ser algo tan simple como unas huellas en la arena, un par de sandalias y gafas abandonadas al borde del mar o un castillo de arena. Estas cosas que relatan una historia y llenan de vida una escena son las que harán que tus fotografías tengan detalles que las enriquezcan.
La importancia de las horas Los momentos más mágicos siempre son el comienzo y el final de los días. En esas horas tendrás una cantidad de puntos a favor para lograr imágenes memorables: habrá menos gente, el sol brilla en un ángulo excelente sobre el agua produciendo unos reflejos y colores únicos, los rayos del sol al tocar el horizonte se proyectan sobre el cielo en una variedad tonal que no encontrarás en ningún otro momento del día. Puedo asegurarte que bien vale la pena levantarte bien temprano en la mañana o irte último de la playa para ganarte algunas de estas capturas maravillosas.
El horizonte Uno de los problemas más comunes en la fotografía de playa, así como en toda foto donde haya grandes espacios abiertos, es el horizonte; ya que demasiado a menudo descuidamos este detalle y luego descubrimos que lo hemos retratado inclinado. Trabaja sobre este punto, toma los recaudos necesarios, adiestra tu ojo. Y finalmente, utiliza la regla del horizonte en estas tomas: nunca lo dejes en el centro total de tu foto, siempre deberá ubicarse en la tercer parte superior o inferior según el espacio que busques destacar.
Maneja la exposición Otro inconveniente que suele enfrentar un fotógrafo novato es que las fotografías de playa suelen ser increíblemente brillantes y si no controlas los ajustes de exposición de tu cámara y sencillamente la dejas en modo automático te saldrán sobreexpuestas. Lamentarás no advertir esto cuando regreses y veas en tu ordenador que todas esas magníficas tomas que creíste realizar están tristemente quemadas. Encontrar el punto correcto solo demanda de práctica y reconocimiento de tu cámara. También puedes comenzar usando el modo playa que traen algunas cámaras con ajustes predeterminados, pero, evidentemente, nada mejor que realizar manualmente los ajustes de nuestras cámaras y aprender a tener un dominio total de ellos.
Usa el flash Aunque a algunos les parezca una locura, cuando se está retratando personas en días muy brillantes lo más normal es que tengan algunas sombras bastantes duras sobre sus rostros, ya sea por el uso de sombreros, anteojos o simplemente por la nariz, sobre todo a la hora del mediodía; pues bien, esas sombras las podrás eliminar definitivamente usando el flash en estas situaciones.
El filtro polarizador, infaltable! Uno de los accesorios más útiles para las lentes de tu cámara réflex digital son los filtros polarizadores. Estos reducen los reflejos y aumentan los contrastes, teniendo un impacto maravilloso en los cielos azules del verano y el agua; créeme que pueden darte una variedad de efectos que agradecerás. Si puedes no olvides obtener un buen filtro polarizador y experimenta con él. Luego cuéntanos qué tan sorprendentes han sido los resultados.
El blanco y negro, otra opción
Como sabemos las imágenes en blanco y negro siempre nos darán otro panorama bien diferente de un lugar y momento. Este virado del color cambia drásticamente el ánimo y sentir de una imagen y agrega un toque creativo y artístico a la foto.
Éstos son los pasos para tomar fotos de fuegos artificiales:
Decide dónde crees que es bueno posicionarse. Asegurate de que no haya obstáculos en el aire como el humo. Ajustá la cámara en modo T (Prioridad de tiempo de exposición), fijalo en 4 segundos. ISO 400 Instalá el trípode Mirá cuidadosamente la situación, poco después de que los fuegos artificiales iluminan el cielo, pulsá el disparador.
