Porqué RAW y no JPG?

Un archivo RAW contiene toda la información posible captada por el sensor, todo lo que la cámara es capaz de entregar. Aquí no hay truco. Podemos editar y reeditar la foto tantas veces como consideremos necesario sin que se produzca una pérdida de información. Disponemos de todos los datos necesarios para conseguir la mejor calidad de imagen posible.

Nikon D70Selección del formato RAW en la Canon 70D

 

En RAW el balance de blancos no está prefijado, sino que se trata simplemente de una etiqueta en la cabecera del fichero que indica al revelador la temperatura de color usada en el momento en que captamos la imagen. No se han tocado los datos relacionados con este parámetro, por lo que es posible modificar o corregir a nuestro antojo el balance de blancos e incluso dar rienda suelta a nuestra creatividad.

 

El "demosaicing" o la interpolación de la información del color no la realiza automáticamente la cámara, sino el revelador RAW en el momento de abrir la imagen. Dado que el procesador de nuestro ordenador es muy superior al que lleva la cámara, esta tarea no sólo se realiza con mayor agilidad, sino que también es mejor y más sofisticada la interpretación del algoritmo que acaba conformando la imagen en color.

 

Cuando se hace un disparo con una cámara digital, cada una de las celdas de su sensor convierte la luz que recibe en un valor que luego forma el archivo digital. Los formatos JPG y TIF tienen una "profundidad de color" de 8 bits, o lo que es lo mismo, 256 colores por canal. El formato RAW puede tener 10, 12, 14 o 16 bits por canal, describiendo una cantidad muchíísimo mayor de colores del orden de varios miles de colores por píxel y por canal.

Adobe_CameraRaw_converter Adobe Camera Raw, interfaz para abrir archivos RAW

 

Esta enorme diferencia hace que, cuando disparamos en JPEG, una tercera parte de la información capturada por el sensor se pierde. Un efecto que puede apreciarse sobre todo en las zonas más oscuras de la imagen. Allí donde un archivo RAW es capaz de almacenar 128 niveles, el JPEG se queda en sólo 20, y con mayores posibilidades de sufrir problemas de "posterización".

 

Aunque parezca una locura y todos lo hagamos, en realidad un JPEG está concebido como un archivo final que no debería ser procesado. De hecho, toda edición que hagamos sobre un JPEG será destructiva. El RAW, al contrario, es mucho más flexible e incluso nos permite trabajar con imágenes a 16 bits (una vez extraído el archivo del revelador), gozando así de 65.536 niveles con los que dar rienda suelta a nuestra imaginación.

 

Con el formato JPEG sólo disponemos de dos espacios de color con los que trabajar, normalmente sRGB y AdobeRGB. En RAW, podemos trabajar la imagen con espacios de color más desconocidos pero mucho más amplios. Por ejemplo, el espacio ProPhoto RGB puede abarcar todos los colores que es capaz de capturar el sensor.

 

¿No sería interesante disfrutar de libertad total a la hora de enfocar nuestras imágenes? A diferencia de los JPEG que ya salen de la cámara con máscara de enfoque aplicada, en un archivo RAW somos nosotros quienes decidimos cuánta máscara queremos y de qué manera. Es posible, por ejemplo, que en un retrato no nos interese enfocar la imagen o que queramos hacerlo sólo en zonas concretas, como los ojos o el pelo. En un paisaje, por el contrario, lo normal es que queramos obtener un resultado totalmente nítido.

 

La exposición es, sin duda, otra razón de peso. En un archivo RAW la podemos ajustar de forma más precisa después de la toma, y siempre dentro de unos límites razonables, sin que se produzca una pérdida de calidad. También podemos trabajar con distintas exposiciones en algunas zonas de la imagen para optimizar así la información tanto en las luces altas como en las sombras.

dpp Canon Digital Photo Professional

 

¿Nos gusta cómo combate nuestra cámara la presencia de ruido en las imágenes? No nos conformemos. Trabajando en RAW no sólo es posible mejorar el nivel de ruido, sino también controlar de forma precisa la cantidad de ruido y nitidez que queremos que luzca nuestra obra.

Consejos básicos para mejorar tus fotos

La digitalización de la fotografía ha facilitado muchas de las tareas que antes eran realmente trabajosas o de imposible ejecución. Cambiaron los tiempos, y ahora nuestra PC se ha convertido en nuestro laboratorio digital con infinitas opciones. En ciertos casos, un poco más de cuidado por nuestra parte antes de disparar nos ahorraría trabajo a posteriori, pero si el mal ya está hecho Cómo arreglarlo?

 

Toma (Foto 1):

f1 Despues (Foto 2):

f2 Tras aplicar varios ajustes con algún programa de edición obtendremos los resultados deseados . Y no lo olviden: siempre que puedan y la cámara lo permita, disparen en RAW.

 

1 Endereza el horizonte
Este ajuste es extremadamente rápido -no lleva más de un minuto- y es tremendamente fácil de realizar, así que no hay excusa para obviarlo. En Photoshop, por ejemplo, prueba a usar la regla para este cometido. Y es que pocas cosas quedan peor que una foto torcida.
Si no utilizamos guías o cuadrículas a la hora de realizar la foto, es muy probable que el horizonte quede ligeramente torcido. Esta foto ha sido enderezada con herramientas básicas de postedición.

horizonte 2 Manchas en el sensor

¿Algún punto molesto en la imagen fruto de la suciedad acumulada en el sensor de tu cámara de objetivos intercambiables? Mientras te planteas si ha llegado el momento de limpiarlo, trata de eliminar esas tediosas manchas en la foto. Algunos programas ofrecen herramientas específicas para ello (el conocido revelador Lightroom cuenta con la opción "Eliminación de manchas", por ejemplo). Photoshop tiene la herramienta Parche (Patch) que soluciona esto muy bien.

Sé productivo, pues el tiempo que no pases delante del ordenador podrás invertirlo en hacer fotos.

 

3 Agranda al 100%

Los ajustes más críticos realízalos siempre ampliando la imagen a su tamaño real, pues a veces abusar de ciertos efectos puede traerte consecuencias indeseadas. Como ser agregar demasiado ruido a la foto. El día que tengas que hacer una copia a papel, agradecerás haber sido cuidadoso en este paso.

 

Vigila el balance de blancos

¿Tiene tu foto una tonalidad demasiado fría o cálida? Trata de ajustar el balance de blancos, y si has disparado en RAW -hazlo siempre que puedas-, espera que el revelador lo haga por ti. Recuerda que la luz del día suele ir de 5.000 a 5.500 grados Kelvin, y en un día nublado de 6.000 a 6.500. En fotografía de estudio, una carta gris te ahorrará posteriores dolores de cabeza.

balance Altas luces y sombras

Durante la edición de una foto nunca pierdas de vista el histograma. Al realizar ciertos ajustes, como cambiar de espacio de color para subir la imagen a Internet, es fácil que las luces altas se vean afectadas. Ten siempre presente que el uso de herramientas como la recuperación de altas luces puede generar cierta dominante de color en la imagen. De igual modo, la luz de relleno propiciará la aparición de ruido en las sombras más profundas (Foto 2).

 

Disimula el ruido

Tanto si has tenido que realizar una exposición larga como si te has visto forzado a utilizar una sensibilidad alta, trata de reducir el ruido electrónico en el procesamiento. Normalmente, todos los programas suelen traer alguna opción específica, pero procura no excederte en su uso, pues comprometerías los detalles más finos. Una aplicación muy eficaz -y encima gratuita- para este cometido es Noiseware Community Edition.

 

Clona

O mejor: antes de tomar la foto, deshazte de todos esos elementos molestos que no quieres que aparezcan en ella. Si por alguna razón no puedes quitarlos (hay cables que siempre están ahí), intenta eliminarlas posteriormente usando herramientas como el Tampón de clonado del Photoshop. Eso sí, no recurras a este truco si tu foto tiene una finalidad informativa o documental.

 

Alto rango dinámico

Muy probablemente, tu sensor no ha sido capaz de captar todo el rango dinámico de la escena fotografiada (altas luces y sombras). Hasta aquí, ninguna novedad. Si has realizado previamente un ahorquillado (Braketing), trata de fusionar tus imágenes con algún plug-in especifico, o con la herramienta de fusión de Photoshop. Usando otras aplicaciones más populares, como Photomatix, corres el riesgo de que tus imágenes acumulen halos o adquieran un aspecto irreal.

 

Profundidad de campo

¿Has realizado una foto macro y no has logrado obtener suficiente profundidad de campo? La próxima vez, realiza varias tomas (siempre con trípode) y usa un editor como Photoshop CS4 o una herramienta específica como Helicon Focus para fusionarlas. De esta manera, conseguirás una única foto con una gran profundidad de campo, sea macro o de paisaje.

 

Recorta

No tengas miedo en recortar la foto si eso favorece su composición. Ayúdate de la regla de los tercios para conseguir composiciones más interesantes, y recuerda que la regla del horizonte no es válida exclusivamente para paisaje.

recorte

Gestión de color – Desde la toma a la copia (II)

La calibración del monitor y del Software de edición fotográfica

Llegó el momento más crítico, aquí debemos parar la pelota, porque antes de utilizar cualquier editor fotográfico serio, tenemos que saber que el monitor está reproduciendo los colores como corresponde.

Existen muchas formas de calibrar un monitor para que los colores que vemos en pantalla sean lo más fiel posibles a la realidad.

Lo que yo aconsejo es utilizar una herramienta del tipo colorímetro o espectrofotómetro, muy práctica y que me da muy buen resultado : el Pantone Huey, que es un dispositivo que se coloca sobre el monitor ya sea CRT o LCD.

pantone_huey La operación es muy simple y en unos minutos podemos estar seguros de que nuestro monitor está calibrado correctamente. Hay varios modelos que van desde el modelo básico como el de arriba, y que podemos conseguirlo por menos de u$s90, hasta otros del tipo profesional, visita la web de Pantone para ver los distintos modelos.

Los resultados estarán a la vista.

monitor_b_sin monitor sin calibrar

 

monitor_ref monitor calibrado

Les invito a visitar un sitio muy interesante referido íntegramente al tema gestión del color: didecaf

 

Los espacios de color en el software de edición fotográfica

Seguramente los programas más empleados para retoque fotográfico o post producción de imágenes sean Lightroom y Photoshop con el plugin Camera RAW. En ambos el espacio de color interno de trabajo no es ni sRGB, ni AdobeRGB, sino ProPhoto RGB, que es más amplio que cualquiera de los dos. Y no sólo porque contenga colores más lejanos, sino porque utiliza 16 bits para representarlos, en lugar de ocho, de manera que puede describir más de 281 billones de colores frente a los 16,7 millones que caben en AdobeRGB o sRGB.

 

Ahora bien, yo “revelo” mi foto en un espacio de color RGB para poder apreciar la mayor cantidad de colores posible, y la guardo por ejemplo en JPG (8 bits) ¿Qué ocurrirá con esa foto si la abro por ejemplo con un navegador como Internet Explorer 6 que su espacio de color es sRGB? Pues que los colores de la foto no se verán igual.

 

Resulta que la mayoría de los monitores y muchos de los programas de visualización de imágenes suelen trabajar con espacios de color sRGB, con lo que si abrimos una foto guardada con un perfil de color en RGB con un programa que solo trabaje con sRGB, mucha de la información registrada en el perfil RGB no podrá ser interpretada, asi que estaremos perdiendo gamas tonales, y veremos como los colores distan mucho de lo que nosotros habíamos editado.

 

Yo recomiendo trabajar en el espacio de color Adobe RGB, ya que estaremos trabajando con una cantidad de color que hará que veamos nuestras fotos mucho más naturales y cercanas a la realidad. Ya tendremos tiempo de editar en el caso de ser necesario y pasar la foto a sRGB.

 

En Photoshop cambiamos el espacio de color, para ello vamos a:

Editar/Edit – Configuración Color/Color Settings

 

Luego configuramos las opciones como sigue:

espacio de color photoshop Observemos que estamos utilizando como espacio de trabajo RGB: el Adobe RGB (1998).

Adobe RGB. Es un espacio con una gama de colores saturados y brillantes. Es el estandard en impresión de revistas y edición de carteles y postales. Por tanto es el que deberíamos usar para enviar nuestras fotos a imprenta si nos interesan los colores brillantes o copias de papel en un laboratorio fotográfico.

 

La opción CMYK, sólo se utiliza en caso de impresiones en imprenta y en Argentina trabajan con el sistema Euroscale Coated v2.

Ya tenemos nuestro entorno configurado como para trabajar fotos que van a ir a copiado o impresión personal.

 

Sólo para la entrega final se debe convertir el archivo a TIFF o JPG, mientras tanto se debe trabajar el original en formato PSD.

Gestión de color – Desde la toma a la copia (I)

Hoy hablaremos sobre algo muy importante y que mucha gente desconoce y luego no se explica por qué hay tantas diferencias entre cómo ven las fotos en la pantalla y como salen las copias en papel. Para entender esto tendremos que hablar de Gestión de color.

La gestión de color es el sistema para mantener y preveer, con unos márgenes tolerables, las propiedades de una imagen desde la entrada (toma) pasando por la visualización (pantalla) y llegando a la salida (impresión).

gestion de color Todos los dispositivos de captación, visualización e impresión que se dediquen a reproducir imágenes con precisión deben estar calibrados y usar un perfil personalizado.

 

La calibración es un proceso de ajuste del dispositivo para que este represente las imágenes de la forma más neutra posible y sacando la máxima gama de densidad posible.

A partir de una calibración precisa conseguiremos un punto de partida a partir del cual podremos realizar la generación de su perfil.

 

El perfil es un archivo que describe el comportamiento del dispositivo, en las condiciones de la luz, tintas, papel, etc., indicando cuales son las características de reproducción del color, y los límites que este puede representar.

 

El proceso de perfilado analiza los valores de color que representa el dispositivo, a través de unas muestras de color y densidad, y los relaciona con los que teóricamente debería representar, describiendo el comportamiento de este dispositivo.

 

El perfil describe  el comportamiento del dispositivo en el momento de su creación. Si varía la calibración, ajuste, comportamiento o condiciones en las que se creó, el perfil ya no es valido, porque deja de ser preciso.

 

Un correcto proceso de calibrado y perfilado garantiza el mejor comportamiento del dispositivo. Lo que no significa que dos dispositivos del mismo tipo se comporten exactamente igual.

La finalidad es que la reproducción de las imágenes sea de la forma más fiel posible y representando la máxima gama del espectro.

 

Empecemos por la cámara – sRGB o Adobe RGB?

Una de las dudas más habituales cuando alguien empieza a usar una cámara un poco avanzada es acerca de que espacio de color utilizar. La mayoría de las compactas no plantean esa duda, pero en las cámaras más sofisticadas y en las reflex, podemos optar por trabajar en AdobeRGB o en sRGB.
El espacio de color viene a ser como la paleta de que dispone el pintor para pintar su cuadro.

 

Dependiendo de que colores tenga se podrán representar mejor o peor las escenas. No se trata, como a veces se lee, de cantidad de colores, pues todos tienen la misma cantidad (16,7 millones cuando trabajamos con 8 bits por color), sino de como están distribuidos.

 

Los dos perfiles son perfiles RGB, por lo tanto, representan valores del mismo espacio de color, que en cualquier caso, serán valores dependientes del dispositivo que los reproduzca, por ejemplo, cualquier valor RGB será representado de manera diferente en diferentes monitores.

espacios de color

Imagen 1

 

Si representamos los dos perfiles en un espacio LAB como el de la Imagen 1 (independiente del dispositivo) se puede observar que el perfil de Adobe abarca mayor gama cromática que el sRGB, por lo tanto, siempre será recomendable disparar con perfil de Adobe, independientemente del destino de la fotografía (monitor, impresión, o el que sea).

 

 

Respecto a si a la hora de “revelar” un RAW, este no guarda el perfil de color que tú has puesto en la cámara ni prácticamente ningún ajuste más. Cuando procesas el RAW y lo exportas en Lightroom o Photoshop es entonces cuando le aplicas el perfil de color.

 

Es mejor usar 8 bits o 16?, intentaré explicar cuales son las diferencias y cada uno que tome sus decisiones, una imagen en 8 bits (jpeg o tiff) significa que tiene 256 niveles de luminosidad para cada color, es decir, de cada tono, tendremos una escala de 0 a 255. Sin embargo, usando 16 bits, esta escala se amplia hasta 256 al cuadrado, es decir 65.536 niveles, por lo tanto, cualquier degradado tendrá mas "pasos" donde poder retocar.

 

Todo el tema de gestión de color es bastante complejo y recien vimos un tercio de la historia…

Andrzej Dragan – El efecto draganizado

Andrzej Dragan nació en 1978 en Polonia y estudió en Varsovia, Amsterdam, Oxford y Lisboa. En 2005 se doctoró Cum Laude en Física Cuántica y fué galardonado por la mejor tesís de física por la Sociedad Física Polaca en 2001, obtuvo una beca por la Fundación Europea de la Ciencia en 2002, por el Comite Nacional de Investigació Científica en 2003, premiado por Jovenes Estudiantes de la Fundación para la Ciencia Polaca en 2004, etc, etc, etc.

dragan2

Ha realizado numerosas conferencias y seminarios en Amsterdam, Cracovia, Glasgow, Minsk, Munich y Tokio. Es miembro de la Secretaría Científica del Comite Organizador de la Olimpiadas Científicas, y actualmente trabaja como profesor adjunto de física en la Universidad de Varsovia. Además ha obtenido numerosos premios nacionales e internacionales en concursos de composición musical, y desde 2003 se dedica a la fotografía, que es lo que nos ocupa en este caso.

andrzej-dragan

En sus retratos, integra a la perfección la calidad de buenas fotografías con un tratamiento digital original y con un efecto dramático realmente sorprendente. Tanto es así, que ha creado una escuela y se pueden encontrar muchas variantes a su estilo, imitadores y también seguidores, llegando a conocerse como "efecto Dragan" o "efecto draganizado".

 

Su trabajo de edición se basa en la saturación del color, sobreexposición selectiva y enfatización de los detalles, además de extremar la nitidez en los ojos y oscurecer los tonos de piel, aumentando las sombras. Debido a la excesiva fuerza del resultado, no es conveniente abusar de semejante efecto, aunque podemos experimentar no sólo con retratos, sino con paisajes u otros motivos.

 

Hay muchas acciones para Photoshop pero la que mejor resultado me dió es una realizada por Sharon Lee Core, la que les paso abajo, con ella se pueden lograr estos resultados.

nene guavira Sitio: http://andrzejdragan.com

 

Acción para Photoshop

Pasaje a Blanco y Negro en Photoshop – Método Rob Carr

Rob Carr ha trabajado como técnico con Greg Gorman, un conocido fotógrafo de celebridades de Holywood. En este artículo os explicamos, paso a paso, el procesado para conseguir fotografías en blanco y negro con Photoshop con ese toque tan especial. ¿Te animas a probarlo?
El proceso a seguir es algo más largo que el aplicado en otras ocasiones para convertir una fotografía a blanco y negro, pero siguiendo los pasos que os dictamos vereis como es realmente fácil.
Además, tengan en cuenta que podemos automatizar esta conversión a blanco y negro en una acción Photoshop, con lo que podremos repetirlo cuantas veces queramos sin esfuerzo.

Vamos a utilizar la siguiente foto:

Pasaje a Blanco y Negro

Pasos para pasar a blanco y negro

Este es el proceso a seguir:
Cambiamos el modo de trabajo a Color Lab mediante el menú IMAGEN -> MODO -> COLOR LAB.
Vamos a la paleta "Canales" y seleccionamos el canal "Luminosidad".
Cambiamos el modo de trabajo a Escala de Grises mediante el menú IMAGEN -> MODO -> ESCALA DE GRISES.
Seleccionamos el nuevo canal recién creado, pinchando con el ratón con la tecla Ctrl pulsada en la miniatura del canal Gris. Nuestra foto marmará una selección.
Invertimos la selección realizada con el menú SELECCIONAR -> INVERTIR (también podemos utilizar la combinación de teclas Ctrl+Shift+I).
Rellenamos la selección con color negro, mediante la creación de una nueva capa de relleno (Menú CAPAS -> NUEVA CAPA DE RELLENO -> COLOR SOLIDO, seleccionando el color negro #000000).
Cambiamos la opacidad de la capa de relleno que acabamos de crear al 50%.
Creamos una nueva capa de ajuste de Niveles (CAPAS -> NUEVA CAPA DE AJUSTE -> NIVELES). Una alternativa es utilizar una capa de ajuste de Curvas, en lugar de Niveles.
Ajustamos los niveles en la capa de ajuste hasta que quede a vuestro gusto.
Seleccionamos la Capa de fondo.
Duplicamos la capa (CAPAS -> DUPLICAR CAPA)
Aplicamos sobre la nueva capa un filtro de paso alto con radio 10 (FILTROS -> OTROS -> PASO ALTO)
Convertimos la capa recien filtrada al modo de fusión "Luz Dura", seleccionando en la Paleta de capas el valor "Luz Dura".
Reducimos la opacidad de la capa de fondo hasta un valor que nos parezca adecuado (Rob empieza en 25%).

Y aquí está el resultado. Un blanco y negro "muy especial"

Pasaje a Blanco y Negro Bajate la acción+

Apantallado digital – Realce de luces y sombras con Photoshop

Para quienes trabajaron en Laboratorio Blanco y Negro tradicional, el término “apantallado” resultará familiar, sin embargo, como actualmente muchos fotógrafos se han iniciado directamente en la era digital y no han transitado por el laboratorio es posible que desconozcan su significado.
Por entonar entendemos la sobreexposición de una zona de la imagen en la copia, logrando que ese sector resulte más oscuro y, por apantallar, a la subexposición mediante el bloqueo del paso de la luz en diversas áreas en la copia, que arroja como resultado un área más clara.

Con estas posibilidades es que tomamos la decisión de aplicar distintos niveles de exposición para nuestra fotografía, considerando que los sectores más claros producen un efecto de realce para nuestra vista, como si se colocaran por delante. Por el contrario, un área más oscura será interpretada por nuestro cerebro como un sector de menor protagonismo, ubicándose por detrás.

Si observamos la Foto 1, vemos que carece de “vida”, no dice mucho, le falta textura.

Imagen Original

Foto 1

 

Entonces vamos a recurrir a un truco muy fácil para realzar las zonas de luces y sombras, para ello crearemos una Capa (vamos a Layer/Capa – New/Nueva) y colocamos el Modo en Luz Suave/Soft Light, luego tildamos la opción de abajo: Fill with Soft Light – neutral color 50% / Llenar con Luz Suave – color neutro 50% (Foto 2)

Creando la capa Foto 2

 

Ahora seleccionamos un pincel esfumado de un diámetro acorde en mi caso 150 px y con Opacidad del 20%, luego si queremos sombrear, colocamos como color de frente el Negro y para dar luces cambiaremos al Blanco.

 

 

Una vez terminado el retoque si dejamos visible sólo la capa de Luces y Sombras veremos lo siguiente (Foto 3):

Capa de Luces y Sombras Foto 3

 

El resultado final lo tenemos a la vista:

Imagen final

11 Falsos Mitos de la Fotografía Digital

Seguramente han escuchado muchas veces estas afirmaciones, la mayoría son un mito, he aquí la explicación.

 

Todo se Puede Arreglar en Photoshop

Estamos acostumbrados a ver transformaciones mágicas de fotos al pasar por Photoshop. Pero la magia tiene límites. Si no has expuesto bien tu foto y has quemado una parte, Photoshop no se puede inventar la información que había ahí: se puede inventar otra, pero no esa. No pierdas la oportunidad de intentar realizar una mejor foto pensando que luego la puedes “arreglar” con Photoshop.

 

Cuanto Más Intensos los Colores, Mejor es la Foto

Una gran foto siempre cuenta una historia. Y esa historia puede estar cargada de alegría y diversión o impregnada de tristeza o melancolía. La gama de colores utilizada debe estar en función de la historia a contar y, en ese sentido, colores apagados, desaturados o fríos, pueden ser nuestros mejores aliados a la hora de transmitir la emoción que buscamos. No lo olvides: buscar siempre los colores más vívidos e intensos puede ser un vicio que deberías descartar cuanto antes.

 

Cuantos Más Detalles, Mejor es la Foto

La profundidad de campo es uno de los recursos más interesantes con que cuenta el fotógrafo para centrar la atención en su fotografía. Para realzar el primer plano, en ocasiones, nos interesa tener un fondo poco definido, sin detalles ni colores intensos. Cuando el ojo humano se enfrenta a una instantánea llena de detalles no sabe en qué centrarse ni decidir cuál es el elemento central de nuestra foto. Así que, en general, conviene decidir qué queremos mostrar en detalle y qué no.

 

No Se Pueden Hacer Buenas Fotos si no Tienes una Réflex

He podido ver fotos muy buenas realizadas con compactas muy económicas. Lo cual no quiere decir que no tengan sus limitaciones, ni que toda foto que se puede conseguir con una réflex se pueda realizar con una compacta. La clave de muchas grandes fotografías es la composición y en estos casos suele ser más decisivo un ojo bien educado que una cámara último modelo.

 

Sólo las Fotos que Cumplen las Reglas de la Composición pueden ser Buenas Fotos

Los grandes maestros del arte de la fotografía saben transgredir las normas y conseguir instantáneas espectaculares. Y es que, sencillamente, hay veces que la belleza no tiene patrones. Pero otras muchas sí, así que no desprecies el valor de conocer bien las reglas de composición y jugar a romperlas. Sobre todo, ten presente que no existen dogmas insuperables en fotografía.

 

Los Grandes Angulares Distorsionan las Fotos

Asegurar eso significa asegurar que el mundo es tal y como lo perciben nuestros ojos. Significa defender que toda forma distinta de ver es distorsionada. Resulta que el ojo humano medio tiene un ángulo de visión a lo ancho de 120 a 140 grados, mientras que los grandes angulares superan ampliamente esa cifra. Por tanto, las fotos realizadas con grandes angulares, muestran en una única captura espacios que nuestra vista no puede cubrir de golpe. O dicho de otro modo: si pudiéramos ver con un ancho de -digamos- 180 grados, lo que veríamos sería lo que un gran angular de unos 10mm captura.

 

La Máscara de Enfoque Conseguirá Arreglar Toda Foto Borrosa

Puedes experimentarlo por ti mismo. La máscara de enfoque en Photoshop sirve para acentuar el enfoque de una foto, no para crearlo allá donde no existe. Si una foto está trepidada o desenfocada Photoshop no puede hacer magia. Recuerda aquello de que Photoshop no puede inventarse la información que no está capturada.

 

Detrás de una Gran Cámara y una Óptica Impresionante Siempre hay un Gran Fotógrafo

El hábito no hace al monje. Si no te has fijado, te animo a que eches un vistazo. Es más frecuente de lo que uno pudiera pensar el ver cámaras impresionantes manipuladas por gente que, ni siquiera sabe cómo sujetarlas correctamente. Se trata, casi siempre, de gente con mucha pasta que piensa que las fotos las hace la cámara y no el fotógrafo. Así que, ya sabes, no te dejes impresionar.

 

Canon es Mejor que Nikon o Nikon es Mejor que Canon

Es una de las cuestiones más planteadas a lo largo y ancho de foros y blogs en la Red. ¿Qué es mejor Nikon o Canon? Yo preguntaría: ¿qué es mejor BMW o Mercedes? ¿Coca Cola o Pepsi? ¿Burger King o McDonald’s?… y probablemente se producirían encendidos debates también. Cuando, lo cierto es que tanto Nikon como Canon pueden ofrecernos excelentes modelos con los que disfrutar de nuestra afición. No vas a ser mejor fotógrafo por tener Nikon en lugar de Canon o al contrario. Así que, seguramente, esta cuestión no sea tan importante.

 

Cuantos Más Megapixels, Mejor es la Cámara

Este ha sido uno de los falsos mitos más arraigados y que, por fortuna, creo que se va descartando. Como probablemente sabrás ya, los megapixels sólo hablan de resolución, pero nada tienen que decir sobre fidelidad de colores, aberraciones ópticas, rango dinámico, ruido y un largo etc. Por otro lado, en los niveles de resolución que nos movemos hoy en día, las diferencias cada vez son menos significativas. Por poner un ejemplo: una cámara de 12 Mpxs permite obtener fotos tan solo un 9,5% más anchas y un 9% más altas (3:2) que una de 10 Mpx.

Niveles en Photoshop

Una de las herramientas básicas a la hora de retocar una foto es el ajuste de niveles. Para ello deberemos analizar el histograma, que ya vimos de qué se trata en el post anterior. Si disponemos de una cámara el histograma representa la cantidad de píxeles que tiene la imagen en cada punto del mismo, eso abarca los valores comprendidos entre 0 y 255. La Herramienta Niveles modifica la distribución de estos píxeles.

histogram

A continuación un tutorial para los que recien empiezan a meterse en el mundo de Photoshop.

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Que es el histograma?

Una herramienta muy útil para lograr una correcta exposición en fotografía digital es el histograma de cámara. Muchos fotógrafos, no están al tanto de su existencia.

En el menú de visualización de casi todas las cámaras reflex digitales y de las compactas de buena calidad, encontraremos la opción de habilitar el histograma, que es la representación estadística de la cantidad de píxeles en cada nivel, que hay en la imagen fotográfica digital.

Hacia la izquierda tendremos los píxeles más oscuros (nivel 0) , hacia la derecha los más claros llegando al blanco (nivel 255). En el medio están los tonos medios. La altura del gráfico indica la cantidad de píxeles de cada nivel que posee la imagen. Funciona igual que el Histograma de Photoshop.

histo40dn A continuación un  tutorial que aclarará más el panorama, explicando cómo interpretar esta herramienta tan utilizada.

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