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Tres técnicas para evitar el movimiento de tu cámara réflex

Vamos a enfrentarnos a los hechos; cargar con el trípode no es siempre una forma divertida de tomar fotos. Haciendo caso omiso de las quejas obvio, que incluyen su tamaño y peso, los trípodes, son en realidad, cada vez más prohibidos en un gran número de lugares donde tomamos fotos. Por desgracia, el sostener la cámara en la mano y con poca luz puede ser extremadamente difícil y el resultado honestamente son imágenes suavizadas por el movimiento de la cámara al momento de la toma.

Afortunadamente, contamos con alguna de estas tres técnicas para mejorar considerablemente la probabilidad de imágenes nítidas con la cámara en mano.

A. La corrección de la postura
La mayoría de los fotógrafos están familiarizados con cómo sostener una cámara digital en sus manos, pero la mayoría de ignorar el importante aspecto de la posición del cuerpo. Mucha gente se inclina hacia adelante, dejando a sus brazos para sostener la cámara quieta. Al igual que levantar un objeto pesado, el peso es mejor manejado por sus piernas para adaptar su paso para adaptarse a estas pautas:

1) Sujeta la cámara con ambas manos. La mano izquierda sujeta la lente, mientras que la derecha sujeta el cuerpo de la cámara y controla el obturador.

2) Dá un paso adelante y trata de tus rodillas un poco dobladas. Esto distribuye el peso por igual en ambas piernas. El pie izquierdo adelante y el derecho a 45° respetando tu ancho de hombros.

3) Trae la cámara hacia tu cuerpo a su posición de disparo común. Para las cámaras DSLR, esto significa que el ocular (visor) se mantenga firmemente presionado al ojo derecho, mientras que para las cámaras compactas que se mantendrá a la altura de los ojos, a unos 15 cm delante de tu cara.

4) Aprieta los codos firmemente contra los costados. El antebrazo izquierdo debe estar completamente vertical y detrás de los dedos. Evita inclinarte hacia adelante tratando de que el peso no recaiga sobre tus piernas sino sobre tu cuerpo; inclinarte hacia adelante se traducirá en movimiento de la cámara.

5) Respira profundo y deja salir el aire. Antes de tomar la respiración siguiente, presione el disparador lo más suavemente posible. Que se entienda, que esto no es un ejercicio de yoga, sino, que la respiración también ejerce movimiento a la cámara.

B. Un trípode de bolsillo
Mientras que los trípodes son molestos para llevar, esta técnica añade una solución de bolsillo a las situaciones de iluminación escasa.

1) Antes de ir a “fotear”, corta una trozo de cinta ancha que sea igual a tu altura y guárdalo en tu bolsillo o el bolso de la cámara.

2) En el lugar fotos con poca luz, se toma la cinta, se hace un lazo corredizo y se coloca alrededor de la lente de la cámara, con cuidado de no tocar el anillo de enfoque o del zoom.

3) Deja caer la cinta al piso y presiónala con tu pie delantero y acerca lentamente la cámara a tu ojo. Con cuidado, tira de la cinta, asegurándote de no hacer mucha fuerza para no afectar la conexión de la cámara a la lente.

4) Con la cuerda tirante, que estará en la misma posición descripta en la primera técnica, presiona suavemente el disparador.

C. El agarre Joe McNally
El fotógrafo Joe McNally, más conocido por sus técnicas de iluminación, regularmente hace fotografías para publicaciones como Sports Illustrated, National Geographic, y la Revista Life que ya no existe. A pesar de tomar fotos en diferentes situaciones de iluminación, rara vez usa un trípode. En su lugar, utiliza su propio estilo de agarre que requiere el disparo con el ojo izquierdo. Con un poco de práctica, este agarre permite a los fotógrafos realizar disparos realmente con velocidades de obturación muy lentas.

1) Toma la misma posición de los pies como la técnica 1, con el pie izquierdo delante del derecho, y con el ancho de los hombros.

2) Gira la parte superior de tu cuerpo para que tu hombro izquierdo apunta hacia el sujeto.

3) Sosteniendo la cámara con la mano derecha, llévala hacia arriba y apóyala sobre tu hombro izquierdo. La esquina inferior del cuerpo de la cámara debe apoyarse en el pequeño hueco detrás de la clavícula.

4) Usa la mano izquierda para sujetar la cámara contra el cuerpo. Ancla tu peso por igual sobre ambos pies, y baja tu ojo izquierdo hasta el visor. Haz el disparo después de exhalar el aire.

No sólo tus fotos agradecerán estas técnicas, sino que estarás en armonía con tu “kundalini”.

Namasté! y buenas fotos…

7 situaciones donde el foco manual es mejor que el autofocus

El enfoque automático es un beneficio indiscutible en una gran variedad de escenarios, pero a menudo hay momentos en los que en realidad podría ser más sensato utilizar el enfoque manual. En estos escenarios, que se exponen a continuación, es justo decir que el enfoque automático no funciona tan bien en algunas cámaras, así que simplemente mueve el selector de AF a enfoque Manual y usa el anillo de enfoque para enfocar el tema. También vale la pena recordar que puede ser más fácil en algunas situaciones utilizar el bloqueo de enfoque, en este caso simplemente se centran en otro sujeto a la misma distancia y luego reencuadras el objeto convenientemente.

1. Muchos elementos en los proximidades
Cuando se toma una escena en la que intervienen muchos elementos – y cada uno que presenta una multitud de detalles – el enfoque manual puede ser necesario para un control completo de la toma. Esto es especialmente necesario cuando el sujeto presenta poca o ninguna variación en el tamaño, forma, color o brillo. Por ejemplo, un campo de flores, un macro de naturaleza abstracta, una concurrida calle llena de peatones, etc.

2. Obstáculos en el camino
Si el sujeto es parcialmente bloqueado detrás de un obstáculo y no tenes posibilidad de moverse fuera del camino, el enfoque manual puede ayudarte a identificar el tema principal. Además si utilizas un zoom y te aproximas al objeto, puedes borrar con creatividad la obstrucción de la vista al sujeto. Por ejemplo, una jaula donde hay un animal encerrado, una persona que mira desde una ventana o de pie detrás de una puerta, etc.

3. Confusión geométrica
Muchos fotógrafos de arquitectura, especialmente los que favorecen el diseño contemporáneo tienden a favorecer más el enfoque manual que el automático. Esto se debe a que los patrones de la arquitectura moderna a menudo presenta geometrías que pueden confundir el enfoque de la cámara en modo automático. Por ejemplo en las fotos de rascacielos.

4. Alto contraste
Cuando se presenta una escena que contiene grandes áreas de marcado contraste o de brillo intenso es probable que el enfoque automático no funcione. Por ejemplo, si estas haciendo un retrato al aire libre y el sujeto está en la sombra, pero que han decidido incorporar una amplia zona de luz adyacente.

5. No hay contraste
Al igual que con las zonas de alto contraste, pueden encontrar que las escenas sin contraste puedan presentar los mismos problemas de enfoque, es decir, el tema principal presenta los mismos tonos y los colores como telón de fondo. Un ejemplo común de esto, es un muñeco de nieve con un fondo de nieve.

6. Dominante característica
Composiciones que contienen objetos que son más grandes o más representativas que el sujeto que deseas tomar, también puede engañar al enfoque automático. Por ejemplo una persona empequeñecida frente a un paisaje urbano intimidante se puede perder con enfoque automático, cambia a enfoque manual para una solución rápida.

7. En la noche
En situaciones en las que desea fotografiar en plena oscuridad, el enfoque manual va a ser tu única opción. Ejemplos concretos de esto: fotografiando estrellas, la aurora boreal o queriendo hacer dibujos de luz con linterna en donde el ambiente debe estar oscuro. Muchas veces el foco en una fotografía nocturna de este tipo es un tema de prueba y error.

Diferencias entre las reflex de gama baja y media

Uno de los cambios más grandes que se da en la fotografía, es cuando pasamos de un modelo de reflex básico a uno de gama media.
Nuestra primera y básica cámara reflex nos ofrece posibilidades antes nunca vistas, aparte no hemos tenido la opción de probar e incluso ver otro tipo de modelos y pensamos que poco más nos pueden ofrecer gastando más dinero. Pero nada más lejos de la realidad, la calidad se paga y la diferencia es notoria.

Cuando después de un tiempo decidimos dar el salto a un modelo superior de gama media, todas nuestras dudas se disipan y nos damos cuenta de que la inversión realmente ha valido la pena.

Las principales diferencias y no pocas que encontramos entre uno y otro modelo pueden ser las siguientes:
1. El tamaño es ya muy similar a una cámara de gama alta, con una empuñadura en la que generalmente entrará toda nuestra mano.
2. Los materiales de construcción son menos plásticos y se nota una mayor robustez en general.

3. Cuerpo metálico, por lo general de magnesio.

4. Montura metálica y no plástica como en algunas reflex de gama baja.

5. Sellado anti polvo y agua. No en un 100%, pero ya tienen algo.
6. El AF es muy superior, más rápido, más puntos de enfoque, sin problemas de enfoque en la mayoría de los casos, incluso en situaciones algo complicadas de luz o de poco contraste.
7. ISOs mayores con un menor nivel de ruido. En la gama media un ISO de incluso 1600 suele trabajar bastante bien, mientras que en la gama básica pasando de ISO400 empezamos a tener problemas.
8. Un mejor visor con mayor información y generalmente una mayor cobertura.
9. Pantalla más grande y con más colores.
10. Nuevas y diferentes funciones.

Podríamos enumerar incluso una lista más amplia, pero sólo hasta que no se usa y comprueba uno mismo la diferencia no se aprecia el cambio tan grande.

Con esto no quiero decir que ahora todo el mundo que tenga una cámara de reflex de gama baja deba comprar un modelo de gama media, sino que quizás para empezar en la fotografía y se tengan realmente pretensiones de invertir tiempo y esfuerzo, la gama media sea mejor opción para iniciarse.

Regla de los Tercios, sección aúrea. Qué es todo esto?

Quizás el principio de composición fotográfica más conocido es "La Regla de Tercios". Es una de las primeras cosas que se enseñan en los cursos de fotografía ya que es la base para obtener tomar interesantes y bien balanceadas. Aún así yo diría que las reglas se hicieron para romperse y esta no es una excepción. El no seguir esta regla en todas las situaciones no quiere decir tus fotografías van a ser siembre poco interesantes o estar mal balanceadas. Sin embargo bien dicho por algunas personas, si vas a romper una regla, será mejor que la conozcas bien antes de hacerlo y así seguirás siendo efectivo.

¿Qué es la Regla de Tercios?
El principio básico detrás de esta regla es el dividir un encuadre en tres partes iguales (tanto horizontal como verticalmente) y así terminar con 9 partes como se demuestra en este diagrama.

Mientras está usted por tomar una fotografía, tendrá que hacer esto en su mente mientras observa a través del visor ó en la pantalla LCD de su cámara (Hoy en día ya hay varios modelos que pueden mostrar estas divisiones de manera automática mientras usted prepara su encuadre).

Con esta cuadricula en mente la "Regla de Tercios" ahora define 4 puntos importantes de la imagen en los que debes considerar posicionar los puntos focales de interés mientras realizas el encuadre.

No solo esto, también le da 4 líneas útiles para posicionar elementos dentro de su fotografía.

La teoría es que si usted posiciona los puntos de interés sobre estas intersecciones o sobre las líneas su fotografía se convierte en una imagen mejor balanceada y permite a los observadores interactuar con ella de manera más natural. Hay estudios que demuestran que los ojos de una persona que está observando una fotografía se dirigen de manera natural a estas intersecciones y no directamente al centro. La regla de Tercios trabaja a favor de nuestra naturaleza y no en contra de ella.

En esta imagen se ha colocado la cabeza del sujeto en una de las intersecciones, y sus ojos siguen una de la líneas principales. Adicional a esto, encontramos que la corbata y la flor en su traje también se posicionan en un punto focal principal.

En esta foto podemos notar como ella se encuentra posicionada directamente sobre una de las líneas y claramente fuera del centro. El haberla posicionado en el centro de la fotografía hubiera resultado en una imagen "extraña".

De manera similar, el posicionar los horizontes sobre una de las líneas en fotografía de paisaje funciona muy bien.

Al estar aprendiendo a aplicar la regla de tercios (y a romperla también) es importante que te hagas las siguientes preguntas:

¿Cuáles son los puntos de interés en esta fotografía?
¿En dónde es que los estoy posicionando?

Una vez más, recuerda que el romper la regla puede resultar en una imagen impresionante, así que una vez que la hayas aprendido experimenta en romperla a propósito para ver que descubres.

Por último, mantén en mente la regla de los tercios, una vez que comiences a editar tus fotografías en casa. Los programas de post-producción de hoy en día tienen herramientas muy buenas que nos permiten encuadrar nuestra imágenes siguiendo esta regla. Experimenta con fotos anteriores y vé cómo cambia su impacto al aplicar esta regla.

Regla o sección aúrea

La regla o sección áurea es una proporción entre medidas. Se trata de la división armónica de una recta en media y extrema razón. Esto hace referencia a que el segmento menor es al segmento mayor, como este es a la totalidad de la recta. O cortar una línea en dos partes desiguales de manera que el segmento mayor sea a toda la línea, como el menor es al mayor.

De esta forma se establece una relación de tamaños con la misma proporcionalidad entre el todo dividido en mayor y menor, esto es un resultado similar a la media y extrema razón. Esta proporción o forma de seleccionar proporcionalmente una línea se llama proporción áurea, se adopta como símbolo de la sección áurea (Æ), y la representación en números de esta relación de tamaños se llama número de oro = 1,618.

A lo largo de la historia de las artes visuales han surgido diferentes teorías sobre la composición. Platón decía: es imposible combinar bien dos cosas sin una tercera, hace falta una relación entre ellas que los ensamble, la mejor ligazón para esta relación es el todo. La suma de las partes como todo es la más perfecta relación de proporción.Y con él han debido estar de acuerdo artistas como Salvador Dalí, Fidias, Leonardo da Vinci, Durero, Mozart o Debussy que plasmaron en sus obras las bondades de esta divina proporción.

Pero, ¿ocurrió esto de manera consciente, es decir, aplicaron estos artistas el número áureo deliberadamente? Hay constancia de que por ejemplo Dalí sí lo hizo (Leda atómica) ya que sus testimonios así lo verifican. Pero esta voluntariedad no está tan clara en cambio en otros muchos casos. Sea de manera voluntaria o involuntaria, sí parece cierto que la proporción áurea ha descubierto a los artistas el secreto de las formas armónicas. Numerosos estudios confirman que existe una especie de placer estético en las formas bien proporcionadas y que el ser humano reacciona de manera favorable ante la simetría geométrica.

Llegados a este punto, mi cuestión y duda está en determinar si este "canon de belleza" llamada proporción áurea puede considerarse una regla fotográfica a seguir. En mi modesta opinión, creo que no se le debería dar tal consideración diferenciando de antemano esa característica clave de voluntariedad. Para mí la proporción áurea en fotografía puede ser una herramienta más en manos del artista que en un preciso trabajo pretenda conseguir una estética determinada. Si luego la involuntariedad o el inconsciente le empuja a repetir esas proporciones se entenderá que simplemente tiende a una visión simétrica del mundo que fotografía.

Buscando en Youtube encontré este video para chicos, muy didáctico donde explica la proporción aúrea.

La regla de los Tercios explicada con fotos

En fotografía todo entra por los ojos, he aquí un claro ejemplo para aquellos que quieran familiarizarse con la la composición y específicamente con la regla de los Tercios. En la web de

Reuters encontraremos 20 imágenes de ejemplo sobre este tema.

Consejos a la hora de usar objetivos gran angulares

El gran angular es el objetivo deseado por todos aquellos a los que nos gusta la fotografía de paisajes. Gracias a este tipo de objetivos se consiguen efectos muy atractivos visualmente, como alteración evidente de las perspectivas.

Aquí algunos consejos para sacarle el jugo a estos objetivos:

Acercate lo más que puedas
La principal ventaja y a la vez incoveniente de los grandes angulares es que cuando miras a través de ellos todo se ve muy lejos.
Es una ventaja porque te permite tomar un ángulo de visión muy amplio, pero también es un inconveniente debido a que si hacemos las fotos como estamos acostumbrados, simplemente mirando al infinito, haremos una foto en la que todo está muy lejos. ¿La solución? Acercarse.

Buscando un elemento que aporte a la escena y colocándolo en primer plano dará mucha información y mucha fuerza a nuestra foto. Fijate bien en todas las fotos que hayan llamado tu atención hechas con grandes angulares. La mayoría utilizan este recurso, y es una garantía de éxito en a mayoría de los casos.

Lo que importa es el primer plano

Es lo que te acabo de contar. Si has seguido el primer consejo, habrás incluido na información esencial en primer plano.
Ahora se trata de que esa información aporte realmente a la foto. No solo necesitamos incluir algo en primer plano. Lo que incluyamos tiene que aportar mucha información y ser de interés. Vuelve a fijarte en las fotos anteriores y me darás la razón.

Las líneas

Las líneas son un elemento compositivo muy potente en fotografía. Y uno de los tipos de líneas que mejor ayudan a dirigir la atención de la vista son las líneas convergentes.
Cuando hacemos fotos con un gran angular el efecto de las líneas convergentes se potencia por el ángulo cubierto.
Así que si tienes oportunidad, realiza composiciones cuando tenga sentido hacerlo en el que las líneas arranquen desde las esquinas inferiores de tu foto y dirijan la vista al punto de la foto donde tu quieras.

La Nitidez
Las ventajas del uso de focales tan reducidas es la facilidad para que salga bien enfocado lo que queremos.
A poco que cerremos el diafragma, combinado con la distancia hiperfocal con la que contemos, hará que la zona nítida de nuestra foto sea muy grande. Ideal para la fotografía de paisajes.
Busca el punto justo de tu objetivo. En el caso de mi Sigma 10-20, diría que se encuentra en f/11. Con aperturas en esa línea consigo fotos aparentemente nítidas tanto en el primer plano como el el fondo.

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Probá en vertical
En el caso del gran angular, cuando disparas en vertical aprovechas más el ángulo de visión si tu objeto en primer plano está en el suelo. Puedes casi sacar tus pies en la foto y mantener
el horizonte. Este es el motivo por el que verás la mayoría de las fotos de este tipo con una orientación vertical.
Si te ocurre lo que a mi y casi siempre disparas en horizontal, cuando uses un gran angular prueba a disparar en vertical. Notaras la diferencia

Cuidado con los filtros
Si estás acostumbrado a usar filtros, con los grandes angulares debes tener un especial cuidado.
Por un lado, si usas filtros polarizadores, pueden aparecerte "efectos extraños" en los cielos.
Tiene su explicación, y es debido al ángulo que estás cubriendo con el objetivo. Los filtros polarizadores funcionan de una determinada forma en función del ángulo con que incide la luz.
En el caso de los grandes angulares, el ángulo cubierto es muy grande, lo que puede que se traduzca en tus fotos en tonalidades en el cielo no deseadas.
Por otro lado, es probable que el uso de determinados filtros haga aparecer viñeteos no controlados debido a ese mismo ángulo.
Si vas a comprar un filtro para tu gran angular, asegurate antes de que no va a provocar viñeteo en las fotos.

Las líneas verticales
Los gran angulares deforman la realidad. Es un hecho, y hay que saber vivir con ello.
Las líneas son especialmente sensibles a estas deformaciones, y lo notarás sobre todo si pierdes la horizontal con la cámara.
Haz la prueba mirando a través del visor. Mira hacia delante, observa la escena, y a continuación inclina la foto cambiando el punto de vista, mirando hacia arriba o hacia abajo. ¿Ves a lo que me refiero? La distorsión es muy grande.

El ojo fotográfico

El "ojo fotográfico" es la habilidad de observar el entorno, elegir un motivo y visualizar cómo aparecerá una vez hayamos usado nuestra cámara.

Ésta es la habilidad más importante para todo fotógrafo que se precie, propongo a todos entrenar nuestro ojo fotográfico de tal manera que nuestras fotos no se conformen con transmitir una imagen, sino un algo que las diferencie del resto. Las fotografías deben transmitir alguna sensación y no únicamente una imagen.

Es fundamental entrenar nuestro ojo fotográfico porque éste, no solo determina qué elementos visuales aparecerán en la imagen, sino el encuadre, el momento del disparo, el ángulo, la interacción entre los elementos, su peso relativo en la fotografía, la dirección de la luz… Mucha gente piensa que el ojo fotográfico es un don divino que le ha tocado sólo a unos pocos, y tal vez tengan parte de razón, pero afortunadamente nuestro ojo fotográfico puede entrenarse y mejorar con el tiempo y la práctica, entendiendo los procesos básicos por los cuales el cerebro percibe la información visual.

Para algunas personas, la dificultad para "ver" las fotografías tiene su origen en que, mientras que el hemisferio izquierdo abstrae información secundaria de la imagen y le da significado, el hemisferio derecho, procesa la información tal cual es. Un ejemplo podemos tenerlo cuando observamos un poste telefónico, habitualmente nuestro cerebro recibe la información y por norma general tenderemos a pensar que está perfectamente erguido, mientras que realmente puede que esté inclinado uno o dos grados. Como es una información "despreciable" en comparación con la longitud del poste, el cerebro tiende a no darle importancia y a eliminarla.

El reto del ojo fotográfico consiste en que mientras que la mayor parte de la gente está educada para realizar tareas que requieren el hemisferio izquierdo, y el hemisferio derecho del cerebro debe ser entrenado. Además, debemos desarrollar la habilidad de percibir diversos elementos como sombras, emociones, el cambio temporal y la metáfora como un conjunto y no como elementos diferenciados. Esto puede sonar desalentador al principio, pero con el tiempo y la práctica, uno cada vez "ve" mejor y analiza antes la fotografía.

La composición es la técnica de ordenar los elementos visuales en la fotografía de tal manera que aparezcan de forma armoniosa o atractiva cuando se miran como un todo. Algunas personas consideran que la composición es un arte diferente del "ojo fotográfico", pero yo pienso que no dejan de estar relacionados.

Ejercicio 1: Por el momento como práctica, se pueden plantear este ejercicio. La próxima vez que vayas a hacer fotografía, encuadra y antes de disparar, quítate la cámara de la cara. Piensa, ¿estaría mejor esta fotografía desde otro ángulo?, ¿sería mejor usar más angular y acercarme?, ¿qué ocurre si me alejo y utilizo una focal teleobjetivo?, ¿sobra algo en la fotografía?, ¿falta algo?, ¿tiene equilibrio?. Haz la foto que tenías pensado antes y una vez hayas pensado y respondido todas estas preguntas repite la fotografía como crees que quedaría mejor. Experimenta y haz más fotos cambiando diversos parámetros: posiciones, ángulos, distancia focal. No te quedes ahí, una vez las tengas en la PC analiza cuáles te gustan y por qué.

Esta práctica puedes darla por terminada cuando haya más fotografías en tu galería que en la papelera de reciclaje 🙂

Ejercicio 2: Aprende de los maestros. Un sitio web donde hay galerías con fotos muy buenas es 1x. Observa las fotografías de calidad e intenta averiguar cómo se hicieron, qué te gusta de ellas y por qué te transmiten lo que te transmiten.

Y recuerden!

“ Una imagen sin mensaje, es sólo eso, una imagen; denle sentido, sentimiento, mensaje y se convertirá en una foto ”

Fotografiando en Otoño

El otoño es una estación maravillosa para fotografiar en color. La naturaleza, siempre exuberante, nos ofrece en otoño un espectáculo impresionante, incluso para el menos imaginativo de los aficionados.

Por desgracia, es muy probable que esta belleza se nos suba a la cabeza y nos produzca una especie de cosquilleo en los dedos que nos obligue a disparar la cámara cada vez que vemos una escena o un paisaje que nos gusta, especialmente si el sol se halla “en su justo punto” y quedan pocas oportunidades de hacer la foto.
La mayor parte de quienes hacen cientos de fotografías en color estarán de acuerdo en que los mejores resultados los han obtenido fotografiando temas sencillos y estudios tomados de cerca. Es importante el esforzarse en evitar que el efecto global de una vista rica en colorido llegue a influir demasiado en nuestra capacidad de juicio.

La clave está en evitar la monotonía, lo cual es más difícil de lo que parece. Una veintena de fotografías en color en donde aparezca un paisaje otoñal resultará sumamente agradable, pero un centenar pueden hacerse pesadas.
No basta con variar la distancia y el ángulo, ni con fotografiar diversos detalles del paisaje. La única solución (a no ser que nos contentemos en dejar que los colores hablen por sí mismos) reside en combinar una percepción selectiva con una técnica cuidadosa.
Por regla general, las hojas de tipo más grande (tilo, castaño de Indias, plátano, haya, etc.) son más fotogénicas que sus congéneres más pequeñas (abedul, carpe, majuelo, etc.), toda vez que estas últimas son propensas a crear una imagen desmenuzada y dispersa.

El mejor procedimiento para medir la exposición, cuando se fotografían hojas a contraluz, consiste en acercar el fotómetro a una distancia de dos a cinco centímetros, de forma que la luz atraviese las hojas antes de llegar al fotómetro.
Entonces será usted quien decida cómo debe ser la foto: si una fiel reproducción de los colores o, por el contrario, si éstos deben ser más intensos o más débiles que en el original.
Tal vez quiera que la riqueza cromática destaque sobre el fondo. En tal caso, la exposición debe ser mínima. Por el contrario, es posible aumentar la exposición de modo que ilumine el fondo y el efecto general, a cambio de sacrificar un poco la intensidad cromática del tema propiamente dicho.

Las cámaras muy pequeñas son sin duda un instrumento admirable, pero la imagen que vemos en el visor es engañosamente pequeña y, por consiguiente, es fácil que pasen desapercibidos algunos detalles pequeños y superfluos.
El efecto de una foto de cerca puede malograrse por culpa de las hojas deformes que aparezcan en la foto. Asimismo, en las fotos de índole más general se corre el riesgo de que los resultados se echen a perder a causa de la aparición de elementos antagónicos. Antes de utilizar el visor, conviene examinar lo que hay en torno y más allá del tema. Cuando se positiva una fotografía o se ve en el monitor de su PC, los pequeños errores parecen enormes.
La disposición de ramas y hojas en la zona visual no es lo único importante, sino que también lo son (casi en igual medida) el tamaño y la disposición de los espacios intermedios y circundantes. Demasiado espacio restará poder de atracción al tema; demasiado poco dará impresión de constreñimiento.
Algunos árboles como el pino, el alerce, el fresno y el sauce exigen cuidados extras al ser fotografiados. Muy a menudo los espacios entre las hojas son mucho mayores que las hojas mismas y hacen que sea difícil fotografiarlas de cerca.

Si bien el sol es una gran ventaja, son numerosas las excelentes fotografías que se han obtenido en días nublados o lluviosos. Asimismo, la neblina les da un encanto muy peculiar, aun cuando debe evitarse al fotografiar de cerca. Los bosques se hacen menos espesos y sus contrastes de iluminación más manejables.

Porqué RAW y no JPG?

Un archivo RAW contiene toda la información posible captada por el sensor, todo lo que la cámara es capaz de entregar. Aquí no hay truco. Podemos editar y reeditar la foto tantas veces como consideremos necesario sin que se produzca una pérdida de información. Disponemos de todos los datos necesarios para conseguir la mejor calidad de imagen posible.

Selección del formato RAW en la Canon 70D

En RAW el balance de blancos no está prefijado, sino que se trata simplemente de una etiqueta en la cabecera del fichero que indica al revelador la temperatura de color usada en el momento en que captamos la imagen. No se han tocado los datos relacionados con este parámetro, por lo que es posible modificar o corregir a nuestro antojo el balance de blancos e incluso dar rienda suelta a nuestra creatividad.

El "demosaicing" o la interpolación de la información del color no la realiza automáticamente la cámara, sino el revelador RAW en el momento de abrir la imagen. Dado que el procesador de nuestro ordenador es muy superior al que lleva la cámara, esta tarea no sólo se realiza con mayor agilidad, sino que también es mejor y más sofisticada la interpretación del algoritmo que acaba conformando la imagen en color.

Cuando se hace un disparo con una cámara digital, cada una de las celdas de su sensor convierte la luz que recibe en un valor que luego forma el archivo digital. Los formatos JPG y TIF tienen una "profundidad de color" de 8 bits, o lo que es lo mismo, 256 colores por canal. El formato RAW puede tener 10, 12, 14 o 16 bits por canal, describiendo una cantidad muchíísimo mayor de colores del orden de varios miles de colores por píxel y por canal.

Adobe Camera Raw, interfaz para abrir archivos RAW

Esta enorme diferencia hace que, cuando disparamos en JPEG, una tercera parte de la información capturada por el sensor se pierde. Un efecto que puede apreciarse sobre todo en las zonas más oscuras de la imagen. Allí donde un archivo RAW es capaz de almacenar 128 niveles, el JPEG se queda en sólo 20, y con mayores posibilidades de sufrir problemas de "posterización".

Aunque parezca una locura y todos lo hagamos, en realidad un JPEG está concebido como un archivo final que no debería ser procesado. De hecho, toda edición que hagamos sobre un JPEG será destructiva. El RAW, al contrario, es mucho más flexible e incluso nos permite trabajar con imágenes a 16 bits (una vez extraído el archivo del revelador), gozando así de 65.536 niveles con los que dar rienda suelta a nuestra imaginación.

Con el formato JPEG sólo disponemos de dos espacios de color con los que trabajar, normalmente sRGB y AdobeRGB. En RAW, podemos trabajar la imagen con espacios de color más desconocidos pero mucho más amplios. Por ejemplo, el espacio ProPhoto RGB puede abarcar todos los colores que es capaz de capturar el sensor.

¿No sería interesante disfrutar de libertad total a la hora de enfocar nuestras imágenes? A diferencia de los JPEG que ya salen de la cámara con máscara de enfoque aplicada, en un archivo RAW somos nosotros quienes decidimos cuánta máscara queremos y de qué manera. Es posible, por ejemplo, que en un retrato no nos interese enfocar la imagen o que queramos hacerlo sólo en zonas concretas, como los ojos o el pelo. En un paisaje, por el contrario, lo normal es que queramos obtener un resultado totalmente nítido.

La exposición es, sin duda, otra razón de peso. En un archivo RAW la podemos ajustar de forma más precisa después de la toma, y siempre dentro de unos límites razonables, sin que se produzca una pérdida de calidad. También podemos trabajar con distintas exposiciones en algunas zonas de la imagen para optimizar así la información tanto en las luces altas como en las sombras.

Canon Digital Photo Professional

¿Nos gusta cómo combate nuestra cámara la presencia de ruido en las imágenes? No nos conformemos. Trabajando en RAW no sólo es posible mejorar el nivel de ruido, sino también controlar de forma precisa la cantidad de ruido y nitidez que queremos que luzca nuestra obra.

Rueda de exposición fotográfica

Investigando por las webs y referido al tema donde vimos la Ley de Reciprocidad encontré esta práctica Rueda de Exposiciones Fotográficas (en inglés), es muy práctica a la hora de entender cómo funciona la reciprocidad de las 3 variables fundamentales en fotografía: Apertura de diafragma, Velocidad de obturación y sensibilidad ISO.

A los lados de la rueda vemos representados los distintos ambientes de luz (nieve, sol de mediodía, etc). Arriba la sensibilidad ISO. Con estos valores la rueda representa los valores correspondientes a Diafragma y Velocidad y tomando los valores en sentido horario donde la velocidad es más lenta se verán los pares de valores para conseguir movimiento en la toma, si los tomamos al reves, en sentido antihorario, la velocidad es más rápida,con lo que lograremos congelar la imagen.

Link: http://training.sessions.edu/design-tools/photography-exposure-wheel.asp

Descarga: http://download.cnet.com/Photography-Exposure-Wheel/3000-12511_4-10565377.html